EL UMBRAL DE LO SINIESTRO DE JUNJI ITO COMIC TERROR MANGA

ECC, España, 2021.
216 páginas, 9,95 euros.

UN TERROR MUY VISUAL
Junji Ito lleva décadas aterrorizando a lectores de todo el mundo. Crea imágenes tan desasosegantes como atractivas. Y eso no es fácil.

Pero el cómic es un medio secuencial. No basta con tener un fotograma (en su caso, una viñeta) impactante. Debe funcionar en el conjunto de un relato bien estructurado y fluido. Y eso no siempre lo consigue. Hacía tiempo le había echado un vistazo a algunas de sus historias, llenas de cuerpos alterados y con una estética de la degeneración que recordaba al primer Cronenberg. Lo enfermo asusta, por cercano. Rara vez nos toparemos con un vampiro, pero un tumor es una amenaza próxima y creíble. Más allá de esas viñetas que resulta difícil dejar de mirar, entre el asco y la fascinación, las historias que las cobijaban no eran tan poderosas. Recientemente volví a probar suerte con su adaptación de “Frankenstein” y de nuevo me sentí decepcionado. Aunque contenía algunas ideas ingeniosas el ritmo fallaba y el conjunto no era estimulante. Sin embargo esta nueva recopilación de relatos consigue ese delicado equilibrio entre lo visual y lo dramático, aunque no en todos. “La cuesta de las plañideras” es sin duda el más logrado, seguido por “La corriente espectral de Aokigahara”. “La Madona” es inquietante, pero el final falla. “El duermevela”, el último episodio, es también el más flojo, con una estructura confusa y mal desarrollada.

El mecanismo narrativo de Ito es similar en todos los casos. Se parte de una situación verosímil, “real”, como un entierro, un internado, un intento de suicidio o lo que sea, que se ve Leer más...

DON VEGA de PIERRE ALARY COMIC ZORRO

Nuevo Nueve editores, España, 2021.
93 páginas, 20 euros.

¿EL ZORRO? ¡NO: LOS ZORROS!
Pierre Alary no es un desconocido para el público español. Creo que lo descubrí junto a Fabien Nury en “Silas Cory”. Entonces no logró impresionarme, pero ahora sí.

Hace años que el mundo del cómic, sobre todo francés, se nutre de dibujantes que provienen de la animación. A priori eso aporta un extra de dinamismo a su trabajo, además de ciertas astucias para la puesta en escena, asociadas con la narrativa audiovisual. En muchos casos esas supuestas ventajas no lo son tanto. Lo que funciona en un story-board y luego encuentra su sentido en la imagen en movimiento, pierde fluidez y arruina el ritmo de imágenes secuenciales pero detenidas, como son las del cómic. Esto resulta evidente en las actuaciones de los personajes, con una expresividad forzada y que normalmente acaba pasando factura en términos de emoción y credibilidad. Ya saben, cuando todo es muy importante nada lo es. Ese abuso de los recursos también se traslada a un énfasis constante en los subrayados, con las mismas consecuencias. 

En resumen, que tienden a ser demasiado intensos y en general les falta lo que nos recordaba Shelton: “A veces hay que aburrir, no se puede estar arriba todo el tiempo”. Dicho lo cual, mi primera sensación con Alary había sido esa. Correcto, muy expresivo pero me parecía uno más en un conjunto de autores que ya puede decirse que conforman una escuela o tendencia gráfica. Ahora se ha puesto a realizar cómics como creador completo, encargándose también él del guión. Este “Don Vega” no deja de ser una revisión de un personaje muy popular en cine y cómics. Me refiero al Zorro, ese proto-superhéroe que, escondiendo su verdadera identidad tras una máscara, ayuda a desvalidos, socorre a viudas y rescata a huerfanitos. Poco hay más rancio que este personaje, que además cuenta con algunas versiones de gran calidad en cómic. La de Toth es la más popular y conocida, aunque a mí la tira de Tom Yeates también me gusta mucho. Fiel a su estilo, Alary emplea unas imágenes muy cinematográficas, con encuadres enfáticos y gran variedad de planos. El color, muy limitado, ayuda a señalar las transiciones de una secuencia a la siguiente, marcando las escenas. Su dibujo se

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RAINA TELGEMEIER COMICS NOVELA GRÁFICA JUVENIL

Maeva Young. Madrid, 2018.
244 páginas, 15,10 euros

LA REINA RAINA
Los Premios Eisner llevan años reconociendo el talento de una joven autora. Ganó uno en 2011, otro en 2015 como creadora completa de guión y dibujo y un tercero en 2020. Su obra ha sido traducida casi en su totalidad al español y es muy recomendable.

¿Otro club de señoritas?

Aunque tiene otros trabajos anteriores, algunos tan exóticos como un episodio en X-Men, Raina Telgemeier captó la atención de los aficionados gracias a la serie de Ann M. Martin, “El Club de las canguro”. Trasladó al cómic cuatro de sus novelas y podría pensarse que, como no era la creadora de los argumentos originales, esas obras serían peores que sus posteriores novelas gráficas. 

Además, empleaban el modelo clásico de Enid Blyton, de los Cinco a los Siete secretos, con un grupo de amigas viviendo emocionantes aventuras. Pero no era así. El dibujo puede resultar más irregular en algunos pasajes pero es tal la sabiduría narrativa de la autora, que enseguida nos olvidamos de la parte gráfica para centrarnos en unas historias perfectamente contadas. Destaca su capacidad para entrelazar diferentes líneas argumentales en una estructura clara y precisa. Telgemeier nunca se va por las ramas. Puede abordar diversos asuntos y de hecho siempre lo hace, pero sabemos que cada una de las subtramas se cerrará con limpieza, que la principal se acelerará hacia el final y que la conclusión de todos los hilos sueltos será satisfactoria. En los últimos años tan solo los mangas parecían buscar el público infantil, centrados los autores en alcanzar a los mitificados “lectores adultos”. Lo que finalmente ha ocurrido es que los tebeos para adultos no han sido tan buenos como se nos prometió y que por el camino hemos perdido a los niños lectores. Se han realizado algunos experimentos para recuperarlos, como el excelente “Superman contra el Klan”. 

En el pasado Disney nos brindó a grandes narradores como Carl Barks o Don Rosa, dos dibujantes de patos capaces de contar maravillosas historias. Y ahora tenemos a la Telgemeier. Cuenta aventuras de chavales de primaria, pequeñas anécdotas sobre los bebés que cuidan y los compañeros que les interesan, los estudios o los padres que se divorcian. Banalidades que en manos de una narradora con talento se convierten en sucesos extraordinarios. Repasando los Premios Eisner que ha obtenido comprobamos algo: uno se lo concedieron en la categoría de “publicación para niños (kids)” y el otro en “publicación para chicos (teens)”. Lo que delata la engañosa apariencia de sus obras. Con un dibujo lleno de influencias manga, pero también con cierto aire al Max más simplificado, al que suma un color agradable y atmosférico, todo indica que nos encontramos ante obras pensadas para agradar a los más pequeños, sin complejidades narrativas, levemente educativas y ante todo entretenidas, divertimentos sin pretensiones. Y lo son, seguro que los lectores jóvenes pueden conectar con el trabajo de Raina, entenderlo y apreciarlo. Pero es mucho más. Ningún adulto se va a sentir decepcionado leyéndola, al contrario, se sorprenderán por lo sofisticado de la propuesta.

El primer tomo se centra en Kristy, la fundadora del club. Vemos cómo las chicas se relacionan con los diferentes niños que cuidan y se presenta a los personajes. Como temas de fondo encontramos una discusión entre amigas y la resistencia de Kristy a aceptar al nuevo novio de su madre. 

El segundo

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CONTRAPASO. LOS HIJOS DE LOS OTROS DE VALERO

Norma editorial. Barcelona, 2021.
144 páginas, 25 euros.

NO TODOS ERAN SUS HIJOS
Teresa Valero firma un álbum ambientado en la España de los cincuenta, protagonizado por dos compañeros inesperados y, como toda novela negra que se precie, va cargada de sospechosos.

La estructura se ajusta al clásico ¿quién lo hizo? Comienza con una mujer hallada muerta y los investigadores siguen las pistas que los conducirán hasta su asesino. El lector sabe tanto como los sabuesos, así que adelanta sus propias conclusiones, desconfiando de unos y descartando a otros. Vaya por delante que nunca he sido un fan de la novela policíaca. Tanto en cine como en literatura llega un momento en que los nombres de los personajes se lían en mi cabeza y la emoción asociada a la caza, al esclarecimiento de quién es el culpable, se disuelve en la argamasa que conforman las diferentes identidades, que acaban, como mi cerebro, fundidas. Una vez lo intenté con Agatha Christie y tuve que dejarlo, era incapaz. Y lo mismo me pasa con las pelis de Marlowe y compañía. En Chinatown, todavía intento determinar quién era el padre y quién el marido. Exagero pero reconozco mis limitaciones al respecto. Algunas de las historias de El Cubri en los noventa con el detective Peter Parovic me fascinaron por su claridad. También los primeros Alack Sinner, antes de que sus autores empezaran a abusar de los hongos y la pedantería. Por supuesto, Marvin el detective de los inevitables Milazzo y Berardi me parece una obra maestra. Pero es un género que me cuesta abordar. Considero que son argumentos que deben estar muy bien contados para permitir al lector diferenciar a los personajes y seguir la acción con claridad.

En “Contrapaso” eso se consigue a medias. Teresa Valero exhibe un dibujo detallista y encantador, aunque en ocasiones adquiere un protagonismo inadecuado, distrae más que cuenta. Más allá del agradable dibujo, se esfuerza por construir una trama en la que cualquiera podría ser el culpable. Tres médicos enfrentados más su maestro, unos investigan sobre deformidades, otros analizan a los presos para averiguar si todos los marxistas son unos tarados, los de más allá roban bebés a mujeres de clase baja, aquellos intentan “curar” lesbianas a base de electro-shocks, mujeres insatisfechas ingresan en clínicas de lujo para que las seden y se les pase la ansiedad...

No se vayan, todavía hay más. “Contrapaso” no pertenece solo al género citado (¿Quién lo hizo?), también Leer más...

MARVEL VS DC REED TUCKER COMIC

Planeta Comic. Barcelona, 2021.
384 páginas, 22 euros.

EL GRAN COMBATE
Un libro tan inesperado como imprescindible. Nos suena todo lo que se cuenta en él. Pero, al mismo tiempo, esos hechos tan conocidos adquieren un nuevo sentido al encadenarse en una secuencia lógica que permite entenderlos mejor.

Durante años los aficionados al cómic en general y a los superhéroes en particular hemos sido conscientes de la guerra Marvel-DC, las dos grandes compañías que publican tebeos de tipos con los calzoncillos por fuera. 

En España DC nos llegó a través de las editoriales mexicanas, ya que “sólo Dios podía volar”. En los sesenta aparecieron los personajes Marvel, que liquidaron de un plumazo a las siniestras series inglesas que los precedieron. Sin duda la ambigüedad moral de Spider o Zarpa de Acero, sumada a la presencia de dibujantes extraordinarios como Blasco, les hacía merecedores de mejor fortuna. Pero el caso es que Los Cuatro Fantásticos, El Capitán Marvel o Spiderman resultaban más modernos y chulos que Mitek y compañía, a quienes olvidamos con alegría. Durante un tiempo vivimos entre las versiones Novaro de Flash y Batman y los destrozos que Vértice despachaba con el material Marvel, produciendo páginas y páginas a partir de planchas que troceaban y manipulaban.

En un determinado momento, a mediados de los setenta, la cosa se reestructuró y empezó a llegarnos el material de ambas compañías en formatos más cercanos a los originales y casi con regularidad. En los ochenta se produjo toda una renovación, que también encontró un eco por aquí, con dos editoriales compitiendo por el favor del público. Zinco se encargó del sello DC y Forum de Marvel. Las franquicias han seguido cambiando de mano hasta la actualidad. El éxito de las películas de supertipos ha propiciado un nuevo renacimiento y la producción de constantes volúmenes que recopilan los episodios originales. Los nostálgicos no damos abasto.

A lo largo de toda esa historia los lectores hemos

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LOCOS DEL GEKIGA DE MATSUMOTO Y BAD WEEKEND DE BRUBAKER

EL AUTOR COMO PROTAGONISTA
Cuando un medio alcanza cierta madurez es habitual que se vuelva sobre sí mismo, como motivo dramático o de reflexión. En cómic hay ilustres precedentes, como “El soñador” de Eisner o “Los profesionales” de Giménez.

Brubaker y Phillips
Bad weekend
Evolution comics-Panini. Barcelona, 2021.
72 páginas, 15 euros.

Tebeos en los que se exalta o ridiculiza a unos creadores convertidos en protagonistas de sus propias historias. Recientemente Chaykin lo intentaba en un volumen fallido donde la mezcla de personalidades dificultaba mucho identificar y situar a los personajes. Y diría que a Brubaker le pasa algo parecido. No es tan grave ni tan lioso como el citado, ya que no intenta abarcar (casi) toda la historia del cómic. Sus pretensiones son más modestas, con un dibujante como centro de una intriga detectivesca. Se mezclan dos McGuffin que distraen al lector. Por un lado se sitúa al dibujante protagonista en el accidente que segó la vida de su mentor, suceso al que sobrevivió de forma sospechosa. Y además se pasa toda la obra buscando unas misteriosas páginas que suponemos robó al autor fallecido, hasta la sorpresa final. La Convención de Cómic que se emplea como fondo y los personajes y la atmósfera que la envuelven son verosímiles y están bien construidos. Pero con el centro del relato, ese creador amargado y antipático, tenemos una sensación similar a la que provocaban los personajes de Chaykin. Lo conocemos pero no del todo. A ratos parece Alex Toth, más tarde Wallace Wood y hasta Gil Kane. Entendemos que para evitar pleitos el guionista construye su héroe a partir de rasgos de varios dibujantes. Pero esa mezcla de personas reales, como Eisner o Lee, que aparecen o se les cita, con esos otros inventados, acaba resultando insatisfactoria. Repito, el relato no es tan fallido como el “Hey Kids! Comics!” de Chaykin, tanto el dibujo como el color son agradables. Pero de alguna manera acaba sabiendo a poco, con un final anticlimático. Si les gustan lo que McKee define como “minitramas” es posible que este tebeo les agrade. A mí no me parece irritante pero tampoco me ha convencido. Se nos presenta a los protagonistas y cuando empezamos a interesarnos por ellos, puf, se acabó.

En todo caso, es una obra maestra de ritmo y dramatización si la comparo con “Los locos del gekiga”, de Matsumoto. 

Masahiko Matsumoto
Los locos del gekiga
Manga Satori. Gijón, 2021.
320 páginas, 21 euros.

Conviene decir que

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BAD MOTHER de FAUST Y DEODATO

PaniniComics. Barcelona, 2021.
128 páginas, 18 euros.

NO CON MI HIJA
Cuando todavía nos estábamos recuperando del impacto de “Un cesto lleno de cabezas” de Joe Hill nos llega esta “Mala madre”, una arrolladora serie B dispuesta a demostrar que un buen tebeo puede ser tan interesante como cualquier serie de éxito.

Aunque en los textos que acompañan a la historia se nos insiste en las referencias televisivas, con “Breaking Bad” en primer lugar, creo que en el medio hay una cita obligada, un glorioso antecedente que permanece inédito en este país. Me refiero a “Somerset Holmes”, un thriller con vocación cinematográfica que Bruce Jones escribió en 1987 y que Anderson dibujó con evidentes modelos fotográficos. De hecho la chica que posó para la protagonista acabaría convirtiéndose en la mujer de Jones. Toda la estética de aquel álbum remitía al cine y pedía ser considerada como uno de aquellos relatos clásicos de Hitchcock, con una heroína que se veía arrancada de sus rutinas habituales y desafiaba incontables peligros sin acabar de entender nunca qué era lo que le pasaba, un poco a la manera de Cary Grant en “Con la muerte en los talones”.

Como allí, esta “Bad Mother” presenta una apariencia fotográfica y precisa, todo debe de haber sido previamente documentado para trasladar esa sensación de realidad que con tanta eficacia consigue Mike Deodato. Quien, por cierto, coincidió con Bruce Jones hace años en Hulk. 

Aquí trabaja con la guionista Christa Faust, que escribe una oda a la fuerza de las madres, las auténticas superheroínas. Parte de una idea tan sencilla como eficaz. ¿Qué estaría dispuesta a hacer una madre si

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MAESTROS MARVEL DEL SUSPENSE 1. LEE Y DITKO

SD. Barcelona, 2021.
416 páginas, 41,75 euros

MÁS PEQUEÑO, MÁS GRANDE
Siguen llegando nuevos recopilatorios de Ditko que nos permiten revisar etapas poco conocidas de su carrera. Ahora se han agrupado sus primeras historias para Marvel, que pertenecen a dos periodos de tiempo bien diferenciados.

PRIMERA ETAPA EN MARVEL

Ditko: “Estuve fuera de la escena del cómic durante un año y medio. Volví a finales de 1955 para trabajar con Stan Lee en Marvel”. En 1956 trabajó casi en exclusiva para Marvel. Todavía un veinteañero, tras un año en la profesión había caído enfermo, probablemente a causa de sus interminables jornadas laborales. ¿Qué sintió en aquella vuelta a casa? ¿Tuvo dudas respecto a la profesión a la que había decidido dedicar su vida? Sumen a ello la crisis industrial, con muchas editoriales al borde de la desaparición. El regreso a la gran ciudad debió de constituir un duro desafío para el joven Ditko. Lo habían tumbado en el primer asalto pero estaba de nuevo en pie, dispuesto a seguir luchando, en las peores condiciones. 

Sus primeras entregas demostraron que tenía muchas ganas de dibujar. “Habrá algunos cambios” en Journey Into Mystery nº 33 (Abr. 1956) parecía un trabajo de Wally Wood, por su saturación y detallismo. “¡Los que desaparecen!”, en el nº 38 (Sep. 1956) era algo más contenida, pero iba cargada de líneas en comparación con obras posteriores. “Marzo tiene 32 días” en Mystery Tales nº 40 (Abr. 1956) contaba con viñetas barrocas y muchas sombras proyectadas. 

La sencillez regresó acompañada por unos precisos sombreados. Tanto en “El visitante nocturno” en Journey Into Unknown Worlds nº 45 (May. 1956) como en “El mayor experimento” en Strange Tales nº 46 (May. 1956) donde mantenía sus deudas con Wood al tiempo que señalaba sus propios territorios, sobre todo en cuanto a la arquitectura futurista y los vehículos. Sus diseños siempre eran orgánicos, con citas al expresionismo de Hermann Finsterlin, Erich Mendelsohn o Bruno Taut. Como puede observarse en la nave alienígena de “Los marcianos desaparecidos” en Marvel Tales nº 147 (Jun. 1956). Mi amigo Frédéric Manzano quiere ver en los científicos protagonistas de “El mayor experimento” un parecido con los editores de EC, Gaines y Feldstein. No discuto que fuera, como otros cómics de Ditko en ese momento, un sentido homenaje a las historias de ciencia-ficción de la mítica editorial. Pero a esas alturas pocas ilusiones podría hacerse ya de colaborar con ellos. Todas sus revistas habían ido cerrando y tan sólo Mad se mantenía en pie. En 1956 hasta su admirado Wood se había visto obligado a pedir trabajo en Atlas-Marvel. Así que, si se trataba de homenajes, eran más bien póstumos.
Su primera colaboración con Stan Lee curiosamente no se dio en un cómic de fantasía sino en el western “¡Los malos!”, en Two-Gun Western nº 4 (Oct. 1956). Aunque las tarifas que pagaba Marvel eran más elevadas que las de Charlton, no solicitaban suficiente material. Así que en cuanto Charlton se puso en marcha otra vez, Ditko volvió con ellos.

De su escasa producción de 1956 se pueden citar obras como “Quien acecha ahí abajo”, en World of Suspense nº 2 (Jun. 1956) o “¡El hombre misterioso!” en World of Mystery nº 3 (Oct. 1956), publicación donde compartía espacio con Torres, Davis, Marie Severin o Stallman.
Atraído por las cualidades rítmicas de la línea, muchas de sus historias incluían personajes que parecían fluir, deslizarse por la plancha. Más cuando forzaba las proporciones, una característica de esos años. Pasó por una fase “manierista” que llenaría sus cómics de figuras apepinadas, con caras estilizadamente largas, enjutas, que recuerdan mucho al Kubert de aquellos años. Como el dictador que recibía al lector en la primera página de “¡Constrúyame una máquina!” en Astonishing nº 53 (Sep. 1956), todo el reparto de “¡El hombre sin rostro!” en Journey Into Unknown Worlds nº 51 (Nov. 1956) o los exploradores y los ancianos de “¡Cuando despierten!” en Mystery Tales nº 47 (Nov. 1956).

¡¡UN MONSTRUO AHÍ FUERA!!

Con el final de la década aumentaron sus contribuciones para Marvel. Aunque esporádicamente transitó géneros como el bélico o el western, siguió centrado en la fantasía, con episodios breves para revistas como Tales of Suspense, Tales to Astonish, Strange Tales o Journey Into Mystery, entre otras. Al contrario que

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KADATH COMIC ADAPTACIÓN DE LA OBRA DE LOVECRAFT

KADATH. EL PROYECTO.

Hace años me reuní con dos ex-alumnos y amigos. Uno de ellos, Guillermo Sanna, llevaba tiempo colaborando con Marvel, en series como Iron Fist, Cage, Bullseye y otras. Jacques Salomon se había dedicado a la pintura, especializándose en retratos. Pero sentía ganas de meter la cabeza en esto del cómic. Como en ocasiones Sanna tenía algunos periodos sin encargos, quería algo que le permitiera mantenerse en forma. Fue así como surgió la idea de hacer un proyecto juntos. Acabó siendo el actual Kadath. Pensé en una adpatación de Lovecraft y nos pusimos a ello. Lo llevamos a Angulema en 2019, sin grandes resultados. Lo enviamos a varias editoriales americanas, sin respuestas positivas. Finalmente, la editorial Diábolo Ediciones decidió confiar en nosotros a los pocos días de mandarles el proyecto. Ahora es una realidad que ya pueden encontrar en las librerías especializadas, con una respuesta crítica muy positiva. Solo nos queda dar las gracias a todos los aficionados que han adquirido el libro y desear que la lectura haya sido de su agrado. 

A continuación reproducimos un fragmento del prólogo de Kadath, obra de mi buen amigo Ramón F. Pérez, redactor y fundador de El Wendigo. Que lo disfruten.

LA LLAVE DE PLATA
Lovecraft ha sido llevado frecuentemente al cómic desde los ya lejanos tiempos de la adaptación de Breccia, en unos casos se adaptan historias concretas, en otros se idean nuevos relatos basados en su universo y hasta los hay que lo toman -a él o a alguien muy parecido- como protagonista de los mismos. Sin embargo muy pocos han intentado adaptar esta historia1 y me llama la atención, pues siempre pensé que era el más visual de todos los relatos lovecraftianos, el más susceptible de ser trasladado a un medio basado en la imagen, además de tener una emoción y variedad que no siempre se encuentran en sus argumentos. 

Florentino Flórez como guionista y responsable de la narrativa gráfica -vulgo planificación- secundado por los dibujantes Guillermo Sanna y Jacques Salomón -los tres ciudadanos de Palma de Mallorca, aunque el primero lo sea de adopción- nos ofrecen esta atractiva versión de la búsqueda de la desconocida (o la oculta) Kadath, la ciudad de los Dioses del Sueño. Florentino nos da una visión muy ajustada al cuento original aunque ofreciendo ciertas innovaciones que hacen más fluido el relato, por ejemplo Randolp Carter va a ser acompañado en su periplo por un fiel y audaz compañero lo que, entre otras cosas, nos libra de esos interminables monólogos tan gratos al cómic actual. Otras innovaciones son más llamativas, por ejemplo el inicio de cada capítulo con la aparición estelar de Litlle Nemo… Confieso que, de buenas a primeras, me dejó un tanto perplejo pero la verdad es que en una historia que gira alrededor del sueño y la infancia pocas presencias están más justificadas que las del pequeño Nemo. Pero la mayor innovación de todas está en el enfoque del capítulo quinto en el que Carter se encuentra con su viejo amigo Kuranes, devenido rey en las tierras del sueño. A mí me gusta, pero me temo que ahora sería el solitario de Providence quien mostrase cierta perplejidad.

Esta es una versión que, sin traicionar el espíritu lovecraftiano, potencia los aspectos aventureros del relato, transformando el periplo onírico de Randolp Carter en

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UNIVERSO BATMAN de BENDIS Y DERINGTON

ECC. Barcelona, 2021.
176 páginas, 19,95 euros.

BATMAN EN BUSCA DEL HUEVO PERDIDO
La producción de comics de superhéroes es tan grande que seguirle la pista a todo es casi imposible. No, si se quiere echar un ojo a otras latitudes, europeas, japonesas o lo que caiga. Pero nunca se le debe dar la espalda a Batman.

Como con cualquier otro de los grandes personajes, es tal el número de dibujantes y guionistas que pasan por ellos, que en cualquier momento puede surgir un tebeo que valga la pena. Es el caso de este “Universo Batman”. Por un lado viene firmado por Brian Michael Bendis, guionista de sólida trayectoria, a quien algunos calificarían descuidadamente de artesano, pero que en ocasiones ha facturado tebeos tan interesantes como “Alias”. Yo no corro a comprarme sus tebeos pero siempre me ha parecido un profesional muy respetable. Aquí cumple con creces. Cuando todas las historias de Batman parecían haberse contado ya, él se descuelga con una trepidante persecución que comienza con un robo. Un huevo de Fabergé es sustraído de un museo y el héroe con traje de murciélago intenta recuperarlo. Por el camino descubre que el huevo contiene algo muy poderoso y que no es el único que va tras él. En un relato tremendamente ágil y trepidante, saltamos de aquí a allá, de un país a otro y del presente al salvaje oeste de Jonah Hex. No es el único supertipo que sale como comparsa. En varios episodios algunos populares personajes de DC comparten la aventura con Batman, lo que permite al guionista contrastar sus expansivas actitudes con la tradicional reserva del caballero oscuro. Al final descubrimos que los Green Lanterns están implicados y que el problema tiene consecuencias que afectan al equilibrio cósmico, sale una guardiana Oa muy peculiar y viajamos a una de esas dimensiones blancas que tanto gustaban a Ditko y a Starlin.

Si el guión no ofende la inteligencia del lector, el dibujo consigue estar a la altura de la propuesta. No conocía anteriores trabajos de Nick Derington, aunque veo que es un veterano, curtido en Leer más...

TALES FROM THE CRYPT - COMIC TERROR

V.V.A.A.
Diabolo. Madrid, 2021.
216 páginas, 34,95 euros.

TERROR EN COLOR
La editorial Diábolo se ha decidido a publicar en condiciones algunos de los cómics más aclamados por público y crítica, las series de la mítica editorial E.C. Existía un intento anterior, de hace dos décadas, en B/N y en un formato muy reducido.

También en la revista “Ilustración y Comix Internacional” aparecieron algunas historias sueltas. Pero nunca con el mimo de la actual propuesta: tapa dura, buen tamaño y colores ajustados. Todos los detalles se han cuidado para que disfrutemos de aquellos tebeos tal y como fueron concebidos. Lo primero que conviene recordar es que estamos hablando de unos cómics de los años cincuenta. Su editor, Bill Gaines, tenía la firme voluntad de mejorar el legado del anterior director, a la sazón su padre Max Gaines. Al final lo consiguió y los cómics de la E.C permanecen como un estándar de calidad gráfica y compromiso con temas relevantes.

Pero no en todos los aspectos han envejecido igual de bien. Su estructura narrativa tendía a ser muy conservadora, con páginas previamente rotuladas, con las viñetas y los bocadillos ya dispuestos, lo que dejaba poco margen para la creatividad de los dibujantes. Para algunos aquellas planchas donde solo quedaba por hacer el dibujo eran una bendición, que los liberaba del peso de otras decisiones compositivas y narrativas. Pero conllevaba necesariamente una estética contenida y unas páginas con pocas sorpresas en cuanto a diseño general. Por otro lado, los textos tendían a ser excesivos, casi todas las viñetas cargaban con cartuchos donde se narraba lo que en ocasiones ya mostraban las viñetas. Por último, el nivel de todos los dibujantes no era el mismo. Como puede apreciarse ya en este primer volumen, había verdaderos genios como Johnny Craig o Harvey Kurtzman, al Leer más...

FRIDAY FOSTER de LAWRENCE Y LONGARON COMIC SUNDAY PAGES

Norma. Barcelona, 2021.
256 páginas, 39,95 euros.

MUJER NEGRA SOLTERA BUSCA TIRAS PERDIDAS
Se recupera una tira mítica que Longaron dibujó para varios periódicos americanos, allá por los setenta. Friday Foster era una protagonista adelantada a su época, mujer y negra. Y pagó un precio por ello.

La tira no fue el éxito que Longaron soñaba y al cabo de pocos años la abandonó, cansado de que sus esfuerzos no se vieran adecuadamente recompensados. En algunas zonas de los Estados Unidos funcionó muy bien, en otras directamente se negaron a publicarla. Hoy en día las tiras que llegan a las casas de subastas se venden a muy buenos precios. Nadie duda de la calidad del apartado gráfico. El dibujante viajó a Nueva York y se arriesgó a sacar fotos en un Harlem no tan turístico como el actual. Al rigor documental se unió la expresividad del pincel de Longaron, todo un maestro que saltaba de acabados planos y de aire pop a rotundos trazos de gruesos inesperados, con elegancia y aparente facilidad. Él es sin duda la principal razón para adquirir este volumen. En los artículos que lo complementan se explica que a veces el material no llegaba (antes de internet todo debía enviarse por correo “normal”) y diferentes autores americanos cubrieron al español, redibujando algunas tiras. Entre ellos encontramos a algunos tan conocidos como Gray Morrow o Frank Springer. El mismo Longaron buscó la ayuda de algunos compatriotas pero lo cierto es que cuando no está su ausencia se nota ¡Y cómo!

Su guionista tampoco es un cualquiera. Conocemos a Jim Lawrence sobre todo por su participación en James Bond, cuando la tira era dibujada por el extraordinario Yaroslav Horak. Juntos firmaron un impresionante conjunto de historias, entre Leer más...

OFICIO DIBUJANTE JOSE LUIS MUNUERA

Astiberri. Bilbao, 2021.
160 páginas, 10 euros.

PREFERIRÍA HACERLO
Munuera, un dibujante español que se ha labrado su carrera en Francia, presenta dos obras muy diferentes: un tratado teórico y una adaptación de un clásico de la literatura universal.

Empiezo por ese “Oficio dibujante” que él presenta con mucha humildad como un desordenado conjunto de artículos sobre tebeos. Explica que no se le dan bien las autobiografías. Que su historia cabría en un grueso libro donde él estaría en todas las páginas sobre su mesa de dibujo, trabajando en calzoncillos. Y que prefirió ahorrar tan lamentable espectáculo a sus lectores. La afirmación ya adelanta el tono general de la obra. 

Munuera explica muchos asuntos interesantes del negocio al que ha dedicado su vida, pero siempre desde la sencillez y el humor y con una absoluta falta de pretensiones. Ese registro desenfadado y cercano no hace sino aumentar la grandeza de un artista que en su ámbito profesional lo ha conseguido casi todo. Como dibujar a Spirou, uno de los grandes personajes del cómic europeo. Insiste en que el éxito y el fracaso son términos que cada uno interpreta a su manera y que su mayor triunfo consiste en vivir de su trabajo, algo que decidió siendo niño. Eso y poder echar la siesta en la cama y con pijama. Mantiene varios proyectos en marcha y así, cada vez que concluye uno, salta inmediatamente al siguiente.

No se dejen engañar por esa ligereza que engrasa la lectura y consigue que el libro se acabe en un suspiro. Entre bromas y veras Munuera escribe uno de los mejores textos sobre tebeos que

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SAGAS DE COMIC ACTUALES

SERIES EN MARCHA
Algunos de los mejores comics que se publican aparecen dentro de sagas que pueden prolongarse durante años o décadas. Conviene recordar algunos de ellos, en concreto estas 5 o 6 para que no los dejen pasar.

Walter Simonson
Ragnarok 3. La destrucción de Helheim
Panini Comics, 2021. 

160 páginas, 19 euros

Simonson vuelve con su nueva versión de Thor, muy alejada de la que creó hace años para Marvel. Se alcanza el cuarto volumen de “Ragnarok” con una épica aventura en la que viajamos con el dios del trueno a un peculiar infierno donde se encontrará con un valiente grupo de guerreros transformados en lobos. 

El trágico héroe ha vuelto de una muerte que no era del todo definitiva y se hace acompañar de una irónica ardilla. Y muchas cosas más. Imprescindible.

Leo-Rodolphe-Janjetov
Centaurus 4. Tierra de angustia
ECC. Barcelona, 2021.
48 páginas, 10,95 euros.

“Centaurus” llega al cuarto volumen de una serie a la que solo puede ponérsele una pega: que no la dibuja Leo. Solo la escribe, junto con su cómplice Rodolphe. Janjetov nos mete inmediatamente en materia y consigue recrear las atmósferas de las otras sagas del genial creador brasileño, como la recientemente reeditada “Aldebarán” o su secuela “Betelgeuse”. 

Aventuras cósmicas a gran escala, fauna y flora muy terroríficas y un constante flujo de sorpresas. No se lo pierdan.

Stan Sakai
Los Ocultos
Planeta cómic, 2021
200 páginas, 12.30 euros.
Poco más puedo añadir a todo lo que ya he escrito sobre Usagi Yojimbo. En “Los ocultos” retoma un asunto que ya había aparecido en una aventura anterior y aquí lo desarrolla hasta ocupar todo el volumen. 

Con un tono detectivesco, los protagonistas buscan la primera versión de La Biblia en japonés. Emotiva y estremecedora y con un final de altura. Sakai no afloja y escribe un relato entretenido y enternecedor a partes iguales.

Berardi y Milazzo

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DRÁCULA CÓMIC DE GEORGES BESS

Norma. Barcelona, 2021.
200 páginas, 35 euros.

UNA ADAPTACIÓN DEMASIADO FIEL
Georges Bess ha vuelto a nuestras librerías con un libro arrollador, su versión del “Drácula” de Bram Stoker, un tremendo éxito en Francia y que ahora podemos disfrutar en español.

Desde sus ya lejanos tiempos con Jodorowsky, Bess había intentado, con diferentes colecciones, recuperar los seguidores que tuvo en sus colaboraciones con el guionista chileno. Finalmente lo ha conseguido gracias a esta muy fiel versión de la novela que tantas películas de vampiros ha inspirado. Tuve ocasión de encontrármelo en Angulema, justo antes del confinamiento. Había pasado por una doble resurrección. Primero personal, ya que se había enfrentado a una grave dolencia y lo vi tan simpático y en forma como siempre. También laboral, tras años de desencuentros con sus lectores, finalmente el éxito volvía a sonreírle. Ya preparaba una nueva adaptación, que ha estado elaborando durante estos largos meses. Se trata de otro de los grandes clásicos del horror, Frankenstein.

Su “Drácula” nos llega en la versión más sofisticada, en blanco y negro y con un buen formato. Y ya desde la portada resulta estremecedor. Ha diseñado una cubierta con un aire Art Nouveau, con zonas impresas en dorado y una guirnalda tan decorativa como terrorífica. La primera sensación del interior no decepciona, con esa doble página del cementerio, sencillamente espectacular. El nivel de dibujo se Leer más...

MONSTRUOS DE BARRY WINDSOR SMITH COMIC

Dolmen. Palma, 2021.
384 páginas, 34,95 euros.

ABORTOS DEL INFIERNO
Barry Windsor-Smith es una de las vacas sagradas del cómic mundial. Desde sus primeros pasos en Marvel se ganó una sólida reputación como ilustrador y dibujante, con unos acabados que nadie ha conseguido imitar con éxito.

Así que tiene mucho mérito que Dolmen se haya atrevido a editar en España esta su última obra. Un grueso volumen bien presentado que, según se comenta en el prólogo, el autor ha arrastrado durante años, de una editorial a otra. La criatura fue creciendo por el camino hasta convertirse en el auténtico monstruo que es ahora. No lo voy a recomendar pero sí que agradezco que se haya publicado. Windsor-Smith siempre tiene algo que ofrecer, no es cualquiera. Así que, incluso en su peor momento, tiene viñetas magistrales. No descubro nada con esto. Los que lo conocimos imitando torpemente a Kirby y evolucionando con lentitud de un episodio a otro de Conan ya sabemos que es un creador capaz de reinventarse de maneras insospechadas. Siempre se comentó que conseguía aquellos trazos, que no apreciábamos en ningún otro entintador, gracias a unas plumillas (especiales) que compraba en Inglaterra. 

La cumbre de aquella primera etapa fue por supuesto “Clavos rojos”, una obra maestra absoluta. Pero ya antes nos había brindado episodios magníficos, como el de la torre del elefante o el de la reina vestida con aquel traje de pedrería y el pulpo gigante. Después vino su etapa de desencuentro con la editorial, que se interrumpió con su participación en “El Hombre Máquina”, una serie que contiene páginas ejemplares. Más tarde disfrutaríamos con sus breves apariciones en “X-Men”, donde firmó grandes

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DEADWOOD DICK-BLACK HAT JACK de BOSELLI Y ANDREUCCI

Panini Comics. Barcelona, 2021.
200 páginas, 22 euros.

INDIOS, MUJERES Y NEGROS
Los cómics populares se esfuerzan por adaptarse a los tiempos que corren. Black Hat Jack es otro vaquero negro que viene a unirse al Marshall Bass de Kordey. En este caso además se le suma una mujer, también vaquera, así que podemos afirmar que estamos ante un western decididamente integrador.

No lo parece tanto al principio, cuando escuchamos los comentarios de los dos protagonistas sobre los pieles rojas, un conjunto de maldiciones racistas sobre las malas costumbres de los indios. La forma en que los blancos se refieren a los nativos se debe al realismo del guión, al fin y al cabo eran dos grupos en liza por la misma tierra y con culturas muy diferentes. En ese sentido Boselli no cae en la tentación de edulcorar a los comanches, cuyas brutales maneras con los prisioneros pronto se nos describen con crueldad en una de las primeras escenas. Claro que emplea la misma ferocidad con los pioneros. El grupo que se reúne en la taberna donde tiene lugar una buena parte de la acción no exhibe unas maneras más delicadas, ni mucho menos. Todos insultan al negro recién llegado con entusiasmo. Tras una buen rato de mentar unos a las madres de los otros, parecen calmarse y se ponen a beber como buenos hermanos.

Luego intervienen los indios, con Quanah Parker al frente, uno de los cabecillas más legendarios del antiguo oeste, un mestizo con muy mala leche. Lo que sigue es el clásico asedio a lo “Zulú”, con cientos de salvajes atacando a una pandilla de endurecidos vaqueros. El guión es muy eficaz en varios aspectos clave. Primero, la caracterización de los dos protagonistas, un blanco y un negro a los que el azar ha llevado a cabalgar juntos y a convertirse en dos buenos amigos, una relación cuya profundidad descubrimos según avanza la acción. Segundo, en cuanto a lo que ocurre durante ese ataque, con la aparición de Leer más...

SUPERMAN CONTRA EL KLAN de LUEN YANG Y GURIHIRO

Editorial Hidra, 2021.
240 páginas, 14,95 euros.

SUPERMAN SÍ, SUPERMAN NO
Superman sigue funcionando como una gran metáfora de los temas más variados. Ahora lo encontramos en una entretenida aventura juvenil donde se nos recuerda que es un emigrante más, en su caso venido del espacio.

La portada presenta al guionista, Gene Luen Yang, como “autor superventas”. Eso, unido al interés que ha despertado su título, me hacía temer lo peor. Un sentido alegato contra el racismo, sin chispa de interés dramático. Pero no ha sido así, sino todo lo contrario. 

El tono del argumento, sumado al delicioso dibujo del grupo japonés Gurihiru, nos indica rápidamente que este producto se dirige a un lector joven al que no se va a marear con sutilezas ni pedanterías. Estamos ante una narración sencilla y directa, con protagonistas también jóvenes, que aprenden algunas verdades sobre la vida en la ciudad. La primera peculiaridad es que el héroe, Superman, participa de ese aprendizaje. No se trata del campeón maduro al que estamos acostumbrados sino del personaje inicial, que se corresponde con el que apareció en Action Comics, en los años treinta. Un superhéroe fuerte pero no tan fuerte y con poderes pero no tantos. Que podía saltar muy alto pero no volar. A lo largo de la historia los diferentes personajes aprenden sobre todo a no tener miedo. Los hermanos protagonistas representan las dos caras de la emigración. Está el que desea fundirse en el crisol y sabe que no tendrá problemas en integrarse y la que se siente diferente y tiene la firme convicción de que nunca encajará. Superman, como miembro de una cultura extranjera, también participa de esa voluntad por ser normal. Si algo nos han devuelto las redes sociales es el viejo concepto de la normalidad. Lo que todo miembro de cualquier colectivo teme es ser señalado como diferente. 

Hoy más que nunca la diferencia ha sido machacada en el altar de la identidad. Aprender a combatir eso es el trayecto que nos sugiere esta aventura, mucho más sofisticada de lo que su apariencia juvenil y ligera sugiere. Y también sale el Klan. Como se nos explica en un epílogo imprescindible, el origen del guión está en

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PRDRO y MAILI de ÁLVARO ORTIZ

¡Caramba! Astiberri. Bilbao, 2021.
206 páginas, 14 euros.

LAMIENDO BOTAS
Una aventura que mezcla a Pedro Sánchez (sí, ESE Pedro Sánchez), Miley Cyrus y ¡Lobezno! La imposible combinación de personajes no permitía suponer tan patéticos resultados.

Lo peor que puede decirse de un cómic de humor es que sea aburrido. Y este lo es. La premisa inicial es muy prometedora. El presi y la cantante se escriben y acuerdan una cita en España. Se van juntos de viaje y todo acaba románticamente. 

Luego la cosa se complica. Hasta niveles estratosféricos. Sale la escuela de talentos de Xavier y Coloso que, como tantos otros compatriotas, vive cómodamente en Marbella, hay viajes en el tiempo, un Sánchez maligno y otro del futuro, una supuesta vacuna que no alcanza los objetivos deseados y mucho más. Y, por supuesto, Ayuso es la mala malísima. Ya lo he comentado con anterioridad, lo del humor es algo muy raro. Y muy complicado. 

Construir una buena comedia es una operación de riesgo donde el ritmo resulta crucial. Es difícil mantenerlo y muy fácil perderlo. Que es lo que pasa aquí. Considero que se cometen dos errores graves. Primero,

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ARTE DE KEI OHKUBO MANGA RENACIMIENTO COMIC

Arechi Manga. Barcelona, 2021.
194 páginas, 9 euros.

UN MANGA RENACENTISTA
Tras la desaparición de los últimos dinosaurios del manga, Taniguchi en 2017 y Koike en 2019, ha costado encontrar una serie que nos permitiera renovar el entusiasmo por los tebeos japoneses.

He ido picoteando mangas en los últimos años. No todos eran lamentables, en general siempre son entretenidos y narrativamente curiosos, con esos juegos temporales que transforman situaciones anodinas en momentos desaforadamente épicos. Pero teniendo en cuenta su costumbre de prolongar las colecciones durante incontables números (razón por la que en su momento dejé a Urasawa), hace ya mucho que decidí exigir algo más de los títulos que iba a seguir. Y en eso apareció “Arte”. Lo diré para empezar: su autora, Kei Ohkubo, no es Koike. Nadie es Koike, posiblemente uno de los mejores guionistas que han existido. Ohkubo juega en una liga menor, pero con mucho entusiasmo, una pasión que se traslada a sus viñetas y las convierte en una lectura atractiva y recomendable.

Su relato se inscribe en esa ola revisionista de la historia del arte, que redescubre a todo tipo de creadoras, con tal de demostrar que, si no hay más pintoras, escultoras o lo que sea, la culpa es del heteropatriarcado. Al recuperar a creadoras como Artemisia Gentilleschi se inspira a nuevas artistas para que sigan sus pasos. Eso es literalmente lo que ha hecho esta mangaka. Imaginar a una joven casadera en la Florencia renacentista que, en lugar de luchar por conseguir un buen marido, desea ser admitida como aprendiz en algún taller y desarrollar una carrera como pintora. Al principio chirría un poco esa obstinación de la protagonista en un entorno que dudo facilitara tales iniciativas. Pero el desajuste histórico se salva pronto con simpatía y buenas intenciones. Ohkubo no solo acumula sin prejuicios situaciones en las que nos cuesta imaginar a una dama italiana del siglo XVI, además la hace comportarse como una emancipada jovencita japonesa de la actualidad. Con su voluntad de hacer oír su voz y al tiempo una timidez encantadora, que se traduce en incómodos enmudecimientos y su incapacidad para lidiar con determinados sentimientos que la inmovilizan.

Se plantea con rapidez una fantasía histórica, unas reglas de juego que la autora maneja muy bien y que aceptamos con alegría. Pronto

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UN CESTO LLENO DE CABEZAS de JOE HILL y LEOMACS

ECC. Barcelona, 2021.
184 páginas, 21,50 euros.

¡QUE LE CORTEN LA CABEZA!
Joe Hill es el seudónimo que emplea uno de los hijos de Stephen King. Hace tiempo leí algún episodio de su serie Locke & Key, que no llegó a interesarme. Pero ahora presenta un tebeo arrollador.

Le acompaña un dibujante en estado de gracia, un italiano de dibujo comunicativo y sabiduría clásica, que aporta la energía que un cómic como éste necesita. Gran diseño de personajes y perfectas actuaciones, con una puesta en escena muy cinematográfica. Leerlo es casi como asistir a la proyección de una película que, estoy seguro, no tardarán en realizar. Del dibujo me gustan hasta las imperfecciones, cuando permite que el realismo se relaje para favorecer momentos de un humor muy negro. Se nota su experiencia en el mercado italiano, en sus series realistas, populares y en blanco y negro. Todo es funcional y expresivo y eso es muy importante en una miniserie como ésta donde los giros de guión abundan y los saltos de género, del realismo policíaco al más puro terror fantástico, podrían despistar fácilmente al lector si el dibujante no tuviera la habilidad de mantener el rumbo, incluso en los momentos más locos del argumento. Aunque las sorpresas pueden llegar a ser abrumadoras, con versiones de unos hechos que ignoramos que van variando y se acumulan formando un collage embriagador, el dibujo nos ancla a una realidad que permite suponer que hay una lógica detrás de tanta locura.

Y vaya si la hay. Apenas puedo citar lo que pasa en la historia por temor a privarles del placer de Leer más...

ZAROFF de RUNBERG y MIVILLE-DESCHÉNES

Norma editorial. Barcelona, 2021.
88 páginas, 22 euros.

¡A LA CAZA!
Descubrimos el poderoso dibujo de François Miville-Deschénes en la impactante “Reconquistas”. Ahora vuelve a la carga con la revisión de “El juego más peligroso”, trasladado al cine como “El malvado Zaroff” (1932).

La peli, producida por Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack mientras rodaban “King-Kong”, se filmó en las mismas localizaciones y escenarios, la del gorila gigante de día, empleando las noches para grabar las escenas de Zaroff. Permanece como un clásico del cine de aventuras, alimentando las fantasías de aficionados y creadores como Mark Schultz, que no conseguía explicar porqué la contaba entre sus favoritas. Es una obra cruda y directa y su tema apela a algunos de nuestros instintos más primarios.

El guión de Sylvain Runberg recupera al personaje original pero lo imagina invadido por el aburrimiento, un aristócrata ruso venido a menos y cansado de vivir, que languidece en su oculto paraíso tropical, atendido por su escuadra de fieles cosacos. Todo cambia cuando un grupo de gángsters americanos decide amenazar a su menguada familia. Al frente de estos mafiosos irlandeses está una mujer de armas tomar, una suerte de Maureen O'Hara con esteroides. Desea reafirmar su liderazgo matando al asesino de su padre, estrella invitada en una cacería del conde. Así que los parientes son trasladados a la isla donde el conde languidece, aburrido de una vida sin desafíos, y utilizados en su contra, bajo amenaza de muerte. El malvado Zaroff no se resigna a su incómodo destino. Más bien al contrario, el asunto despierta en él pasiones que creía apagadas y da comienzo una vibrante caza del hombre. La supuesta presa pronto demuestra que es el mayor depredador del lugar, liquidando a los irlandeses uno tras otro. Por el camino, algunos de sus familiares descubren también sus talentos asesinos.

En realidad el argumento es Leer más...

PUBLICACIONES SOBRE UDERZO Y GOSCINNY - ASTÉRIX Y MÁS

GOSCINNY, René y UDERZO, Albert
Todo Luc Júnior. Salvat, 2020
236 páginas, 25 euros

ASTÉRIX. NOSTALGIA DEL HOGAR
Hace 60 años se publicó el primer “Astérix”. Me refiero al álbum, ya que el personaje había aparecido en la revista Pilote en 1959. En la última década otras creaciones de Uderzo y Goscinny han protagonizado un interesante rosario de publicaciones.

TODOS LOS CAMINOS LLEVA A ASTÉRIX

Con motivo del aniversario, la delegación de la UNED en Palma organizó en febrero un ciclo de conferencias: “Astérix, el mundo romano visto desde los tebeos”. Coordinaban Francesc Mesperuza Rotger y la profesora Antònia Soler Nicolau, con la colaboración de Nívola Uyà. Tuve ocasión de presentar una ponencia y así contar con una excusa para releer todos los Astérix. El talento de sus creadores va mucho más allá del pequeño galo. 

Varios libros permiten reconstruir el camino que les llevó hasta él. Como la biografía René Goscinny los primeros pasos de un guionista genial (Norma, 2007). Hijo de judíos polacos, solo pasó dos años en Francia antes de emigrar a Buenos Aires, donde transcurrió su infancia, una etapa de su vida absolutamente feliz. La tranquilidad se interrumpió con la llegada de la guerra y las primeras noticias sobre familiares desaparecidos. Uderzo era hijo de padres italianos y no obtuvo la ciudadanía francesa hasta los siete años. Durante la ocupación se refugió en Bretaña, huyendo de los nazis. En 1943 Stanislas Goscinny murió repentinamente de un infarto cerebral y el joven René se puso a buscar trabajo. Luego se trasladó con su madre a Nueva York, donde residía un familiar. Para mantener su ciudadanía francesa tuvo que volver a Francia para hacer el servicio militar. Regresó a Nueva York con la intención de ganarse la vida como ilustrador. En 1948 conoció a varios autores muy influyentes en su forma de entender el humor: Kurtzman, Severin, Elder... No conseguía encargos y malvivió en uno de los peores barrios de la ciudad. Uderzo, mucho más dotado para el dibujo, picoteaba en diferentes series, con personajes como el forzudo “Belloy”.

En 1949 la suerte de Goscinny cambió. Se encontró con Jijé, uno de los grandes maestros del cómic franco-belga, de vacaciones en USA. El dibujante le presentó a Morris, con quien más tarde colaboraría en Lucky Luke. También entró en contacto con Georges Troisfontaines, un vividor al que le gustaba irse de farra con tipos divertidos como Goscinny. “Si pasa usted por Bélgica, venga a saludarme que le daré trabajo”. Dicho y hecho, allá se plantó René, para espanto del editor. Finalmente lo mandó a dirigir su sucursal en París, donde coincidió con Uderzo. Conectaron de inmediato, unidos por un mutuo amor a “Popeye” y las películas del cine cómico mudo. Albert se había pasado una temporada en Bruselas, trabajando para la agencia International Press de Yvan Chéron, que compartía oficinas con la World’s Presse, dirigida por su cuñado, Troisfontaines. 

El dibujante dormía en el estudio, junto con otros como él. No aguantó mucho en aquella galera de esclavos. Cuando se encontró

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LA DIVINA COMEDIA DE OSCAR WILDE de JAVIER ISUSI

Astiberri. Bilbao, 2021.
376 páginas, 29 euros.

EL LARGO ADIÓS
Javier de Isusi se hacía con el Premio Nacional de Historeta el pasado año con esta recreación de los últimos días de Oscar Wilde en París. Una cuidada reconstrucción por la que se pasean personajes tan famosos como los hermanos Machado o Frank Harris.

Reconozco que me resistí a leer este grueso volumen. Como todo lector sabe, con los años se desarrolla un infalible sentido arácnido que zumba cuando nos acercamos a algún tostón. Y cada vez que hojeaba la obra de Isusi mi instinto vibraba cual satisfyer desbocado. Pero me debo a mi público así que finalmente le he hincado el diente. Vaya por delante que me parece un trabajo muy respetable, una obra que será recomendada por bienintencionados profesores de secundaria, que la añadirán a la reducida lista de comics consagrados, aquellos dignos de pertenecer a los más prestigiosos parnasos culturales. Como “Maus” o “Persépolis”. Comics que abordan temas profundos como éste. Ya se pueden imaginar: Wilde tras pasar por su experiencia carcelaria, apurando sus últimos días en París, entre deudas, chavales de la calle similares a los que acabaron con la vida de Passolini, amigos, videntes, patrocinadores y todos los poetas franceses que puedan recordar. Cada cierto tiempo, por si acaso tuviéramos la sensación de que los personajes hablan poco, se incluyen una suerte de entrevistas con algunos de los “actores” más relevantes. Hablan en plano fijo una página tras otra. 

En realidad Isusi muestra sus cartas desde el principio. La acción arranca en un teatro y en ningún momento nos quitamos de encima esa sensación de asistir a una representación, con contados cambios de escenario y sin grandes sorpresas visuales. Todo discurre con tranquilidad y sosiego, salvo alguna secuencia de delirio onírico un tanto fuera de lugar. La documentación es rigurosa y no dudo que los seguidores de Wilde se sentirán complacidos con esta recreación. En cuanto al jurado que eligió esta novela gráfica como la mejor del año, son evidentes las razones de su veredicto. Wilde es un auténtico

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EL PODER DEL FUEGO de KIRKMAN y SAMNEE

ECC, 2021.
160 páginas, 18,95 euros.

MARIPOSAS INCANDESCENTES
Los planetas se han alineado para hacer coincidir a Robert Kirkman con Chris Samnee. O, lo que es lo mismo, uno de los mejores guionistas actuales con su equivalente en el campo del dibujo.

El resultado es arrollador. Al principio parece que nos van a contar una historia que ya hemos leído un millón de veces. El joven occidental perdido en alguna inhóspita cumbre tibetana, la lucha por sobrevivir en la nieve y la llegada a un lugar paradisíaco, esa Shangri-La de Horizontes lejanos o el Kun-Lun de Puño de Hierro y tantas otras. Hablamos del clásico monasterio cargado de monjes guerreros y calvos que consagran su vida a perfeccionar sus destrezas físicas y mentales. El Shao-Lin de la mítica serie Kung-Fu o el refugio del peculiar maestro bigotudo de Kill Bill. Y prometo que se acabaron los guiones. Kirkman, que tras Los muertos vivientes bien podía haber perdido el mojo, demuestra su buena forma. Nos traslada a esos lugares familiares y perfectamente reconocibles y exhibe su habilidad para darles la vuelta. “¿Conocéis esta historia? Ahora lo veremos”, eso es lo que el relato parece sostener. Como en Kung-Fu Panda, el héroe no solo se busca a sí mismo, también desea encontrar a un padre ausente cuya sombra pesa demasiado sobre su destino. ¿Está condenado a cometer los mismos errores que su progenitor?

El guión por un lado se detiene en todas las estaciones habituales en este tipo de narraciones: el duro entrenamiento, la relación cada vez más estrecha con el maestro, las inevitables peleas y desafíos, el mito inalcanzable del guerrero que en el pasado dominó una técnica ahora perdida, ese poder del fuego que da título a la obra... Pero también Leer más...