OBLIVION SONG KIRKMAN, DE FELICI COMIC SCIFI

ECC, Barcelona, 2021.
304 páginas, 32 euros.

UNA CANCIÓN PARA NO OLVIDAR
Kirkman lo ha vuelto a hacer. Tras deslumbrarnos con sus muertos vivientes, su refrescante superhéroe juvenil, “Invencible”, y el arrollador “El poder del fuego”, demuestra de nuevo su talento con “Oblivion Song”.

Sinceramente, no las tenía todas conmigo. Pudimos ver los originales de la serie en Angulema, hace dos años. En la muestra que le dedicaron también se incluían las planchas del último episodio de sus zombis, antes de que se publicara en España. En comparación con la limpia narrativa de Adlard, aquella extraña mezcla de ciencia ficción y monstruos resultaba barroca e innecesariamente distorsionada. Las páginas coloreadas tampoco parecían mejorar mucho el conjunto. Así que les aseguro que comencé la lectura de esta nueva fantasía de Kirkman con pocas esperanzas. Pronto me di cuenta de mi error.

Primero en cuanto al grafismo. A pesar de sus caras expresionistas y sus acabados feístas, Lorenzo De Felici es un dibujante como la copa de un pino. Su estética se ajusta como un guante a esta historia de perdedores, sabe imprimir en los rostros de los personajes todas esas

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INMERSION COMIC JOE HILL y STUART IMMONEN TERROR

ECC, Barcelona, 2021.
168 páginas, 19,95 euros.

APOCALIPSIS ÁRTICO
Reconozco mi fascinación por el trabajo de Joe Hill, hijo del gran Stephen King. Si hace meses nos deslumbraba con “Un cesto llena de cabezas” ahora vuelve a hacerlo con esta nueva entrega.

En este caso se traslada a una perdida isla en el Ártico donde el escritor rinde un nada disimulado homenaje a “The Thing” de Carpenter. Comparto su fascinación por esa intensa película, aunque no puedo evitar citar la primera versión de Hawks-Nyby. La vi en los setenta en un ciclo televisivo que todavía hoy alimenta mis pesadillas. Incluía joyas como “La mujer pantera”, “La humanidad en peligro” y esta, retitulada como “El enigma de otro mundo”. Al contrario que en el film de Carpenter, la versión en B/N escondía al monstruo, con lo que conseguía una atmósfera terrorífica muy efectiva. La cuestión es que estos horrores en tierras heladas son sugerentes y Hill parte de un ambiente similar para construir un relato que conserva algunos retazos de sus antecedentes pero además aporta no pocas novedades.

A su lado cabalga Stuart Immonem, un dibujante que mejora en cada nueva obra. Empezó siendo un copiador de fotos más, de dibujo clásico pero aburrido, sin garra narrativa. Pero ha ido afinando cada vez más sus destrezas hasta convertirse en uno de esos autores a los que conviene no perder la pista. Se ha acercado a la estética Hughes-Cho, ya saben, una poderosa línea de contorno a lo Mucha que envuelve unas figuras muy creíbles. No descuida nada, trabaja los fondos y aprovecha bien la expresividad de la iluminación, las emociones de sus personajes son perfectas y sus monstruos dan mucho miedo. Su trabajo puede definirse, sin miedo a resultar exagerado, como espectacular.

Pero es que además acompaña a un Hill en estado de gracia. El escenario ártico le Leer más...

CHEZ ADOLF de RODOLPHE, MARCOS y FOGOLIN COMIC

Ponent Mon, Madrid, 2021.
112 páginas, 25 euros.

EL ADOLF MÁS CASERO
Hay una primera razón para comprar este álbum y es su guionista. Rodolphe es uno de los cómplices habituales de Leo, fue su guionista en “Trent” y luego juntos escribieron otras sagas como “Kenia”.

Como buen entusiasta del trabajo de Leo me lancé sobre “Chez Adolf”, esperando encontrar la calidad que esta pareja ya ha demostrado en el pasado. Y la obra no decepciona. Se echa en falta a Leo, cuyo lugar lo ocupa un dibujante gallego, Ramón Marcos. Un autor a quien apenas conocía y que cumple con creces. Lo que aquí se cuenta queda lejos de las fantasías intergalácticas con las que asociamos al creador brasileño. No sé cómo se las habría apañado Leo enfrentado a una reconstrucción histórica como ésta, pero sí que Marcos sale airoso del reto. Su dibujo es limitado pero riguroso, se ajusta con precisión a lo que pide el guión y transmite con firmeza las emociones y los ambientes que nos sitúan en esa Alemania cada vez más totalitaria.

El asunto es similar al abordado por Spiegelman en su renombrado “Maus”. Se cuenta el ascenso del nazismo, no desde la perspectiva de las altas esferas sino desde una posición más cotidiana, casi vulgar. El protagonista es un profesor de un colegio que asiste como testigo a esas pequeñas transformaciones que, de manera imperceptible, conducen a una sociedad a su perdición. Él no es un político, solo un erudito, un tipo solitario que desea que le dejen en paz. Pero el proceso es tan cruel como imparable. Primero le sugieren que debería de incorporarse al partido, luego le invitan a quemar Leer más...

OJO DE HALCÓN DETECTIVE PRIVADO de THOMPSON, ROMERO, WALSH Y BELLAIRE

Panini comics, Barcelona, 2021.
299 páginas, 9,95 euros.

EL OJO DE HALCÓN MÁS MOLÓN
Hace dos años ya escribí una primera reseña sobre este Ojo de Halcón con dibujos de Romero. Ahora han llegado nuevas aventuras y es obligatorio volver a referirse a él.

Se confirma como uno de los tebeos de superhéroes más interesantes de la actualidad. Por un lado por la parte gráfica, que en este caso firman dos dibujantes. El ya mencionado Romero y Michael Walsh. Digamos que el segundo hace lo que puede. De manera inteligente, se mantiene en la estela de simplicidad y descaro pop señalada por el primero y casi consigue que su presencia pase desapercibida. No tengo nada en contra del pobre Walsh. En realidad, su labor es bastante meritoria, su trazo evita barroquismos y su narrativa se mantiene eficaz. Pero es que el listón que deja Romero está muy alto. Ha interiorizado a la perfección el “menos es más” de algunos artistas que le han precedido y su diseño es preciso, bonito y muy adecuado para el tono humorístico que se filtra en los guiones de Kelly Thompson.

David Aja, muy admirado por las soluciones de su puesta en escena, les precedió en la serie. Así que algo ha quedado de sus planteamientos infográficos, sobre todo en algunas páginas dobles especialmente espectaculares. Pero creo que Romero lo hace Leer más...

CORTO MALTÉS. OCÉANO NEGRO de VIVÈS Y QUENEHEN

Norma, Barcelona, 2021.
180 páginas, 25 euros.

DE TOKIO A CÓRDOBA
Corto Maltés estaba viviendo un plácido renacimiento en las manos de Pellejero y Díaz Canales. Pero ahora otros autores han decidido probar suerte con el famoso marinero.

Más allá de la fascinación que pueda seguir provocando el personaje creado por Hugo Pratt, existen obvias razones económicas. Corto vende mucho, las tiradas de sus álbumes se mantienen por encima de la media, por no mencionar la atención mediática que todavía suscita. Así que no es extraño que un talento ya-no-tan-joven como es Bastien Vivés se haya animado a probar suerte con él. No lo hace solo sino en compañía del guionista con el que ya colaboró en “Catorce de Julio”, Martin Quenehen.

El producto final es realmente curioso. Evitan la vía ortodoxa del equipo español. No se sitúan en la cronología oficial del héroe sino en un momento alternativo, con un Corto Maltés actual. En una escena vemos cómo por la tele se cuenta el ataque a las torres gemelas. Así que éste no pretende ser el Maltés original sino un sucedáneo, un héroe contemporáneo que encarna el espíritu del Corto que conocimos. Personalmente, no me importa mucho si los autores han permanecidos fieles a su referencia, lo que me preocupa es qué han hecho con ella, cómo es el relato que han construido con su renovado Corto. Recientemente asistíamos a un caso similar en cine. El viejo James Bond era transformado en un respetable hombre casado en la última de Daniel Craig. En lugar de acostarse con Ana de Armas, lo que habría resultado natural en los tiempos de Connery o Moore, se pasea por ahí muy preocupado por no perder el peluche de su niña. Y además se nos presenta una nueva 007, mujer y negra. Todas esas innovaciones afectan a nuestra visión del personaje, un arquetipo al que acudimos esperando de él determinados comportamientos. Con todo, como fan de James Bond puedo tolerar algunas desviaciones de la norma si al final el producto es entretenido.

Abandono a Bond para volver a Corto. Y sí, más allá de su fidelidad al original considero que el resultado es adecuado. ¿Es el mejor Leer más...

RIC HOCHET de ZIDROU y VAN LIEMT

Dolmen, Palma, 2021.
120 páginas, 24,90 euros.

UN MALO MUY BUENO
Leía con agrado las aventuras de Ric Hochet cuando aparecían en el interior de las revistas de Bruguera. Entre un montón de productos de humor, que de alguna forma se reconocían como propios, españoles, se colaban esas otras series, más realistas, que pronto aprendimos a identificar como franco-belgas.

Allí cabía todo, de “Asterix” al “Teniente Blueberry”, de “Michel Tanguy” a “Ric Hochet”. Este joven detective era el ejemplo perfecto de lo que más tarde se denominó “línea clara”. Una historia donde la línea y el color lo hacían todo, desterrando las sombras. Los argumentos eran igualmente limpios, con aquel héroe de edad indefinida resolviendo casos imposibles, siempre secundado por el inspector Bourdon, tan bonachón como inútil ya que, al final, era el jovencito el que le sacaba las castañas del fuego. Recientemente, como ha pasado con tantos otros personajes de los setenta, ha vuelto agrupado en perfectos integrales que nos permiten recuperar las historias que ya habíamos leído y aquellas que permanecían inéditas. Pero, además, sus editores han intentado ofrecerle una segunda oportunidad, tras la desaparición de los autores originales.

A los que nos hemos pasado toda la vida escuchando diatribas sobre el sistema industrial americano, como ejemplo de aberración anti-artística, frente a los comics “de autor” europeos, nos divierte ver lo que está pasando con la mayoría de los personajes clásicos. No solo quedan en manos de otros creadores, es que además en muchos casos esas revisiones superan a los originales. No ocurre siempre pero lo cierto es que la aplicación de esos criterios industriales, la voluntad de ordeñar un poco más esas ubres, ha favorecido la creatividad de nuevos guionistas que han aprovechado la oportunidad para inventarse historias que mejoran las anteriores. Obviamente, Asterix resulta un hueso duro de roer y yo espero que no lo intenten con Tintin. Pero ya hay algunos Spirous curiosos y claramente nos esperan Cortomalteses mejores que el original.

En fin, que también han remozado a Ric Hochet y el nuevo producto es muy interesante. Primero por Leer más...

WE3 DE MORRISON Y QUITELY COMIC

ECC, Barcelona, 2021.
144 páginas, 17,95 euros.

EL IMPOSIBLE REGRESO A CASA
Publicado originalmente en 2004, se reeditó al año pasado y recientemente aparecía una segunda edición. WE3 es un cómic que había pasado totalmente por alto, no cometan el mismo error.

Recientemente un alumno me habló en clase de su existencia, mencionando algunas páginas con una narrativa muy poderosa e innovadora. Cuando me informé sobre un tebeo que ni me sonaba, descubrí porqué mi radar lo había ignorado. El guión era de Morrison y, a pesar de que Quitely se encargaba del dibujo, no me molesté en echarle un vistazo. Gran error. No es la primera obra interesante que firman juntos. Todos podemos recordar su brillante recorrido en “All-Star Superman”, pero siempre tengo la sensación de que es Quitely el que hace el trabajo y que Morrison solo está allí para incordiar. Una percepción sin duda injusta pero la verdad es que pocas son las obras de este guionista que no se me han atragantado, por pretenciosas, pedantes, por su insufrible moralismo progre o justo lo contrario, su nihilismo de salón. “Animal Man” todavía me provoca arcadas al recordarlo. Por cierto, a todos los que les gustó les recomiendo “No hay apocalipsis” de Michael Shellenberger, donde se explica qué es lo que está cargándose realmente a los murciélagos y las águilas calvas, y unas cuantas cosas más. Me cuesta creerme las historias de Morrison y no consigo entrar en sus universos. Así que me mantuve a distancia de esta miniserie. Y no debí hacerlo.

Quitely es uno de los artistas más dotados de su generación. Su dibujo es tremendamente personal, con una línea que no se parece a la de nadie más y que en los últimos años ha asociado su talento al de Millar, facturando juntos tebeos tan brillantes como “El legado de Júpiter”. En “WE3” le da una vuelta de tuerca más a su narrativa y consigue

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NEW YORK CANNIBALS de BOUCQ y CHARYN

Nuevo Nueve, Madrid, 2021.
152 páginas, 25 euros.

CANÍBALES, VAMPIROS Y OTROS MONSTRUOS
Boucq lleva años trabajando con el escritor Jerôme Charyn, desde los lejanos tiempos de “La Mujer del mago” y “Boca de Diablo”. Ahora vuelven a juntarse, recuperando al protagonista de “Little tulip”.

Aquellas dos primeras colaboraciones habían permitido a Boucq escapar del género del humor grotesco en el que parecía haberse atascado, abordando tramas más dramáticas pero sin abandonar su gusto por lo bizarro. Lo mejor de Charyn eran aquellos momentos en que la realidad y la fantasía se desdibujaban hasta confundirse. Cuando le salía bien era surrealista y estremecedor, pero eran operaciones de riesgo con el ridículo como mayor amenaza. Hay una larga tradición de autores en los que la tendencia hacia lo estrafalario, lo peculiar, pesa más en ocasiones que la estructura dramática, que acaba abandonada, permitiendo que el relato se convierta en un desfile de freaks. En ese sentido, “La mujer del mago” era inferior a “Boca de diablo” donde el equilibrio entre un poderoso drama realista y lo delirante estaba más conseguido. Luego Boucq se pasó varias décadas ilustrando las fantasías de otro famoso iluminado, Jodorowsky, para quien la división entre el sueño y lo real no existe. Juntos levantaron “Cara de luna” primero y el western “Bouncer” después. Además, el dibujante seguía publicando sus propias invenciones cómicas sin descanso, mientras su arte se iba refinando y afianzando.

Hace poco sorprendió volviendo a reunirse con Charyn, retomando una colaboración interrumpida en los noventa del pasado siglo. Recuperaron algunos de los ambientes soviéticos ya transitados en su anterior trabajo, “Boca de diablo”. Como allí, viajábamos del infierno del gulag comunista a la ciudad de Nueva York, en una narración tensa y agria, que Boucq visualizaba con su destreza habitual. Aquí conviene hacer un inciso

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REGRESO A ALDEBARÁN DE LEO COMIC

ECC, España, 2021.
200 páginas, 22 euros.

REGRESO A LEO
Recientemente celebrábamos la reedición en un formato más grande (de luxe) del primer ciclo de Aldebarán. Ahora nos llega un volumen que agrupa nuevas aventuras en el mismo escenario.

Lamentablemente se recupera el formato diminuto de la primera edición, con textos a unos cuerpos al límite de lo legible ¡Jubilados abstenerse! Una pena, cuando a la ya mencionada reedición se había sumado hace poco la publicación de Centaurus, en un tamaño “normal” de álbum europeo. Saga que ya ha concluido y en la que Leo, el autor de Aldebarán, desempeñaba solo la función de guionista, acompañado de su amigo Rodolphe y dejando a Janjetov a cargo del dibujo. El balance era muy positivo, como en casi cualquier producto con el que que se ha relacionado el creador de origen brasileño. Quienes hayan leído otros trabajos suyos ya saben de qué les hablo: grandes caracterizaciones, con personajes femeninos siempre fuertes y decididos, espectaculares ambientaciones, con especial atención a unas faunas alienígenas muy imaginativas, aventuras trepidantes donde los héroes se enfrentan a situaciones donde su vida siempre corre peligro y algunos mueren por el camino, argumentos inteligentes en los que la preocupación ecológica adquiere un evidente protagonismo, etc.

Leo es muy grande en lo que hace y lo peor que podría decirse de este Regreso a Aldebarán es que, de alguna manera, no es tan bueno como sus anteriores entregas, hace ya veintitantos años. ¿Quiere esto decir que tiene alguna debilidad o error? Apenas. Imagina saltos espacio-temporales, se traslada de Leer más...

CASTILLO DE ARENA DE PEETERS Y OSCAR LÉVY

Astiberri, España, 2021.
104 páginas, 18 euros.

TIEMPO VELOZ
Lo último de Frederick Peeters viene acompañado por un aviso donde se nos informa de que su cómic ha sido adaptado a la gran pantalla por Shyamalan, cambiando el título original por el de “Old”.

 
La cinta nos ha llegado como “Tiempo” y confieso que todavía no he tenido ocasión de verla. Pero sí que he leído la obra original de Peeters y su compañero Pierre Oscar Lévy. Según se explica al final del libro, el segundo escribió el guión original pensando en una película. Después hizo el álbum con Peeters y finalmente la adaptación cinematográfica llegó desde Hollywood. El dibujante tiene ya una larga trayectoria y me he topado con sus cómics a menudo en las librerías especializadas. En España su obra ha sido editada por Astiberri y lo más reciente es “Saqueo”, que viene tras “Oleg”, “Píldoras azules”, “Lupus”, “Dándole vueltas” y muchas más. Nunca antes me había animado a leerlo y, según afirma la crítica, debo de estar perdiéndome a uno de los mejores talentos europeos. No puedo juzgar el resto de su obra, ya que, insisto, no he tenido oportunidad de leerla. Pero sí este “Castillo de arena”.

Se trata de una obra en B/N donde se emplea la clásica estructura de 3x3, que se rompe ocasionalmente para introducir alguna horizontal o saltar en algunas páginas al 2x3. En cuanto al dibujo, Peeters se relaciona con cierta nueva ola europea empeñada en recuperar una estética feísta, con un trazo no tan controlado, con líneas muy expresivas y acabados que a mí a veces me recuerdan a Jean-Claude Forest. Aunque el trabajo tiende a ser muy lineal, el autor aumenta la dosis de manchas negras en algunas páginas, consiguiendo así los mejores resultados, cargando las viñetas de sombras o jugando con la oscuridad de la noche. Es un trabajo correcto y en general vigoroso, directo.

En cuanto al argumento, si vieron el trailer en televisión se harán una idea bastante exacta del tema. Un grupo de personajes llega a una playa donde

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EL UMBRAL DE LO SINIESTRO DE JUNJI ITO COMIC TERROR MANGA

ECC, España, 2021.
216 páginas, 9,95 euros.

UN TERROR MUY VISUAL
Junji Ito lleva décadas aterrorizando a lectores de todo el mundo. Crea imágenes tan desasosegantes como atractivas. Y eso no es fácil.

Pero el cómic es un medio secuencial. No basta con tener un fotograma (en su caso, una viñeta) impactante. Debe funcionar en el conjunto de un relato bien estructurado y fluido. Y eso no siempre lo consigue. Hacía tiempo le había echado un vistazo a algunas de sus historias, llenas de cuerpos alterados y con una estética de la degeneración que recordaba al primer Cronenberg. Lo enfermo asusta, por cercano. Rara vez nos toparemos con un vampiro, pero un tumor es una amenaza próxima y creíble. Más allá de esas viñetas que resulta difícil dejar de mirar, entre el asco y la fascinación, las historias que las cobijaban no eran tan poderosas. Recientemente volví a probar suerte con su adaptación de “Frankenstein” y de nuevo me sentí decepcionado. Aunque contenía algunas ideas ingeniosas el ritmo fallaba y el conjunto no era estimulante. Sin embargo esta nueva recopilación de relatos consigue ese delicado equilibrio entre lo visual y lo dramático, aunque no en todos. “La cuesta de las plañideras” es sin duda el más logrado, seguido por “La corriente espectral de Aokigahara”. “La Madona” es inquietante, pero el final falla. “El duermevela”, el último episodio, es también el más flojo, con una estructura confusa y mal desarrollada.

El mecanismo narrativo de Ito es similar en todos los casos. Se parte de una situación verosímil, “real”, como un entierro, un internado, un intento de suicidio o lo que sea, que se ve Leer más...

DON VEGA de PIERRE ALARY COMIC ZORRO

Nuevo Nueve editores, España, 2021.
93 páginas, 20 euros.

¿EL ZORRO? ¡NO: LOS ZORROS!
Pierre Alary no es un desconocido para el público español. Creo que lo descubrí junto a Fabien Nury en “Silas Cory”. Entonces no logró impresionarme, pero ahora sí.

Hace años que el mundo del cómic, sobre todo francés, se nutre de dibujantes que provienen de la animación. A priori eso aporta un extra de dinamismo a su trabajo, además de ciertas astucias para la puesta en escena, asociadas con la narrativa audiovisual. En muchos casos esas supuestas ventajas no lo son tanto. Lo que funciona en un story-board y luego encuentra su sentido en la imagen en movimiento, pierde fluidez y arruina el ritmo de imágenes secuenciales pero detenidas, como son las del cómic. Esto resulta evidente en las actuaciones de los personajes, con una expresividad forzada y que normalmente acaba pasando factura en términos de emoción y credibilidad. Ya saben, cuando todo es muy importante nada lo es. Ese abuso de los recursos también se traslada a un énfasis constante en los subrayados, con las mismas consecuencias. 

En resumen, que tienden a ser demasiado intensos y en general les falta lo que nos recordaba Shelton: “A veces hay que aburrir, no se puede estar arriba todo el tiempo”. Dicho lo cual, mi primera sensación con Alary había sido esa. Correcto, muy expresivo pero me parecía uno más en un conjunto de autores que ya puede decirse que conforman una escuela o tendencia gráfica. Ahora se ha puesto a realizar cómics como creador completo, encargándose también él del guión. Este “Don Vega” no deja de ser una revisión de un personaje muy popular en cine y cómics. Me refiero al Zorro, ese proto-superhéroe que, escondiendo su verdadera identidad tras una máscara, ayuda a desvalidos, socorre a viudas y rescata a huerfanitos. Poco hay más rancio que este personaje, que además cuenta con algunas versiones de gran calidad en cómic. La de Toth es la más popular y conocida, aunque a mí la tira de Tom Yeates también me gusta mucho. Fiel a su estilo, Alary emplea unas imágenes muy cinematográficas, con encuadres enfáticos y gran variedad de planos. El color, muy limitado, ayuda a señalar las transiciones de una secuencia a la siguiente, marcando las escenas. Su dibujo se

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RAINA TELGEMEIER COMICS NOVELA GRÁFICA JUVENIL

Maeva Young. Madrid, 2018.
244 páginas, 15,10 euros

LA REINA RAINA
Los Premios Eisner llevan años reconociendo el talento de una joven autora. Ganó uno en 2011, otro en 2015 como creadora completa de guión y dibujo y un tercero en 2020. Su obra ha sido traducida casi en su totalidad al español y es muy recomendable.

¿Otro club de señoritas?

Aunque tiene otros trabajos anteriores, algunos tan exóticos como un episodio en X-Men, Raina Telgemeier captó la atención de los aficionados gracias a la serie de Ann M. Martin, “El Club de las canguro”. Trasladó al cómic cuatro de sus novelas y podría pensarse que, como no era la creadora de los argumentos originales, esas obras serían peores que sus posteriores novelas gráficas. 

Además, empleaban el modelo clásico de Enid Blyton, de los Cinco a los Siete secretos, con un grupo de amigas viviendo emocionantes aventuras. Pero no era así. El dibujo puede resultar más irregular en algunos pasajes pero es tal la sabiduría narrativa de la autora, que enseguida nos olvidamos de la parte gráfica para centrarnos en unas historias perfectamente contadas. Destaca su capacidad para entrelazar diferentes líneas argumentales en una estructura clara y precisa. Telgemeier nunca se va por las ramas. Puede abordar diversos asuntos y de hecho siempre lo hace, pero sabemos que cada una de las subtramas se cerrará con limpieza, que la principal se acelerará hacia el final y que la conclusión de todos los hilos sueltos será satisfactoria. En los últimos años tan solo los mangas parecían buscar el público infantil, centrados los autores en alcanzar a los mitificados “lectores adultos”. Lo que finalmente ha ocurrido es que los tebeos para adultos no han sido tan buenos como se nos prometió y que por el camino hemos perdido a los niños lectores. Se han realizado algunos experimentos para recuperarlos, como el excelente “Superman contra el Klan”. 

En el pasado Disney nos brindó a grandes narradores como Carl Barks o Don Rosa, dos dibujantes de patos capaces de contar maravillosas historias. Y ahora tenemos a la Telgemeier. Cuenta aventuras de chavales de primaria, pequeñas anécdotas sobre los bebés que cuidan y los compañeros que les interesan, los estudios o los padres que se divorcian. Banalidades que en manos de una narradora con talento se convierten en sucesos extraordinarios. Repasando los Premios Eisner que ha obtenido comprobamos algo: uno se lo concedieron en la categoría de “publicación para niños (kids)” y el otro en “publicación para chicos (teens)”. Lo que delata la engañosa apariencia de sus obras. Con un dibujo lleno de influencias manga, pero también con cierto aire al Max más simplificado, al que suma un color agradable y atmosférico, todo indica que nos encontramos ante obras pensadas para agradar a los más pequeños, sin complejidades narrativas, levemente educativas y ante todo entretenidas, divertimentos sin pretensiones. Y lo son, seguro que los lectores jóvenes pueden conectar con el trabajo de Raina, entenderlo y apreciarlo. Pero es mucho más. Ningún adulto se va a sentir decepcionado leyéndola, al contrario, se sorprenderán por lo sofisticado de la propuesta.

El primer tomo se centra en Kristy, la fundadora del club. Vemos cómo las chicas se relacionan con los diferentes niños que cuidan y se presenta a los personajes. Como temas de fondo encontramos una discusión entre amigas y la resistencia de Kristy a aceptar al nuevo novio de su madre. 

El segundo

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CONTRAPASO. LOS HIJOS DE LOS OTROS DE VALERO

Norma editorial. Barcelona, 2021.
144 páginas, 25 euros.

NO TODOS ERAN SUS HIJOS
Teresa Valero firma un álbum ambientado en la España de los cincuenta, protagonizado por dos compañeros inesperados y, como toda novela negra que se precie, va cargada de sospechosos.

La estructura se ajusta al clásico ¿quién lo hizo? Comienza con una mujer hallada muerta y los investigadores siguen las pistas que los conducirán hasta su asesino. El lector sabe tanto como los sabuesos, así que adelanta sus propias conclusiones, desconfiando de unos y descartando a otros. Vaya por delante que nunca he sido un fan de la novela policíaca. Tanto en cine como en literatura llega un momento en que los nombres de los personajes se lían en mi cabeza y la emoción asociada a la caza, al esclarecimiento de quién es el culpable, se disuelve en la argamasa que conforman las diferentes identidades, que acaban, como mi cerebro, fundidas. Una vez lo intenté con Agatha Christie y tuve que dejarlo, era incapaz. Y lo mismo me pasa con las pelis de Marlowe y compañía. En Chinatown, todavía intento determinar quién era el padre y quién el marido. Exagero pero reconozco mis limitaciones al respecto. Algunas de las historias de El Cubri en los noventa con el detective Peter Parovic me fascinaron por su claridad. También los primeros Alack Sinner, antes de que sus autores empezaran a abusar de los hongos y la pedantería. Por supuesto, Marvin el detective de los inevitables Milazzo y Berardi me parece una obra maestra. Pero es un género que me cuesta abordar. Considero que son argumentos que deben estar muy bien contados para permitir al lector diferenciar a los personajes y seguir la acción con claridad.

En “Contrapaso” eso se consigue a medias. Teresa Valero exhibe un dibujo detallista y encantador, aunque en ocasiones adquiere un protagonismo inadecuado, distrae más que cuenta. Más allá del agradable dibujo, se esfuerza por construir una trama en la que cualquiera podría ser el culpable. Tres médicos enfrentados más su maestro, unos investigan sobre deformidades, otros analizan a los presos para averiguar si todos los marxistas son unos tarados, los de más allá roban bebés a mujeres de clase baja, aquellos intentan “curar” lesbianas a base de electro-shocks, mujeres insatisfechas ingresan en clínicas de lujo para que las seden y se les pase la ansiedad...

No se vayan, todavía hay más. “Contrapaso” no pertenece solo al género citado (¿Quién lo hizo?), también Leer más...

MARVEL VS DC REED TUCKER COMIC

Planeta Comic. Barcelona, 2021.
384 páginas, 22 euros.

EL GRAN COMBATE
Un libro tan inesperado como imprescindible. Nos suena todo lo que se cuenta en él. Pero, al mismo tiempo, esos hechos tan conocidos adquieren un nuevo sentido al encadenarse en una secuencia lógica que permite entenderlos mejor.

Durante años los aficionados al cómic en general y a los superhéroes en particular hemos sido conscientes de la guerra Marvel-DC, las dos grandes compañías que publican tebeos de tipos con los calzoncillos por fuera. 

En España DC nos llegó a través de las editoriales mexicanas, ya que “sólo Dios podía volar”. En los sesenta aparecieron los personajes Marvel, que liquidaron de un plumazo a las siniestras series inglesas que los precedieron. Sin duda la ambigüedad moral de Spider o Zarpa de Acero, sumada a la presencia de dibujantes extraordinarios como Blasco, les hacía merecedores de mejor fortuna. Pero el caso es que Los Cuatro Fantásticos, El Capitán Marvel o Spiderman resultaban más modernos y chulos que Mitek y compañía, a quienes olvidamos con alegría. Durante un tiempo vivimos entre las versiones Novaro de Flash y Batman y los destrozos que Vértice despachaba con el material Marvel, produciendo páginas y páginas a partir de planchas que troceaban y manipulaban.

En un determinado momento, a mediados de los setenta, la cosa se reestructuró y empezó a llegarnos el material de ambas compañías en formatos más cercanos a los originales y casi con regularidad. En los ochenta se produjo toda una renovación, que también encontró un eco por aquí, con dos editoriales compitiendo por el favor del público. Zinco se encargó del sello DC y Forum de Marvel. Las franquicias han seguido cambiando de mano hasta la actualidad. El éxito de las películas de supertipos ha propiciado un nuevo renacimiento y la producción de constantes volúmenes que recopilan los episodios originales. Los nostálgicos no damos abasto.

A lo largo de toda esa historia los lectores hemos

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LOCOS DEL GEKIGA DE MATSUMOTO Y BAD WEEKEND DE BRUBAKER

EL AUTOR COMO PROTAGONISTA
Cuando un medio alcanza cierta madurez es habitual que se vuelva sobre sí mismo, como motivo dramático o de reflexión. En cómic hay ilustres precedentes, como “El soñador” de Eisner o “Los profesionales” de Giménez.

Brubaker y Phillips
Bad weekend
Evolution comics-Panini. Barcelona, 2021.
72 páginas, 15 euros.

Tebeos en los que se exalta o ridiculiza a unos creadores convertidos en protagonistas de sus propias historias. Recientemente Chaykin lo intentaba en un volumen fallido donde la mezcla de personalidades dificultaba mucho identificar y situar a los personajes. Y diría que a Brubaker le pasa algo parecido. No es tan grave ni tan lioso como el citado, ya que no intenta abarcar (casi) toda la historia del cómic. Sus pretensiones son más modestas, con un dibujante como centro de una intriga detectivesca. Se mezclan dos McGuffin que distraen al lector. Por un lado se sitúa al dibujante protagonista en el accidente que segó la vida de su mentor, suceso al que sobrevivió de forma sospechosa. Y además se pasa toda la obra buscando unas misteriosas páginas que suponemos robó al autor fallecido, hasta la sorpresa final. La Convención de Cómic que se emplea como fondo y los personajes y la atmósfera que la envuelven son verosímiles y están bien construidos. Pero con el centro del relato, ese creador amargado y antipático, tenemos una sensación similar a la que provocaban los personajes de Chaykin. Lo conocemos pero no del todo. A ratos parece Alex Toth, más tarde Wallace Wood y hasta Gil Kane. Entendemos que para evitar pleitos el guionista construye su héroe a partir de rasgos de varios dibujantes. Pero esa mezcla de personas reales, como Eisner o Lee, que aparecen o se les cita, con esos otros inventados, acaba resultando insatisfactoria. Repito, el relato no es tan fallido como el “Hey Kids! Comics!” de Chaykin, tanto el dibujo como el color son agradables. Pero de alguna manera acaba sabiendo a poco, con un final anticlimático. Si les gustan lo que McKee define como “minitramas” es posible que este tebeo les agrade. A mí no me parece irritante pero tampoco me ha convencido. Se nos presenta a los protagonistas y cuando empezamos a interesarnos por ellos, puf, se acabó.

En todo caso, es una obra maestra de ritmo y dramatización si la comparo con “Los locos del gekiga”, de Matsumoto. 

Masahiko Matsumoto
Los locos del gekiga
Manga Satori. Gijón, 2021.
320 páginas, 21 euros.

Conviene decir que

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BAD MOTHER de FAUST Y DEODATO

PaniniComics. Barcelona, 2021.
128 páginas, 18 euros.

NO CON MI HIJA
Cuando todavía nos estábamos recuperando del impacto de “Un cesto lleno de cabezas” de Joe Hill nos llega esta “Mala madre”, una arrolladora serie B dispuesta a demostrar que un buen tebeo puede ser tan interesante como cualquier serie de éxito.

Aunque en los textos que acompañan a la historia se nos insiste en las referencias televisivas, con “Breaking Bad” en primer lugar, creo que en el medio hay una cita obligada, un glorioso antecedente que permanece inédito en este país. Me refiero a “Somerset Holmes”, un thriller con vocación cinematográfica que Bruce Jones escribió en 1987 y que Anderson dibujó con evidentes modelos fotográficos. De hecho la chica que posó para la protagonista acabaría convirtiéndose en la mujer de Jones. Toda la estética de aquel álbum remitía al cine y pedía ser considerada como uno de aquellos relatos clásicos de Hitchcock, con una heroína que se veía arrancada de sus rutinas habituales y desafiaba incontables peligros sin acabar de entender nunca qué era lo que le pasaba, un poco a la manera de Cary Grant en “Con la muerte en los talones”.

Como allí, esta “Bad Mother” presenta una apariencia fotográfica y precisa, todo debe de haber sido previamente documentado para trasladar esa sensación de realidad que con tanta eficacia consigue Mike Deodato. Quien, por cierto, coincidió con Bruce Jones hace años en Hulk. 

Aquí trabaja con la guionista Christa Faust, que escribe una oda a la fuerza de las madres, las auténticas superheroínas. Parte de una idea tan sencilla como eficaz. ¿Qué estaría dispuesta a hacer una madre si

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MAESTROS MARVEL DEL SUSPENSE 1. LEE Y DITKO

SD. Barcelona, 2021.
416 páginas, 41,75 euros

MÁS PEQUEÑO, MÁS GRANDE
Siguen llegando nuevos recopilatorios de Ditko que nos permiten revisar etapas poco conocidas de su carrera. Ahora se han agrupado sus primeras historias para Marvel, que pertenecen a dos periodos de tiempo bien diferenciados.

PRIMERA ETAPA EN MARVEL

Ditko: “Estuve fuera de la escena del cómic durante un año y medio. Volví a finales de 1955 para trabajar con Stan Lee en Marvel”. En 1956 trabajó casi en exclusiva para Marvel. Todavía un veinteañero, tras un año en la profesión había caído enfermo, probablemente a causa de sus interminables jornadas laborales. ¿Qué sintió en aquella vuelta a casa? ¿Tuvo dudas respecto a la profesión a la que había decidido dedicar su vida? Sumen a ello la crisis industrial, con muchas editoriales al borde de la desaparición. El regreso a la gran ciudad debió de constituir un duro desafío para el joven Ditko. Lo habían tumbado en el primer asalto pero estaba de nuevo en pie, dispuesto a seguir luchando, en las peores condiciones. 

Sus primeras entregas demostraron que tenía muchas ganas de dibujar. “Habrá algunos cambios” en Journey Into Mystery nº 33 (Abr. 1956) parecía un trabajo de Wally Wood, por su saturación y detallismo. “¡Los que desaparecen!”, en el nº 38 (Sep. 1956) era algo más contenida, pero iba cargada de líneas en comparación con obras posteriores. “Marzo tiene 32 días” en Mystery Tales nº 40 (Abr. 1956) contaba con viñetas barrocas y muchas sombras proyectadas. 

La sencillez regresó acompañada por unos precisos sombreados. Tanto en “El visitante nocturno” en Journey Into Unknown Worlds nº 45 (May. 1956) como en “El mayor experimento” en Strange Tales nº 46 (May. 1956) donde mantenía sus deudas con Wood al tiempo que señalaba sus propios territorios, sobre todo en cuanto a la arquitectura futurista y los vehículos. Sus diseños siempre eran orgánicos, con citas al expresionismo de Hermann Finsterlin, Erich Mendelsohn o Bruno Taut. Como puede observarse en la nave alienígena de “Los marcianos desaparecidos” en Marvel Tales nº 147 (Jun. 1956). Mi amigo Frédéric Manzano quiere ver en los científicos protagonistas de “El mayor experimento” un parecido con los editores de EC, Gaines y Feldstein. No discuto que fuera, como otros cómics de Ditko en ese momento, un sentido homenaje a las historias de ciencia-ficción de la mítica editorial. Pero a esas alturas pocas ilusiones podría hacerse ya de colaborar con ellos. Todas sus revistas habían ido cerrando y tan sólo Mad se mantenía en pie. En 1956 hasta su admirado Wood se había visto obligado a pedir trabajo en Atlas-Marvel. Así que, si se trataba de homenajes, eran más bien póstumos.
Su primera colaboración con Stan Lee curiosamente no se dio en un cómic de fantasía sino en el western “¡Los malos!”, en Two-Gun Western nº 4 (Oct. 1956). Aunque las tarifas que pagaba Marvel eran más elevadas que las de Charlton, no solicitaban suficiente material. Así que en cuanto Charlton se puso en marcha otra vez, Ditko volvió con ellos.

De su escasa producción de 1956 se pueden citar obras como “Quien acecha ahí abajo”, en World of Suspense nº 2 (Jun. 1956) o “¡El hombre misterioso!” en World of Mystery nº 3 (Oct. 1956), publicación donde compartía espacio con Torres, Davis, Marie Severin o Stallman.
Atraído por las cualidades rítmicas de la línea, muchas de sus historias incluían personajes que parecían fluir, deslizarse por la plancha. Más cuando forzaba las proporciones, una característica de esos años. Pasó por una fase “manierista” que llenaría sus cómics de figuras apepinadas, con caras estilizadamente largas, enjutas, que recuerdan mucho al Kubert de aquellos años. Como el dictador que recibía al lector en la primera página de “¡Constrúyame una máquina!” en Astonishing nº 53 (Sep. 1956), todo el reparto de “¡El hombre sin rostro!” en Journey Into Unknown Worlds nº 51 (Nov. 1956) o los exploradores y los ancianos de “¡Cuando despierten!” en Mystery Tales nº 47 (Nov. 1956).

¡¡UN MONSTRUO AHÍ FUERA!!

Con el final de la década aumentaron sus contribuciones para Marvel. Aunque esporádicamente transitó géneros como el bélico o el western, siguió centrado en la fantasía, con episodios breves para revistas como Tales of Suspense, Tales to Astonish, Strange Tales o Journey Into Mystery, entre otras. Al contrario que

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KADATH COMIC ADAPTACIÓN DE LA OBRA DE LOVECRAFT

KADATH. EL PROYECTO.

Hace años me reuní con dos ex-alumnos y amigos. Uno de ellos, Guillermo Sanna, llevaba tiempo colaborando con Marvel, en series como Iron Fist, Cage, Bullseye y otras. Jacques Salomon se había dedicado a la pintura, especializándose en retratos. Pero sentía ganas de meter la cabeza en esto del cómic. Como en ocasiones Sanna tenía algunos periodos sin encargos, quería algo que le permitiera mantenerse en forma. Fue así como surgió la idea de hacer un proyecto juntos. Acabó siendo el actual Kadath. Pensé en una adpatación de Lovecraft y nos pusimos a ello. Lo llevamos a Angulema en 2019, sin grandes resultados. Lo enviamos a varias editoriales americanas, sin respuestas positivas. Finalmente, la editorial Diábolo Ediciones decidió confiar en nosotros a los pocos días de mandarles el proyecto. Ahora es una realidad que ya pueden encontrar en las librerías especializadas, con una respuesta crítica muy positiva. Solo nos queda dar las gracias a todos los aficionados que han adquirido el libro y desear que la lectura haya sido de su agrado. 

A continuación reproducimos un fragmento del prólogo de Kadath, obra de mi buen amigo Ramón F. Pérez, redactor y fundador de El Wendigo. Que lo disfruten.

LA LLAVE DE PLATA
Lovecraft ha sido llevado frecuentemente al cómic desde los ya lejanos tiempos de la adaptación de Breccia, en unos casos se adaptan historias concretas, en otros se idean nuevos relatos basados en su universo y hasta los hay que lo toman -a él o a alguien muy parecido- como protagonista de los mismos. Sin embargo muy pocos han intentado adaptar esta historia1 y me llama la atención, pues siempre pensé que era el más visual de todos los relatos lovecraftianos, el más susceptible de ser trasladado a un medio basado en la imagen, además de tener una emoción y variedad que no siempre se encuentran en sus argumentos. 

Florentino Flórez como guionista y responsable de la narrativa gráfica -vulgo planificación- secundado por los dibujantes Guillermo Sanna y Jacques Salomón -los tres ciudadanos de Palma de Mallorca, aunque el primero lo sea de adopción- nos ofrecen esta atractiva versión de la búsqueda de la desconocida (o la oculta) Kadath, la ciudad de los Dioses del Sueño. Florentino nos da una visión muy ajustada al cuento original aunque ofreciendo ciertas innovaciones que hacen más fluido el relato, por ejemplo Randolp Carter va a ser acompañado en su periplo por un fiel y audaz compañero lo que, entre otras cosas, nos libra de esos interminables monólogos tan gratos al cómic actual. Otras innovaciones son más llamativas, por ejemplo el inicio de cada capítulo con la aparición estelar de Litlle Nemo… Confieso que, de buenas a primeras, me dejó un tanto perplejo pero la verdad es que en una historia que gira alrededor del sueño y la infancia pocas presencias están más justificadas que las del pequeño Nemo. Pero la mayor innovación de todas está en el enfoque del capítulo quinto en el que Carter se encuentra con su viejo amigo Kuranes, devenido rey en las tierras del sueño. A mí me gusta, pero me temo que ahora sería el solitario de Providence quien mostrase cierta perplejidad.

Esta es una versión que, sin traicionar el espíritu lovecraftiano, potencia los aspectos aventureros del relato, transformando el periplo onírico de Randolp Carter en

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UNIVERSO BATMAN de BENDIS Y DERINGTON

ECC. Barcelona, 2021.
176 páginas, 19,95 euros.

BATMAN EN BUSCA DEL HUEVO PERDIDO
La producción de comics de superhéroes es tan grande que seguirle la pista a todo es casi imposible. No, si se quiere echar un ojo a otras latitudes, europeas, japonesas o lo que caiga. Pero nunca se le debe dar la espalda a Batman.

Como con cualquier otro de los grandes personajes, es tal el número de dibujantes y guionistas que pasan por ellos, que en cualquier momento puede surgir un tebeo que valga la pena. Es el caso de este “Universo Batman”. Por un lado viene firmado por Brian Michael Bendis, guionista de sólida trayectoria, a quien algunos calificarían descuidadamente de artesano, pero que en ocasiones ha facturado tebeos tan interesantes como “Alias”. Yo no corro a comprarme sus tebeos pero siempre me ha parecido un profesional muy respetable. Aquí cumple con creces. Cuando todas las historias de Batman parecían haberse contado ya, él se descuelga con una trepidante persecución que comienza con un robo. Un huevo de Fabergé es sustraído de un museo y el héroe con traje de murciélago intenta recuperarlo. Por el camino descubre que el huevo contiene algo muy poderoso y que no es el único que va tras él. En un relato tremendamente ágil y trepidante, saltamos de aquí a allá, de un país a otro y del presente al salvaje oeste de Jonah Hex. No es el único supertipo que sale como comparsa. En varios episodios algunos populares personajes de DC comparten la aventura con Batman, lo que permite al guionista contrastar sus expansivas actitudes con la tradicional reserva del caballero oscuro. Al final descubrimos que los Green Lanterns están implicados y que el problema tiene consecuencias que afectan al equilibrio cósmico, sale una guardiana Oa muy peculiar y viajamos a una de esas dimensiones blancas que tanto gustaban a Ditko y a Starlin.

Si el guión no ofende la inteligencia del lector, el dibujo consigue estar a la altura de la propuesta. No conocía anteriores trabajos de Nick Derington, aunque veo que es un veterano, curtido en Leer más...

TALES FROM THE CRYPT - COMIC TERROR

V.V.A.A.
Diabolo. Madrid, 2021.
216 páginas, 34,95 euros.

TERROR EN COLOR
La editorial Diábolo se ha decidido a publicar en condiciones algunos de los cómics más aclamados por público y crítica, las series de la mítica editorial E.C. Existía un intento anterior, de hace dos décadas, en B/N y en un formato muy reducido.

También en la revista “Ilustración y Comix Internacional” aparecieron algunas historias sueltas. Pero nunca con el mimo de la actual propuesta: tapa dura, buen tamaño y colores ajustados. Todos los detalles se han cuidado para que disfrutemos de aquellos tebeos tal y como fueron concebidos. Lo primero que conviene recordar es que estamos hablando de unos cómics de los años cincuenta. Su editor, Bill Gaines, tenía la firme voluntad de mejorar el legado del anterior director, a la sazón su padre Max Gaines. Al final lo consiguió y los cómics de la E.C permanecen como un estándar de calidad gráfica y compromiso con temas relevantes.

Pero no en todos los aspectos han envejecido igual de bien. Su estructura narrativa tendía a ser muy conservadora, con páginas previamente rotuladas, con las viñetas y los bocadillos ya dispuestos, lo que dejaba poco margen para la creatividad de los dibujantes. Para algunos aquellas planchas donde solo quedaba por hacer el dibujo eran una bendición, que los liberaba del peso de otras decisiones compositivas y narrativas. Pero conllevaba necesariamente una estética contenida y unas páginas con pocas sorpresas en cuanto a diseño general. Por otro lado, los textos tendían a ser excesivos, casi todas las viñetas cargaban con cartuchos donde se narraba lo que en ocasiones ya mostraban las viñetas. Por último, el nivel de todos los dibujantes no era el mismo. Como puede apreciarse ya en este primer volumen, había verdaderos genios como Johnny Craig o Harvey Kurtzman, al Leer más...

FRIDAY FOSTER de LAWRENCE Y LONGARON COMIC SUNDAY PAGES

Norma. Barcelona, 2021.
256 páginas, 39,95 euros.

MUJER NEGRA SOLTERA BUSCA TIRAS PERDIDAS
Se recupera una tira mítica que Longaron dibujó para varios periódicos americanos, allá por los setenta. Friday Foster era una protagonista adelantada a su época, mujer y negra. Y pagó un precio por ello.

La tira no fue el éxito que Longaron soñaba y al cabo de pocos años la abandonó, cansado de que sus esfuerzos no se vieran adecuadamente recompensados. En algunas zonas de los Estados Unidos funcionó muy bien, en otras directamente se negaron a publicarla. Hoy en día las tiras que llegan a las casas de subastas se venden a muy buenos precios. Nadie duda de la calidad del apartado gráfico. El dibujante viajó a Nueva York y se arriesgó a sacar fotos en un Harlem no tan turístico como el actual. Al rigor documental se unió la expresividad del pincel de Longaron, todo un maestro que saltaba de acabados planos y de aire pop a rotundos trazos de gruesos inesperados, con elegancia y aparente facilidad. Él es sin duda la principal razón para adquirir este volumen. En los artículos que lo complementan se explica que a veces el material no llegaba (antes de internet todo debía enviarse por correo “normal”) y diferentes autores americanos cubrieron al español, redibujando algunas tiras. Entre ellos encontramos a algunos tan conocidos como Gray Morrow o Frank Springer. El mismo Longaron buscó la ayuda de algunos compatriotas pero lo cierto es que cuando no está su ausencia se nota ¡Y cómo!

Su guionista tampoco es un cualquiera. Conocemos a Jim Lawrence sobre todo por su participación en James Bond, cuando la tira era dibujada por el extraordinario Yaroslav Horak. Juntos firmaron un impresionante conjunto de historias, entre Leer más...

OFICIO DIBUJANTE JOSE LUIS MUNUERA

Astiberri. Bilbao, 2021.
160 páginas, 10 euros.

PREFERIRÍA HACERLO
Munuera, un dibujante español que se ha labrado su carrera en Francia, presenta dos obras muy diferentes: un tratado teórico y una adaptación de un clásico de la literatura universal.

Empiezo por ese “Oficio dibujante” que él presenta con mucha humildad como un desordenado conjunto de artículos sobre tebeos. Explica que no se le dan bien las autobiografías. Que su historia cabría en un grueso libro donde él estaría en todas las páginas sobre su mesa de dibujo, trabajando en calzoncillos. Y que prefirió ahorrar tan lamentable espectáculo a sus lectores. La afirmación ya adelanta el tono general de la obra. 

Munuera explica muchos asuntos interesantes del negocio al que ha dedicado su vida, pero siempre desde la sencillez y el humor y con una absoluta falta de pretensiones. Ese registro desenfadado y cercano no hace sino aumentar la grandeza de un artista que en su ámbito profesional lo ha conseguido casi todo. Como dibujar a Spirou, uno de los grandes personajes del cómic europeo. Insiste en que el éxito y el fracaso son términos que cada uno interpreta a su manera y que su mayor triunfo consiste en vivir de su trabajo, algo que decidió siendo niño. Eso y poder echar la siesta en la cama y con pijama. Mantiene varios proyectos en marcha y así, cada vez que concluye uno, salta inmediatamente al siguiente.

No se dejen engañar por esa ligereza que engrasa la lectura y consigue que el libro se acabe en un suspiro. Entre bromas y veras Munuera escribe uno de los mejores textos sobre tebeos que

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SAGAS DE COMIC ACTUALES

SERIES EN MARCHA
Algunos de los mejores comics que se publican aparecen dentro de sagas que pueden prolongarse durante años o décadas. Conviene recordar algunos de ellos, en concreto estas 5 o 6 para que no los dejen pasar.

Walter Simonson
Ragnarok 3. La destrucción de Helheim
Panini Comics, 2021. 

160 páginas, 19 euros

Simonson vuelve con su nueva versión de Thor, muy alejada de la que creó hace años para Marvel. Se alcanza el cuarto volumen de “Ragnarok” con una épica aventura en la que viajamos con el dios del trueno a un peculiar infierno donde se encontrará con un valiente grupo de guerreros transformados en lobos. 

El trágico héroe ha vuelto de una muerte que no era del todo definitiva y se hace acompañar de una irónica ardilla. Y muchas cosas más. Imprescindible.

Leo-Rodolphe-Janjetov
Centaurus 4. Tierra de angustia
ECC. Barcelona, 2021.
48 páginas, 10,95 euros.

“Centaurus” llega al cuarto volumen de una serie a la que solo puede ponérsele una pega: que no la dibuja Leo. Solo la escribe, junto con su cómplice Rodolphe. Janjetov nos mete inmediatamente en materia y consigue recrear las atmósferas de las otras sagas del genial creador brasileño, como la recientemente reeditada “Aldebarán” o su secuela “Betelgeuse”. 

Aventuras cósmicas a gran escala, fauna y flora muy terroríficas y un constante flujo de sorpresas. No se lo pierdan.

Stan Sakai
Los Ocultos
Planeta cómic, 2021
200 páginas, 12.30 euros.
Poco más puedo añadir a todo lo que ya he escrito sobre Usagi Yojimbo. En “Los ocultos” retoma un asunto que ya había aparecido en una aventura anterior y aquí lo desarrolla hasta ocupar todo el volumen. 

Con un tono detectivesco, los protagonistas buscan la primera versión de La Biblia en japonés. Emotiva y estremecedora y con un final de altura. Sakai no afloja y escribe un relato entretenido y enternecedor a partes iguales.

Berardi y Milazzo

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DRÁCULA CÓMIC DE GEORGES BESS

Norma. Barcelona, 2021.
200 páginas, 35 euros.

UNA ADAPTACIÓN DEMASIADO FIEL
Georges Bess ha vuelto a nuestras librerías con un libro arrollador, su versión del “Drácula” de Bram Stoker, un tremendo éxito en Francia y que ahora podemos disfrutar en español.

Desde sus ya lejanos tiempos con Jodorowsky, Bess había intentado, con diferentes colecciones, recuperar los seguidores que tuvo en sus colaboraciones con el guionista chileno. Finalmente lo ha conseguido gracias a esta muy fiel versión de la novela que tantas películas de vampiros ha inspirado. Tuve ocasión de encontrármelo en Angulema, justo antes del confinamiento. Había pasado por una doble resurrección. Primero personal, ya que se había enfrentado a una grave dolencia y lo vi tan simpático y en forma como siempre. También laboral, tras años de desencuentros con sus lectores, finalmente el éxito volvía a sonreírle. Ya preparaba una nueva adaptación, que ha estado elaborando durante estos largos meses. Se trata de otro de los grandes clásicos del horror, Frankenstein.

Su “Drácula” nos llega en la versión más sofisticada, en blanco y negro y con un buen formato. Y ya desde la portada resulta estremecedor. Ha diseñado una cubierta con un aire Art Nouveau, con zonas impresas en dorado y una guirnalda tan decorativa como terrorífica. La primera sensación del interior no decepciona, con esa doble página del cementerio, sencillamente espectacular. El nivel de dibujo se Leer más...

MONSTRUOS DE BARRY WINDSOR SMITH COMIC

Dolmen. Palma, 2021.
384 páginas, 34,95 euros.

ABORTOS DEL INFIERNO
Barry Windsor-Smith es una de las vacas sagradas del cómic mundial. Desde sus primeros pasos en Marvel se ganó una sólida reputación como ilustrador y dibujante, con unos acabados que nadie ha conseguido imitar con éxito.

Así que tiene mucho mérito que Dolmen se haya atrevido a editar en España esta su última obra. Un grueso volumen bien presentado que, según se comenta en el prólogo, el autor ha arrastrado durante años, de una editorial a otra. La criatura fue creciendo por el camino hasta convertirse en el auténtico monstruo que es ahora. No lo voy a recomendar pero sí que agradezco que se haya publicado. Windsor-Smith siempre tiene algo que ofrecer, no es cualquiera. Así que, incluso en su peor momento, tiene viñetas magistrales. No descubro nada con esto. Los que lo conocimos imitando torpemente a Kirby y evolucionando con lentitud de un episodio a otro de Conan ya sabemos que es un creador capaz de reinventarse de maneras insospechadas. Siempre se comentó que conseguía aquellos trazos, que no apreciábamos en ningún otro entintador, gracias a unas plumillas (especiales) que compraba en Inglaterra. 

La cumbre de aquella primera etapa fue por supuesto “Clavos rojos”, una obra maestra absoluta. Pero ya antes nos había brindado episodios magníficos, como el de la torre del elefante o el de la reina vestida con aquel traje de pedrería y el pulpo gigante. Después vino su etapa de desencuentro con la editorial, que se interrumpió con su participación en “El Hombre Máquina”, una serie que contiene páginas ejemplares. Más tarde disfrutaríamos con sus breves apariciones en “X-Men”, donde firmó grandes

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