viernes, 26 de diciembre de 2014

EL HOMBRE SEDIENTO de KOIKE & KOJIMA

EL HOMBRE SEDIENTO de Koike & Kojima, edita ECC ediciones comic manga caliente catador
ECC Ediciones, 2014.
264 páginas, 9,95 euros.

CALIÉNTAMELOS CON TUS PECHOS


Aunque no comento tantos como quisiera, mantengo un ojo puesto en los mangas ya que su narrativa sigue siendo tan vital como sorprendente. Ahora acaba de producirse otra agradable recuperación.


Sigo leyendo a los autores que sé que no me defraudarán, como Tezuka de quien continua publicándose el monumental Fénix y recientemente se editaba Alabaster, una personal interpretación del hombre invisible, interesante pero que no situaría entre sus mejores obras. O Kon, a quien han reeditado hace poco su maravilloso Regreso al mar, el primer manga que consiguió emocionarme y cuya escasa obra ahora se está recuperando. Hasta el momento no he vuelto a leerle nada tan bueno como su poética historia de la sirena. O Taniguchi, cuyo paseo por Venecia ya comenté en su día. También pruebo con otros creadores pero en muchos casos me desarma el sistema de producción nipón, que invita a los autores a facturar obras interminables, con argumentos que dan vueltas sobre la misma idea central hasta colmar mi paciencia. Todo muy bien contado, eso sí, pero estirado mucho más de lo tolerable.

Entre mi pequeño pero selecto grupo de maestros japoneses reservo un lugar muy especial para la pareja formada por el guionista Kazuo Koike y el dibujante Goseki Kojima, creadores, como ya sabrán, de Lobo solitario y su cachorro, un tebeo impresionante, emotivo y perfecto tanto argumental como gráficamente. Y que, además, se acaba. Pues bien, de estos dos creadores nos habían llegado otras series, en algunos casos tan interesantes como Asa el ejecutor pero ahora hacía una buena temporada que no teníamos noticias de ellos. No es de extrañar, ya que el dibujante murió en 2000 y Koike ronda los ochenta años. Sus tebeos alcanzaron su máxima popularidad en los años setenta, cuando consiguieron saltar a la tele convertidos en serie con personajes "reales". Aquí siempre nos han llegado con retraso pero no seré yo quien se queje.

EL HOMBRE SEDIENTO de Koike & Kojima, edita ECC ediciones comic manga erótico violencia
Ahora publican una nueva muestra de su creatividad, las aventuras de un catador real que no sólo se asegura de que no han envenenado a su señor sino que también frena a sus posibles asesinos y comprueba la calidad de sus mujeres. Esto último resulta especialmente llamativo aunque el componente erótico-festivo no es nuevo en el trabajo de Kojima y Koike. Al lado de generosas muestras de violencia, acostumbraban incluir secuencias subidas de tono que sin llegar a resultar tan explícitas como El imperio de los sentidos, sí que subían la temperatura de los relatos con una puesta en escena tan estudiada como turbadora.

Aquí vuelven a emplear el sexo como elemento sorpresa y en una de las primeras escenas, por ejemplo, vemos cómo el protagonista llega a un motel donde, para quitarse el frío de la calle, propone a su dueña que le caliente los pies frotándolos contra sus pechos. Ni ella ni el lector entienden tal comportamiento. Pero luego se descubre que el héroe es un personaje de ambigua sexualidad que provoca efectos perturbadores en todas las hembras que se le acercan. Con los hombres es simplemente letal. La cosa se convierte en una variante brutal del Castillo de Kafka, con el catador superando una y otra barrera y aparentemente sin conseguir llegar nunca a su destino. Cada episodio además, recibe el nombre de algún exótico plato que Mondo el catador se encarga de explicar en el transcurso de la acción. Todo muy raro y fascinante.
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viernes, 19 de diciembre de 2014

BEN HUR. INTEGRAL de MITTON, JUDÍOS CONTRA ROMANOS

Ben Hur Integral, de Jean Ives Mitton, edita Ponent Mon comic histórico / judíos y romanos / Navidad / Cristo / EL Mesías
Ponent Mon, 2014.
198 páginas, 38 euros.

¡GLORIA AL PRÍNCIPE JUDÁ BEN HUR!


Recientemente comentaba la recuperación de parte de la obra de Jean-Yves Mitton. Ahora se recopila uno de sus trabajos más recientes, su revisión del clásico de Lewis Wallace.


Aunque para muchos de nosotros es más bien el Ben Hur (1959) de Charlton Heston o el de William Wyler. Sin olvidar la película muda de Fred Niblo (1925), donde el director de la versión a color ya figuraba como ayudante. Wyler de alguna manera ha quedado oscurecido por el brillo de otros directores o quizás se le confunde con Billy Wilder porque suenan parecidos. Pero yo lo sitúo en mi panteón de los grandes, al lado de Ford y Hawks, muy por encima de Hitchcok, Preminger y compañía. Si creen que exagero revisen sus películas, entre las que se encuentran obras maestras como La calumnia (1961), Horizontes de grandeza (1958), Vacaciones en Roma (1953), Los mejores años de nuestra vida (1946), La señora Miniver (1942) o, por supuesto, Ben Hur, por citar sólo algunas. Nos hemos acostumbrado a ver tantas veces por la tele a Heston en la mítica carrera de cuádrigas que tendemos a olvidar la calidad de la construcción y la firmeza del lenguaje visual de esta obra inmortal de Wyler.

Ahora Mitton decide traducirlo a viñetas. Aunque expresa sus respetos por las adaptaciones cinematográficas y, como veremos, permanece bastante fiel a ellas, en la introducción comenta el impacto que le causó la lectura de la novela original, ese Cuento de Cristo que fue el subtítulo que el general Wallace dio a su obra. Reflexiona sobre la geografía del relato, una zona que continua siendo centro de diversos conflictos en la actualidad y sobre la dimensión divina que el novelista aportó a la historia. Mitton afirma: “Qué más da creer o no creer, si toda Aventura lleva al héroe hacia una redención. ¡Y qué redención!”. Entre sus intenciones cuenta recuperar la profundidad de la novela y la colosal puesta en escena del cine, “con las herramientas más modestas que ofrece el 9º Arte.” Su humildad le honra pero sus propósitos son muy ambiciosos y sin embargo consigue sobreponerse a todas las dificultades.

Ben Hur Integral, de Jean Ives Mitton, edita Ponent Mon comic histórico / judíos y romanos / Navidad / Cristo / EL Mesías
Compite con la grandiosidad del Hollywood más impactante, especialmente en dos secuencias que se cuentan entre lo más recordado del film: la de la batalla naval y la de la carrera de cuadrigas. Es imposible alcanzar la fuerza visual que se lograba al mostrar a todos aquellos tipos semidesnudos moviendo los remos al unísono, al compás de los sones de un Miklos Rosza en estado de gracia. Pero se puede intentar. Lo mismo ocurre con la dinámica y trepidante acción del circo romano y sus caballos al galope. Mitton responde al desafío con sus mejores armas. Grandes perspectivas, unos personajes llenos de vida y vigor, una ambientación cuidadosa y unos perfectos acabados. Ningún detalle es dejado al azar en su batalla para alcanzar la épica que todos asociamos con esta tremenda historia.

Los álbumes siguen el relato tal y como lo recordamos casi punto por punto. De forma muy inteligente lo que hace es ampliar algunas de las secuencias, habitualmente las más dialogadas, para añadir determinados matices y desarrollar temas que en el film sólo quedaban apuntados. El más obvio es el de la lucha del pueblo judío contra Roma y su relación con la llegada del Mesías. Pero hay otros como el de los sentimientos del protagonista, a los que presta una atención especial. Vemos cómo salta del odio ciego hacia el imperio a otras posiciones, en una transformación en la que, por supuesto, la figura de Cristo adquiere una especial relevancia. No olvidemos que éste es un auténtico cuento de Navidad. Se inicia con los Reyes Magos asistiendo al nacimiento de Jesús. Y concluye con su crucifixión. Por el camino Ben Hur y el nazareno llegan a cruzarse en algunas ocasiones que revestirán una gran importancia para el príncipe judío. La carnalidad que caracteriza al dibujante aparece de forma muy contenida en este trabajo, aunque llama la atención la escena en que Ben Hur y Esther se abrazan, de una intensidad poco común.

En fin, si les gustó la película disfrutarán con esta adaptación, una nueva muestra del talento de un autor que, como ya he comentado, es mucho más complejo de lo que parece.
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viernes, 12 de diciembre de 2014

CLÁSICO RECUPERADO: DAN DARE, PILOTO DEL FUTURO de HAMPSON

Dan Dare Piloto del Futuro de Frank Hampson, edita 001 ediciones - cómic ciencia ficción, aliens,
001 Ediciones. 2014.
88 páginas, 19,50 euros.

¡EL FUTURO YA ESTÁ AQUÍ!


Un clásico de los 50 recuperado de forma inesperada. La edición en español de la saga inglesa de ciencia ficción Dan Dare es una de las mejores noticias del año.


Aunque ha conocido varias ediciones en los países anglosajones, nunca pensé que lo vería traducido. Se trata de uno de esos tebeos míticos que muchos autores actuales citan como una de sus grandes referencias. Lamentablemente, su visualización cambia mucho en cada nueva publicación. Piensen que la revista Eagle, donde la serie actuaba como portada, tenía un formato similar al de un periódico, así que cuando se presenta como álbum las planchas nos llegan a la mitad del tamaño original. En ese sentido la edición de Hawks Books de los noventa sigue siendo la mejor, ya que mantenía el tamaño inicial. La versión española, en cambio, adopta las características de una edición posterior, la de Titan Books. Es más pequeña y la reproducción del color no resulta tan precisa, muchas zonas parecen quemadas y el registro de tonos es mejorable a menudo. Hasta aquí las quejas.

El resto es puro disfrute. Recuerden que la serie es un raro, breve e intenso tesoro. Aparece en 1950 con la nueva revista Eagle y la firma Frank Hampson, un autor detallista y preciso que consigue realmente que viajemos con él y sus personajes a Venus, donde nos enfrentaremos a peligros sin fin, empezando por el Mekong, un irresistible villano verde y cabezón. Para mantener los niveles de calidad que él mismo se había impuesto Hampson puso en marcha un estudio donde varios dibujantes le ayudaban a culminar el trabajo. Cuando a finales de la década la revista cambió de manos a los nuevos dueños no les gustó el sistema del creador de Dare. Así que lo presionaron hasta conseguir su salida de la serie. Fue sustituido por otro Frank, Bellamy, pero esa es ya otra historia. Hampson apenas dibujó otros tebeos, excepto una vida de Cristo que realizó con su intensidad habitual titulada Road of Courage. Muchos años más tarde recibió un homenaje en  . Pero sus lectores no lo olvidaban.

Dan Dare Piloto del Futuro de Frank Hampson, edita 001 ediciones, comic ciencia ficción aliens
Hay que pensar en las fechas, un momento milagroso en el que estaban naciendo algunas historietas que marcarían la evolución de la ciencia-ficción casi hasta nuestros días. Y que señalarían el salto de los cohetes tipo proyectil, como el que todavía encontramos al inicio de Dare, a toda una nueva generación de artefactos más sofisticados y decididamente modernos. Wood daba sus primeros pasos en el género en Avon y luego en la EC, Dan Barry remozaba Flash Gordon tras hacerse cargo de la serie en 1951, Hergé publicaba Objetivo la Luna en 1953, Jordan presentaba a Jeff Hawke en 1955… En medio de esa corriente de creatividad, Dan Dare aparecía como un producto tan avanzado como espectacular.

Leído hoy sus trepidantes andanzas lo emparentan con el mejor Gordon, aunque sus fondos y cachivaches están mucho más cuidados y son más creíbles que los que rodean al primo americano. También marcan las distancias su color y el increíble detalle de los rayados y la precisa volumetría de Hampson. Hay un aspecto más que debo subrayar: su envidiable optimismo. Dare todavía cree en el hombre y su capacidad de mejorar y sobreponerse a las circunstancias. Su enemigo es un bicho entregado a la ciencia y sin capacidad para la compasión. Aunque cabe una lectura ideológica del argumento, ya que la iglesia estaba detrás de la publicación y nunca ocultó su voluntad de educar a los lectores más jóvenes y de transmitirles enseñanzas positivas, nada de todo eso salta a un primer plano. Lo que prima es la acción y la imaginación, que se desborda por selvas y situaciones, aliens y amenazas intergalácticas sin dar tregua al afortunado que se sumerja en la lectura de esta saga. Imprescindible.

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viernes, 5 de diciembre de 2014

CHISTES ACTUALIDAD DE FONTDEVILA "EN EL LADO BUENO DE LA VALLA"

Manel Fontdevila, En el lado bueno de la valla, España en 100 viñetas, edita Rocaeditorial
Rocaeditorial, 2014.
106 páginas, 9,90 euros.

¿CRISIS?¿QUÉ CRISIS?

Un nuevo recopilatorio de Fontdevila que agrupa chistes sobre temas de actualidad como el paro, el rescate bancario, la corrupción, la justicia, los emigrantes…


Recientemente el autor presentaba una exposición en el marco del pasado Comic Nostrum en Palma. También participó en una charla donde explicó los motivos de su salida de El Jueves y cómo se estaba reinventando con la puesta en marcha de una nueva publicación digital.

Lo cierto es que la vida de muchos dibujantes de humor desde la transición ha sido más bien azarosa. No hace falta remontarse a los tiempos de la bomba en El Papus, basta con pensar en los sueldos de quienes no tienen la suerte de colaborar con periódicos nacionales. E incluso estos últimos ven cómo en ocasiones un nuevo director considera que su trabajo ya no está en la onda y son despedidos sin contemplaciones, como contaba Romeu en su autobiografía. El Jueves, que era la publicación más sólida, hace ya años que está lejos de las tiradas que alcanzó en sus mejores momentos, cuando se leía en los cuarteles y los colegios mayores y antes de la aparición de Internet y otras distracciones digitales. La crisis del papel ha golpeado a los humoristas gráficos que sobreviven como pueden en la red. Y, como buenos payasos, deben entretener y conectar con su público.

Manel Fontdevila, En el lado bueno de la valla, España en 100 viñetas, edita Rocaeditorial, chistes, actualidad, humor
En tiempos de apuros económicos es lógico y hasta deseable que alguien observe las desgracias ajenas y extraiga de ellas material para sus bromas. Reírse siempre es reírse de alguien, como recordaba Johnson en su libro sobre el humor. Por eso conectaba la decadencia del género con el triunfo de lo políticamente correcto. Años atrás no era raro escuchar chistes sobre pobres sudafricanos, sufridas esposas o avaros catalanes. Ahora todos ellos son víctimas y como tales intocables. Así que lo que nos queda es un terreno muy reducido y escasamente estimulante. Somos unas aburridas mejores personas. Ya he comentado con anterioridad que algunos autores como El Roto consiguen hacer humor a base de consignas pero en pocos casos más la ideología casa bien con las bromas. Ni con el talento. He oído a más de un dibujante repetir eso de que han vuelto al estereotipo del banquero con chistera porque, aunque suene a viejo, es muy actual. Y afirmar que los eslóganes revolucionarios son lo que necesitamos para resolver los problemas en que nos ha metido la crisis.

Fontdevila está en esa onda y pone toda su destreza gráfica, que no es poca, al servicio de la causa. Personalmente, aprecio mucho cuando construye verdaderos personajes a partir de los infames protagonistas de la actualidad. Sus caricaturas de los diversos políticos son excelentes y al aire agitanado que le da a Bárcenas es tronchante. La serie dedicada a la justicia es especialmente afortunada y el chiste del banquero con el juez frotándose contra su pierna cual perro en celo es una gran ocurrencia. Pero en general dibuja muchos gags en los que pesa más el discurso que su verdadera tarea: hacernos reír, entretenernos. Porque ese y no otro es su trabajo. Además, como nos recuerda una de sus páginas, parece muy consciente de que tanta indignación apenas se traduce en hechos. Un tipo muy cabreado propone “incendiar las redes sociales” y demostrar que ciertas ideas son intolerables. Su mujer le pregunta “¿demostrar a quién?” y él responde que “a ellos”. Ella opina que les va a dar lo mismo. Así que él cambia “a nosotros” y ella le replica “ya lo sabemos ¿no?”. A esto sigue una viñeta muda. En eso se ha convertido el humor: un intercambio de frases hechas, una liturgia que ni afecta a “los otros”, ni ayuda “a los nuestros”.

Al menos cuando Fontdevila se entrega a la crítica salvaje de la actualidad puede llegar a ser gracioso, peor es cuando se pone a dar lecciones sobre cómo superar la crisis, nos explica qué es y no es una democracia o predica las bondades de lo público. Si aún queda algún anarquista suelto, que repita conmigo: el estado no es la solución, ¡es el problema, idiotas!
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viernes, 28 de noviembre de 2014

COMIC HISTÓRICO: VAE VICTIS! de ROCCA y MILTON


Vae Victis! de Simon Rocca y Jean Yves Mitton, edita Yermo Ediciones, comic histórico conquista de las Galias
Yermo Ediciones, 2014. 
144 páginas, 34 euros.

UNA AVENTURA BRUTAL Y DESENFRENADA


Los aficionados al comic recordarán a Jean–Yves Mitton por su apasionante Quetzalcoatl. Ahora vuelve participando en otras dos series de carácter histórico.


Glenat España cerró y no pudimos disfrutar de la conclusión de su saga mexicana. Una pena porque estábamos enganchados a las aventuras de Cortés y la Malinche y tras seis tomos ya esperábamos comprobar cómo iba a cerrar el relato. Ahora quién sabe cuándo se rescatarán los derechos que permitan finalizar esa edición. En todo caso aquellos álbumes nos permitieron conocer a un creador poderoso que se escondía tras una superficie popular y aparentemente vulgar. Le gusta incluir buenas dosis de violencia y sexo para salpimentar sus historias y su dibujo es directo y poco dado a las florituras. Pero su narrativa nunca falla, las actuaciones de sus personajes son correctas y sus escenas de acción trepidantes. En el terreno argumental combina muy bien los grandes sucesos históricos con los pequeños dramas personales, con un ritmo endiablado y asegurándose siempre de que el lector no se va a aburrir con disertaciones pedantes ni datos innecesarios.

Vae Victis! de Simon Rocca y Jean Yves Mitton, edita Yermo Ediciones comic sobre la conquista de las Galias
Como otros compañeros de generación Mitton participa de un cierto revisionismo de los modelos clásicos. Ya no hay sentimentalismos ni en las relaciones amorosas ni en los conflictos. Así que nos saltamos los besitos y su lugar es ocupado por mamadas y enérgicos polvos. Y al enemigo no se le aturde con el mango de la espada si no que se le descuartiza directamente, o cosas peores. Pero así como ese realismo en el caso de guionistas como Cothias o Dufaux nos sitúa en una tierra de nadie moral, un espacio árido en el que “to er mundo e malo”, no ocurre lo mismo con Mitton. Sus villanos son salvajes y decadentes pero sus buenos no se degradan a su nivel. El naturalismo no le lleva al relativismo moral. Lo que nos permite seguir disfrutando con las victorias de los héroes, aunque estos ya no sean tan modositos como los de tebeos anteriores.

Además, Mitton es un creador prolífico, que ha colaborado como guionista, dibujante o ambos en incontables series, así que apenas empezamos a asomarnos a sus mundos creativos. Siempre dentro del área de la reconstrucción histórica, con las dificultades de documentación que ello conlleva. No se piensen que se limita a un momento o lugar concretos. Si Quetzalcoatl describía la América anterior a la Conquista, en Vae Victis!, serie de la que ya se han publicado tres integrales, sitúa su acción en plena Guerra de las Galias, con Julio Cesar como secundario de lujo. Aquí sólo dibuja y el guión corre a cargo de Simon Rocca, pero Mitton impone su presencia animando con su fiero dibujo un relato lleno de traiciones y matanzas.

Los supervivientes del Atlántico de Mitton, comic histórico en la época de Napoleón
Mucho más entretenidos resultan Los supervivientes del Atlántico, una saga que escribe y dibuja… en el primer Integral. En el segundo deja los lápices en manos de Felix Molinari, que no tiene tanta gracia como él pero mejora notablemente de un álbum al siguiente. Da igual: ésta es la serie de piratas definitiva, con Napoleón entrando y saliendo en la vida del protagonista, un cartógrafo que va a vivir más aventuras de las que desearía y la Revolución Francesa y el esclavismo como partes del escenario. Viene cargada de maravillosas batallas navales y despiadadas secuencias en las que tan pronto le cortan la mano al prota como lo tiran por borda acompañado por su padre y en pelotas, para que se los zampen los tiburones. A Mitton le gusta el trazo grueso y las canciones tabernarias, no las sutilezas ni el andarse por las ramas, así que su narración no es que avance, ¡es que vuela!

Insisto y concluyo, a pesar de su apariencia fácil y hasta vulgar, Mitton es uno de los grandes. Ha realizado una obra inmensa y desde aquí agradezco a la editorial que nos permita descubrirla, al menos en parte. Porque hay mucho más: vikingos, Atila, Ben-Hur… échenle un vistazo y les aseguro que no les defraudará.

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viernes, 21 de noviembre de 2014

BIOGRAFÍA DE VELÁZQUEZ: LAS MENINAS de GARCÍA & OLIVARES

Biografía de Velázquez cómic Las Meninas de Javier Olivares y Santiago García, edita Astiberri.
Astiberri. 2014.
188 páginas, 18 euros

MENINAS Y ESPEJOS


Javier Olivares y Santiago García firman una curiosa biografía de Velázquez en la que se mezclan diferentes momentos vitales del artista con las reacciones que provocó en artistas posteriores y unas cuantas cosas más.


Respecto al dibujo, cualquiera que conozca a Olivares sabe ya a qué atenerse. Lleva muchos años entrando y saliendo del mundo del cómic, que alterna con trabajos de ilustración sin duda mejor remunerados. Sus formas se inspiran en el cubismo y otras vanguardias y de ellos toma un trazo veloz y geométrico, que gusta de las cadencias rítmicas y los claroscuros. Oscila entre la ligereza de la animación a lo Hanna-Barbera y la crueldad del expresionismo más alemán. Resumiendo, Olivares es un dibujante cuidadoso y que apenas deja nada al azar, su estilo podrá gustar o no, pero no es despreciable.

En los pasajes más salvajes, por ejemplo en los encuentros de Velázquez con Ribera, donde predominan unas amenazadoras masas negras, se muestra especialmente afortunado. Quizás la gestualidad de los personajes tiende a resultar un tanto fría, distante, pero es lo peor que se me ocurre sobre un trabajo lleno de aciertos. Su dibujo, muy alejado del realismo de Velázquez, consigue un contraste interesante y que de alguna manera conviene al relato.

Si se asume el riesgo de hablar de un pintor barroco desde una terminología visual contemporánea, el guión también se zambulle en zonas peligrosas. Emplea un recurso que al final resulta efectivo, por querer aproximar al pintor a la actualidad. Se acumulan las diferentes visiones que sobre Velázquez mantuvieron artistas tan diversos como Buero Vallejo, Picasso o Dalí. Algunas son más afortunadas que otras y en mi caso toparme con Foucault casi al principio por poco me hace interrumpir la lectura. Repasé mi vieja edición de Las palabras y las cosas y, efectivamente, era tan indigesto como lo recordaba. Afortunadamente el guionista domina su tendencia al esnobismo y el texto acaba resultando muy interesante y, por momentos, apasionante.

Las Meninas de Javier Olivares y Santiago García. comic biografía Velázquez historia
En la bibliografía final se cita el clásico tratado de Jonathan Brown y su presencia se nota en la excusa que guía la narración, ese funcionario que repasa la vida del sevillano para certificar si es digno de los honores que reclama. Esa voluntad de prestigio social conecta con una segunda clave, la relación del artista con la pintura, con la profesión de pintor. Este, que es un problema antiguo en las artes visuales, siempre despreciadas en comparación con la literatura, está muy bien explicado aquí. La muy inteligente aproximación a la pintura del maestro que se nos ofrece está muy vinculada a este asunto. Por un lado se nos dice que lo que hace Velázquez no es pintar y por otro se insiste en su reflexión y en su lentitud, en lo medido de sus gestos, en sus disquisiciones sobre el acto de ver, de representar, de la pintura como reflejo o como narración…

En realidad tengo la sensación de que al final los autores caen en la misma trampa de Velázquez. Es tal su voluntad de demostrar que el comic puede ser un medio reflexivo y capaz de abordar los asuntos más sesudos, que quedan presos de sus propias contradicciones y construyen un tebeo muy inteligente pero también un tanto frío, en el que las ideas e incluso las formas tienden a la abstracción y a despegarse de un conjunto rico en conceptos y lleno de dibujos bonitos, pero con más cerebro que corazón. Las ya citadas escenas con Ribera son excelentes, se nos cuentan muchos datos interesantes sobre el pintor, sus relaciones amorosas en Italia están bien narradas, también su amistad con Rubens y sus disputas con el rey. No me extraña que haya quien lo mencione como firme candidato al Premio Nacional de Comic. Aunque creo que de recibirlo estaríamos ante un caso similar al de Zapico. En su caso pienso que contó que hablase de Joyce, un escritor sacralizado por la crítica. Aquí el comic se postraría ante un dios de la pintura.

Pero, repito, el tebeo tiene bastantes virtudes y es una excusa tan buena como cualquier otra para acercarse a Velázquez y su pintura y eso siempre es bueno. Al acabar, pueden releer el poema de Unamuno que es una de las grandes citas que echo en falta. Lo podían haber cambiado por lo de Foucault
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viernes, 14 de noviembre de 2014

NOVELA GRÁFICA: EL FUNERAL DE JOHN MORTONSON de TATÚM

El funeral de John Mortonson de Tatúm, edita Edicions de Ponent, comic nostrum 2014 Premio Ciutat de Palma
Edicions de Ponent. 2014.

LO BUENO SI BREVE...


Una de las razones por las que me molestan las novelas gráficas es su longitud. Un pestiño corto es llevadero pero cuando se prolonga más allá de las doscientas páginas se hace insoportable.


No ocurre así en el caso que nos ocupa, el tercer premio Ciudad de Palma de Comic que, como sabrán, se ha presentado antes del segundo. Durante el pasado Comic Nostrum se anunció la próxima publicación de este último, dicen que para antes de que acabe el año. Parece ser que ciertas desavenencias entre guionista y dibujante han propiciado tanto retraso. Tatúm, que firma el conjunto de adaptaciones con las que ganó esa tercera edición del premio, no tenía esos problemas. Su guionista está muerto, una desaparición que Fuentes noveló en su pesadísima Gringo Viejo y que luego saltó al cine en una película algo mejor pero tampoco especialmente memorable. Eso sí, Gregory Peck, como siempre, cumplía haciendo de Ambrose Bierce. Y es que este volumen agrupa un conjunto de relatos breves del clásico novelista americano, adaptados al comic con fuerza y humor por Tatúm. Este dibujante argentino forma parte del paisaje comiquero de las islas desde los ochenta, cuando comenzó a colaborar con varios periódicos locales y algunas revistas nacionales. Yo siempre cito la historieta de la gorda que apareció en Cairo pero sus revisiones salvajes de Phantom también eran memorables. Luego se dedicó a otros menesteres mejor remunerados hasta que la crisis lo ha devuelto a las viñetas.

El funeral de John Mortonson de Tatúm, edita Edicions de Ponent - comic Mallorca Festival Comic Nostrum
Tatúm mantiene algunos rasgos de los ochenta, sobre todo en el dibujo, una fiereza y una espontaneidad que nos indican que en él prima siempre lo narrativo frente a lo decorativo. Sus personajes tienen los dientes apretados y la mirada fija y su trazo es tan seguro como torpe su estructura de dibujo. Tatúm no sabe dibujar ni falta que le hace. Tiene cosas que contar y urgencia de hacerlo así que no se anda con florituras. El color aporta unidad y coherencia a un álbum tan veloz como eficaz. Su arte se ajusta muy bien a los textos que le sirven de base. Tan sólo en un caso siento que otro estilo habría convenido más. Curiosamente, es el que da título al libro. Todos los cuentos comparten una característica: son de miedo pero también de humor. Y el del funeral es quizás el único básicamente de horror, sin mayores bromas. Así que la farsa la ponen los coros de Tatúm, con sus reacciones histéricas y sus movimientos acompasados. Pero la médula de la historia y su final son de puro terror. Y así como todos los episodios nos hacen volver a los setenta, a las revistas de miedo de Warren, éste además nos los imaginamos dibujado por Wrighston, Heath, Severin o Corben, con algo más de realismo y chicha terrorífica.

Pero como ya digo es el único caso. El resto funcionan como la seda ya que, como indica Pere Joan en el excelente prólogo, el “maridaje” entre el estilo de Tatúm y la ironía de Bierce es perfecto. El humor negro del primer relato o de la titulada “Padre e hijo” es ingenioso y brutal. Y aunque me gusta en general la brevedad de todas las historias, “Parker Adderson filósofo”, la más larga, está muy bien contada y mantiene el ritmo hasta su adecuado final. Es un trabajo muy recomendable.

Carte Blanche - Comic en Es Baluard Mallorca arte
Si este nuevo Ciudad de Palma está a la altura del primero, lo mismo puede decirse de las renovadas jornadas Comic Nostrum, que mantienen la calidad apuntada desde que iniciaran su renovación hace dos años. El salto al Baluard les ha sentado muy bien y las intervenciones en las distintas salas fueron justamente comentadas. Por tamaño y simpatía yo me quedaría con la de Seguí, que la dirección del museo debería plantearse mantener, ya que mejora y mucho la pieza original. También quiero citar la de Alex Fito, de un minimalismo tan narrativo como eficaz. Y lo de Ata, una broma a costa de Picasso que realmente tenía mucha gracia. Se prestó una especial atención a diversas creadoras locales, como Catalina Rigo, que se puso al frente de los bocetos urbanos, Marta Alonso Berná que presentó su perrito de mierda o Marga Vinyes con su adaptación de Maria de Coanegra. Aunque el verdadero factor femenino, que diferencia a este Salón de la mayoría, es que su director ejecutivo no es Seguí, que como dibujante y premio nacional da la cara ante los medios. La que realmente organiza, distribuye, ordena y manda y además muy bien es su mujer Sonia Delgado. Ha puesto a todo el Cluster a trabajar y lo ha hecho con decisión y firmeza. No le gusta perder el tiempo con tonterías y eso se agradece y se nota en los resultados. Espero que siga al frente del evento unos cuantos años más.
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viernes, 7 de noviembre de 2014

HOMENAJE A STAN SAKAI Y SU FAMOSO SAMURAI USAGI YOJIMBO

El proyecto Sakai - Planeta DeAgostini - libro homenaje al samurai Usagi Yojimbo
El proyecto Sakai
Planeta DeAgostini, 2014.
160 páginas, 25 euros.

UN PAR DE HÉROES


Recientemente se ha publicado la versión en español del libro-homenaje a Stan Sakai y su famoso personaje Usagi Yojimbo, el conejo samurai.


El libro es de obligada compra para todo aficionado al comic. No sólo porque lo supongo lector de Sakai, uno de los creadores más interesantes de las últimas décadas, también por las razones humanitarias que originan este proyecto.

Hace años que invitamos a Sakai al Salón de Gijón y es raro que él se mueva sin su mujer, Sharon. Así que en las dos ocasiones en que estuvo con nosotros en Asturias, tuvimos el placer de disfrutar de la compañía de ambos. Los Sakai son tan encantadores como discretos, siempre pendientes uno del otro y, en el caso de Stan, procurando que todos los aficionados disfrutaran de su presencia. Era generoso con sus dibujos y dedicatorias y estaba claramente enamorado de la mujer con la que llevaba toda la vida casado, son una de esas parejas que devolverían a los más cínicos la fe en el matrimonio.

El caso es que hace años que la desgracia se ceba con los Sakai. Como explica con naturalidad Mark Evanier en la introducción, Sharon padece un cáncer contra el que lucha en una batalla que Stan ha ido explicando a través de las redes sociales. Y no ha sido la única fatalidad de la familia. Aunque el dibujante tenía un seguro médico, los gastos de hospitalización de su mujer son enormes. Y ahí es donde entra en juego la profesión. Stan tiene tantos amigos como gente conoce, ya que su presencia es un verdadero bálsamo, transmite serenidad y buen rollo.
Así que un ejército de profesionales comenzaron a enviarle dibujos que homenajeaban a su héroe samurai, que además cumplía tres décadas en activo. La intención era subastarlos para obtener fondos, pero luego convencieron al editor de Sakai, Mike Richardson, el jefe de Dark Horse, para que los publicara en un libro cuyos beneficios permitieran a Sharon vivir un poco mejor. Y así fue. Ahora ha sido editado en español y quiero creer que una parte de su precio llegará hasta los Sakai y eso será bueno.

El proyecto Sakai - Ilustración de Dave Gibbons - edita Planeta DeAgostini - libro homenaje al samurai Usagi Yojimbo
Por supuesto, puede disfrutarse del volumen sin necesidad de entenderlo como la obra de caridad que es, simplemente apreciando las variadas y muy atractivas interpretaciones que artistas de los más alejados lugares del mundo han hecho de Usagi.

Empezando por el malloquín Pau, que como yo tuvo el honor de conocer a Stan en Gijón. Se cuenta entre el reducido grupo de españoles que participan, como Guarnido o Bernet. La selección incluye hasta un dibujo de Matt Groening, el conocido creador de los Simpsons. Al final, son los autores más populares los que firman las versiones más interesantes, las más sencillas y gráficas. Pienso en Michael Golden, Charlie Adlard, Arthur Adams, Craig Thompson, Tim Sale, Chris Samnee, Adam Hughes, Walter Simonson, William Stout, Paul Gulacy, Dave Gibbons, Mike Mignola y un muy divertido Darwyn Cooke. Aunque es de justicia citar las bonitas ilustraciones de Tom Mandrake, Mohamed Ariff, Nick Brandshaw, The Mico, Alex Maleev, Julien Nido, Rafael Albuquerque, Troy Little o Darko Macan, que factura una historieta deliciosa y que expresa lo que muchos sentimos sobre Stan y su obra. También encontrarán dibujos de Corben, Neal Adams o Jack Davis entre otros muchos. No se lo pierdan.
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viernes, 31 de octubre de 2014

FANTASÍA Y HORROR: EXTRAÑOS de J. SÁEZ CASTÁN

Extraños de Javier Sáez Castán, edita Sexto Piso - horror fantasía
Editorial Sexto piso. Madrid 2014
48 páginas, 24 euros


¡POR TODOS LOS SANTOS!



El género de fantasía y horror atraviesa un gran momento. A las numerosas sagas de ciencia ficción se suman diversas reinterpretaciones terroríficas, algunas tan blanditas como las derivadas de Crepúsculo y otras realmente estimulantes.


Recientemente releía el Vengadores-Blade de Millar y Dillon. Aunque es una serie más bien mediocre, contiene un gran chiste, cuando se mofa de la saga vampírica. Se pregunta qué hace un vejestorio de más de cien años aguantando las bobaditas de una adolescente. Ella le dice “mírame” y él pregunta “¿intensamente?” cuando aparece Blade declarando que “os odio desde vuestro primer maldito tráiler”. Y poco más.

Tampoco tiene mucho interés la última colaboración entre Corben y Mignola, aunque el dibujante casi consigue que cualquier guión parezca mejor en sus manos, hasta este delirio mejicano lleno de demonios y luchadores. El Hellboy de Mignola no acaba de ser malo, pero tampoco bueno. Supongo que seguirán con Los muertos vivientes, que ha pasado por unos episodios realmente tremendos y que se mantiene en una gran forma. Hasta nuevo aviso, sigue siendo la única serie de zombis que merece la pena, rechacen las imitaciones.

Pero hoy quería hablar de un producto español, un material tan extraño como su título indica y que nos devuelve a los años en que el concepto de lo popular no nos era ajeno. Mi buen amigo Faustino Rodríguez sostiene la teoría de que los géneros son los que crean afición, al menos en el cine. Que son películas como Ultimátum a la Tierra, Río Bravo, El halcón y la flecha o Rocky los que atraen multitudes a las salas. Exactamente el tipo de películas que tradicionalmente la crítica ha despreciado. Años después las recuperan en ciclos sobre cineastas malditos o cine bizarro, intentando olvidar quién los convirtió en malditos y que el auténtico cine basura es el que acostumbran a ensalzar. Aquí tuvimos en su momento cierto cine de género y ahora se ha producido una tímida recuperación en el ámbito del terror.

Extraños de Javier Sáez Castán, edita Sexto Piso - horror fantasía
Lo que ofrece Javier Sáez, un autor reconocido en el campo de la ilustración infantil pero un principiante en el cómic, es una curiosa relectura de ciertos mitos clásicos, con mucha ironía y no poco humor. Escribe y dibuja tres episodios, casi como una sesión continua, dedicando el primero a una variante de King-Kong convertido en babosa gigante y rosa, el segundo a un gusano que tras un cambio de look se transforma en el monstruo del lago y el tercero, para no perder de vista el agua, a una criatura de la laguna negra, que es un realidad un alien no del todo malvado. Presenta todos los sketches un sonriente Vincent Price, como debe ser.

El álbum presume de formato grande, lo cual es un rasgo de valor. Recuerdo cómo se lamentaba Pere Joan de las molestias que le había ocasionado Azul y ceniza, con un tamaño aún más grande. Pocos libreros le encontraban hueco en sus estandarizadas estanterías y eso afectaba de forma notable a su distribución.

Así que cuando veo que algún kamikaze se salta los Dines, no puedo dejar de aplaudir su osadía. La siguiente rareza la señala el color, resuelto con negro más un tono plano, que va cambiando de un episodio a otro. La gama encaja con la estética pulp que parodia el autor: rosas, azules, verdes… Todos ellos desteñidos y de aspecto usado, como las imágenes de referencia que fusila sin reparos. Estamos en un mundo familiar y esos préstamos forman parte de su encanto. En fin, Extraños no es el tebeo del año ni falta que le hace. Tiene una gran portada y se lee con simpatía. Su humor es inocente y agradable como el papel sobre el que está impreso. ¡Y viene con sorpresa al final!
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viernes, 24 de octubre de 2014

JORNADAS DE COMIC NOSTRUM 2014

Comic Nostrum 21-26 de octubre Palma de Mallorca 2014. arte ilustración masterclass

LEY DE VIDA


El pasado martes 21 de octubre se inauguraban oficialmente las jornadas Comic Nostrum 2014


Este fin de semana los aficionados podrán disfrutar en Palma de incontables actividades comiqueras.

Se mantiene el esquema del año pasado, que pareció satisfacer a todo el mundo. Por un lado algunos eventos más profesionales, incluyendo encuentros con editores a quienes presentar proyectos y master-class en las que aprender viendo trabajar a otros autores.

Por el otro, los clásicos de todo Salón del Cómic, como son exposiciones, charlas, sesiones de firmas y búsqueda de ese tebeo que aún no hemos conseguido encontrar.


Esta semana Oscar Vargas ha impartido un seminario sobre diseño de personajes, con lo que las jornadas mantienen esa puerta abierta hacia otros medios tan cercanos al comic, especialmente la animación y los videojuegos.
Además, ayer miércoles Tatúm, que firma el cartel de esta edición, presentaba la novela gráfica con la que ganó el pasado Premio Ciudad de Palma de Comic. Ya se han inaugurado varias exposiciones: Mar de Fons, que puede verse en la Misericordia, y las de Seele y Muñoz en el Baluard.

Ayer a las ocho de la tarde se abría en Ses Voltes las dedicadas a Prado y a Fontdevila. La gran novedad de este año es que, aunque se mantiene activa la colaboración con el Ayuntamiento, las actividades se concentran de forma casi exclusiva en el Baluard. Así que si no sabe qué hacer con los niños este fin de semana le sugiero que se acerque por allí porque se anuncian diferentes acciones que pueden entretener a los más pequeños.

Exposición José Muñoz en Es Baluard Palma de Mallorca 2014
En cuanto a los invitados, se cuenta con una estrellona, José Muñoz, el talentoso dibujante argentino que confesó haber creado a su personaje más popular (con el guionista Sampayo) durante unas vacaciones ¡en Palma!
Ahora vuelve al lugar del parto de Alack Sinner.

Le acompañan un casi desconocido por aquí, Herr Seele, de quien se acaba de publicar un enorme tocho con su personaje Cowboy Henk; Miguelanxo Prado, director del Salón de La Coruña y dibujante de prestigio, Manel Fontdevila, humorista con muchas cosas que explicar tras su polémica salida del Jueves y Oscar Vargas. Prado estará el sábado en una mesa con Max y Seguí y como todos ellos han conseguido el Nacional de Cómic, la han titulado con justicia e ingenio Los tres tenores. A todos ellos hay que añadir la abundante nómina de talentos locales y algún amigo más como El Tomi, que fue invitado el año pasado y éste ha querido repetir como turista.

Mención aparte para dos actividades curiosas. Por un lado el miniconcierto que tuvo lugar anteayer, una actuación del grupo Cap de Turc acompañados por Max “al dibujo”, todos en directo. Una buena muestra de que la suma de medios genera productos siempre interesantes.

Por el otro una intervención de varios artistas locales en el Baluard. Estas acciones, que movilizan al público y son beneficiosas para todos, no deberían de mantenerse en el apartado de “por-la-cara”, pero así están las cosas. En todo caso, con unos cuantos dibujos en la pared los comiqueros han conseguido animar un entorno museístico normalmente más soso, lo cual es todo un logro y una buena idea que sin duda otros imitarán. Y siguen creciendo.

Desaparece el Salón Internacional del Cómic del Principado de Asturias
Mientras Salones como el de Palma reverdecen gracias al esfuerzo de los propios profesionales del medio, impelidos por la crisis a reinventarse y excitar el interés público hacia su actividad, otros desaparecen. Hace años que colaboro con el Salón de Gijón, dirigido por Faustino Rodríguez Arbesú. Recientemente anunciaba su finalización y algunos se han apurado a clamar contra los recortes, al tiempo que reconocían el prestigio del ahora desaparecido Salón. Conociendo a Faustino, yo no me apresuraría a enterrarlo.

Como testigo de primera mano, permítanme algunas anotaciones. Para empezar, recordar que nuestra selección de premios e invitados siempre se mantuvo al margen de editores, críticos, estudiosos y camarillas varias.

Pagamos esa independencia muy cara ya que mermaba el supuesto prestigio del grupito que organiza el resto de salones españoles. Ellos defendían sus criterios y pensamos que nosotros teníamos todo el derecho del mundo a mantener los nuestros. Nos equivocamos. Así que algunos de los hipócritas que ahora se apenan por la defunción del Salón son los mismos que antes nos insultaban en todo medio local o nacional dispuesto a reproducir sus diatribas. Además, nunca creímos que el público tuviera derecho a todo ni que las dedicatorias y los dibujitos fueran un aspecto importante, así que nos granjeamos la animadversión de no pocos “aficionados”. No fuimos, precisamente, los reyes de las redes sociales.

Premios Haxtur - Salón del cómic del Principado de Asturias
En resumen: el Salón de Gijón desaparece esencialmente por no estar vinculado a ningún partido, ni practicar el populismo barato, ni tener padrinos, ni leches. Éramos el enemigo del pueblo y al mismo tiempo no comulgábamos con los gustos de la élite. Fuimos demasiado libres y demasiado arrogantes. Si a estas alturas todavía alguien se cree que ha habido una competencia justa entre el Salón de Gijón frente a otros eventos asturianos o españoles, le sugiero que compare gastos y apoyos políticos antes de juzgar. Me gustaría ver lo que otros hubieran hecho con las ridículas cantidades, cada año más reducidas, con las que Faustino sacaba adelante el evento. Simplemente: si no eres amigo de mis amigos no cobras, no existes y eso es todo. Por ahora.
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viernes, 17 de octubre de 2014

¡TARZÁN BUNDOLO! EL HOMBRE-MONO REGRESA

Dos versiones clásicas de Tarzán han coincidido en las librerías. Por un lado el portugués Manuel Caldas (Portugal, 2014, 80 páginas 18.50 €) presenta una nueva edición de las tiras de prensa de Manning y por el otro Yermo Ediciones (2014, 200 páginas 26€)nos permite asomarnos casi por vez primera al mítico Tarzán de Kubert.


Tarzán de Edgar Rice Burrough con dibujos de Joe Kubert, edita Yermo Ediciones
De la obra de Manning contábamos con buenas aproximaciones anteriores, cuadernillos que reproducían con dignidad el soberbio trabajo del dibujante americano. En cambio del Tarzán que Kubert facturó para la editorial DC y que se cuenta entre los comics más interesantes de los setenta, apenas conocíamos la edición de Novaro, fragmentaria y de difícil acceso. Así que su publicación completa y en condiciones era casi una exigencia. Por eso la decepción ha sido aún mayor. Hubiera tolerado el papel inadecuado y los colores chirriantes pero el formato es inadmisible. Mucho hay que odiar los tebeos para editar esta obra en este tamaño ridículo. Las planchas de Kubert son puro espectáculo, sus viñetas son amplias y su visión aérea y ligera, nos desplazamos con agilidad de rama en rama acompañando a su fibroso y salvaje Tarzán. Pero para participar de las sensaciones que proponía el maestro se necesita cierta amplitud, que aquí se nos niega. Resultado: después de ojearlo he preferido dejarlo en la estantería de la librería y repasar mis viejos comics de Novaro. Allí al menos se ven las cosas. Otra vez será.

Tarzán de Edgar Rice Burroughs con dibujos de Russ Manning, edita Manuel Caldas
En cuanto a la entrega de Caldas, de nuevo hay que agradecerle su labor de recuperación de clásicos de los que nadie parece acordarse. Aplaudimos su Lance y sus acercamientos al Príncipe Valiente. No comparto el entusiasmo por todos los personajes que ha reeditado pero su labor es meritoria y desde aquí se la agradezco sinceramente.
Ahora nos trae algo que como he dicho ya conocíamos aunque si los aficionados más jóvenes todavía no lo han leído deberían de abalanzarse sobre él. Yo me lo sé casi de memoria y sin embargo no he podido evitar la tentación de volver a pillarlo. Y Caldas anuncia los dominicales en color, un material que si no me equivoco nunca se publicó en español. Así que confío en que las ventas de este primer volumen afiancen su proyecto. Lo cierto es que Manning se mantiene perfectamente fresco.

Ya he comentado en otras ocasiones la suerte de este personaje, que ha pasado por las manos de los mejores dibujantes de la historia del comic: Foster, Hogarth, Manning, Marsh, Kubert, Buscema, Kordey, Morrow, Celardo, Rubimoor… la lista es interminable. Casi todos estos autores facturaron aventuras interesantes y reflexionaron sobre el papel del héroe y el conflicto del hombre con su naturaleza animal.
Tarzán de Edgar Rice Burroughs con dibujos de Russ Manning, edita Manuel CaldasTarzán es una de las grandes metáforas populares de la cultura del siglo XX y cada versión nos explica esa relación que mantenemos con el entorno en unas claves que van cambiando junto con nuestras ideas al respecto. Al principio es una expresión de dominio, es el hombre por encima de las bestias, la civilización dispuesta a poner orden en el caos de la naturaleza. Según termina el siglo la posición es casi opuesta: debemos aprender de los animales, asumir su inocencia y pureza primigenias.

La versión de Manning se sitúa a mitad de camino. Reconoce cómo la civilización intenta sofocar nuestros instintos, pero todavía no tiene una visión idealizada de un entorno que en muchos casos es simplemente brutal. Filosofías aparte su versión es maravillosamente aventurera, saca mucho partido a los variados mundos imaginados por Burroughs y nos pasea sin descanso de uno a otro, en un desfile interminable de hombres primitivos, hombres hormiga, mujeres bellísimas y bestias prehistóricas y actuales. Todo servido con un blanco y negro extremadamente elegante al que como mucho podría echársele en cara cierta rigidez o frialdad. Pero en cuanto empezamos a leer todo defecto se olvida y nos sumergimos en el frenesí de una aventura clásica, un mundo perfecto al que desearán volver y no abandonar nunca.
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viernes, 10 de octubre de 2014

COMIC DE AVENTURAS, BERNARD PRINCE INTEGRAL1 de HERMANN & GREG

Bernard Prince, Integral 1 de Herrman y Greg, edita Ponent Mon comic aventuras, tebeo
Ponent Mon, 2014
248 páginas, 42 euros.

Y AQUEL BARQUITO NAVEGÓ


Hay quien califica a Bernard Prince de desfasado y a sus personajes de tópicos. Afortunadamente la publicación en Integral de sus aventuras permite comprobar que hace falta ser muy zoquete para pensar tal cosa.


La serie arranca a mediados de los sesenta y continuará hasta finales del XX. Episodio a episodio vemos cómo el dibujo de Hermann evoluciona y pasa de lo simplemente bueno a lo realmente genial. En España vio la luz a través de diversas editoriales. Sin ánimo de ser exhaustivo, Jaimes Libros sacó La frontera del infierno, una aventura en que Prince se transformaba en Daniel Ross. Mucho más tarde Ediciones Junior inició la edición completa de la serie, aunque se detuvo en los primeros episodios. Fue Bruguera la que presentó esta creación de forma más constante, entre las páginas de la revista Mortadelo Especial o Mortadelo Gigante. Por ejemplo, de este primer integral encontramos Oasis en llamas en un Especial TV.

Lo primero que podemos comprobar es algo que ya se apreciaba en los Integrales dedicados a Ric Hochet: el color chirría. Puedo suponer que así les ha llegado desde Francia pero no es excusa. De nuevo los azules son extremadamente oscuros y en muchas ocasiones empastan la línea hasta casi hacerla desaparecer. No puedo decir que el color mecánico de Bruguera fuera mejor pero es que en ocasiones lo sacaban en bitono, lo que permitía al menos apreciar muy bien el contraste de B/N del dibujo. En la edición de Junior los tonos eran más pálidos con lo que no competían tanto con la línea. Este es el gran aspecto a mejorar.

Dicho lo cual debo afirmar que nos encontramos ante un gran tebeo. Es la saga en la que realmente Hermann madura como dibujante y para mi sigue siendo su mejor trabajo. Puedo comprender que otros, incluyendo al propio autor, prefieran el detallismo atmosférico y cargado de texturas por el que se decantó más adelante. Pero personalmente lo que me gusta de esta etapa es cómo mezcla su particular tramado con unos sombreados muy delimitados y en los que las masas negras se marcan con nitidez. Por supuesto, deben sumar los habituales puntos fuertes del dibujante: la humanidad de sus personajes, la variedad de sus caracterizaciones, su dinamismo, su gusto por la arquitectura y el paisaje y su capacidad para representar las fuerzas de la naturaleza, algo crucial en esta saga.

Bernard Prince, Integral 1 de Herrman y Greg, edita Ponent Mon aventuras comic barco
Así llegamos al guión. Ya saben que considero a Greg uno de los grandes, un tipo al que se suele minusvalorar aunque cuenta en su haber con obras tan potentes como Comanche, también con Hermann, o Luc Orient, cuya publicación en Integrales hace tiempo que espero.

Bernard Prince presenta algunos esquemas conocidos, empezando por el trío protagonista, con el héroe guapo al frente, el barbudo barrigón y borrachín como compañero cómico y el niño simpático con el que todo joven lector podría identificarse. Pero es que a partir de esos estereotipos Greg se lanza a contarnos historias que sientan sus bases en las aventuras clásicas y de alguna manera se transforman en algo mucho más cercano, al menos en los años setenta del siglo pasado. Me refiero al cine de catástrofes. Greg no presta demasiada atención a los nativos y prefiere centrarse en las fuerzas de la naturaleza. Así, en los diversos episodios asistimos a la lucha épica de Prince contra tifones y morenas gigantes (La ley del huracán, 1973), un espectacular incendio (en mi episodio favorito, La isla en llamas, 1974), un volcán (El soplo de Moloch, 1976), unas increíbles cuevas llenas de murciélagos y gas (La fortaleza de las brumas, 1977) o el intenso frío de una tierra congelada (El puerto de los locos, 1978), entre otros. No se olvida el factor humano y políticos corruptos, aventureros sin escrúpulos, guerrilleros de diversos pelajes, presidiarios y demás personajes característicos se pasean con naturalidad por la saga, aportándole sabor y humor.

Creo que lo que se le reprocha a Greg, lo que no encontramos en sus guiones, es una mirada ideológica. Lo suyo es el entretenimiento y los buenos sentimientos. Prince no duda en ayudar a quienes lo necesitan pero no pierde el tiempo en discursitos. Digamos que no es, afortunadamente, Corto Maltés. Y supongo que eso es lo que, en opinión de algunos, lo convierte en desfasado. Ahora esta saga se reedita y seguro que Prince y su barco, el Cormorán, se mantendrán a flote muchos años más porque hablamos de aventuras perfectamente contadas, con un ritmo excelente. Veremos cuánto tiempo aguanta el marinero de Pratt en el circuito. Y de cual nos olvidamos antes.
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domingo, 5 de octubre de 2014

FLESH & STEEL EN USA

la edición americana de "Flesh&Steel, el arte de Russ Heath" editado por IDW

La editorial IDW ya ha publicado la edición americana de Flesh & Steel, el arte de Russ Heath.


¡Una chulada! Tapa dura, guardas y marcapáginas. Aquí está el enlace con toda la información.

Esta es la nota con la que la editorial presenta el libro:
Following in the footsteps of the critically acclaimed Wallace Wood: Woodworks and Big John Buscema museum catalogs comes Flesh & Steel: The Art of Russ Heath. As with those first two books, this is an art catalog of a single artist's extraordinary body of work, following Heath from his very earliest days as an artist to the present, and featuring a cornucopia of rare and never-before-seen-art, many from Heath's personal archives. His early days at Atlas, EC, DC, Warren, National Lampoon, and Marvel are all showcased. Intricalely researched, with a complete index of his work is presented, this is a masterful book focusing on a masterful artist! Text is in both English and Spanish. Writer: Florentino Florez
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viernes, 3 de octubre de 2014

DERECHO A LA FELICIDAD: LA MUJER REBELDE de BAGGE

La mujer rebelde, la historia de Margaret Sanger por Peter Bagge, edita la Cupula, sexo, aborto, feministas
La Cúpula, 2014

EL DERECHO A LA FELICIDAD


La Declaración de Independencia de los Estados Unidos define como “derechos alienables” la vida, la libertad y la búsqueda de la felicidad. Bagge dibuja la biografía de una defensora de esos derechos, con un tono que oscila entre la épica y la comedia.


Hace ya tiempo que demostró que es el heredero natural y mejor dotado de la primera generación underground. No imita el estilo ni los temas de quienes le precedieron, pero comparte con ellos una libertad absoluta a la hora de elegir y plantear los asuntos que aborda en sus historietas. Si antes nos había sorprendido con un conjunto de ensayos sobre temas diversos para una revista libertaria, ahora le hinca el diente a una feminista de vida controvertida.

Según explica el propio autor le interesaba la discusión generada en torno a Margaret Sanger, cómo era atacada desde una orilla política como racista y desde la otra como “inventora del aborto”. Bagge demuestra que según su propia investigación gran parte de las declaraciones que se atribuyen a Sanger o bien no son suyas o bien han sido sacadas de contexto para distorsionar su pensamiento y caricaturizarla. En ese sentido resulta fascinante el personaje poliédrico que nos desvela esta biografía gráfica, admirable en su determinación pero tremendamente humano en sus debilidades y sus excesos, que no son pocos. También se agradece el completo apéndice que nos permite contextualizar los protagonistas y hechos que van apareciendo a lo largo de la densa historia.

Bagge relata la vida real de una de aquellas feministas de finales del XIX, una heroína social que hubo de sobreponerse a sus propias dificultades y prejuicios y se dedicó a mejorar las condiciones existenciales de las mujeres, incluyendo el control de natalidad. Sin él, estaban sujetas a los vaivenes de la biología por no decir que a los caprichos de sus maridos. Bagge no nos ahorra descripciones cruentas de abortos y partos practicados en las peores condiciones higiénicas. Esa lucha para introducir cambios supone por un lado un reconocimiento del progreso tecnológico. Se habla de importar condones y otros mecanismos y de los primeros pasos en el desarrollo de las píldoras anticonceptivas, como ahora mencionaríamos lo más novedoso en tecnología, con esperanza, respeto y temor.

La mujer rebelde, la historia de Margaret Sanger por Peter Bagge, edita la Cupula, feminismo, aborto
También supone forzar los límites de la libertad de expresión. Aunque la heroína desafía a no pocos alcaldes, policías y gobernadores, en muchos casos esa lucha tiene más de juego que de verdadero enfrentamiento, con las diversas fuerzas en conflicto tensando la cuerda y buscando la complicidad de la prensa. Como verdadera luchadora moderna Sanger es muy consciente del peso de la opinión pública en todo proceso de cambio, así que gran parte de su labor consiste en escribir manifiestos y publicar panfletos desde los que explica sus posiciones. Por supuesto, al llevarle su preocupación social hacia un ámbito tan personal como el de la sexualidad los problemas aumentan. No sólo pisó territorios nuevos desde un punto científico, también moral o ético. Ese derecho a la felicidad podía ser fácilmente acusado de inmoralidad, pero eso no la detuvo.

Aquí es donde el tebeo realmente demuestra su calidad. Más allá de lo interesantes que son todos los hechos que se nos cuentan, admira la capacidad de Bagge para construir un personaje, una Margaret ególatra, divertida y deslenguada que nos atrapa desde su primera aparición. Si su lucha política es apasionante, su trayectoria vital, sus relaciones sentimentales lo son aún más. Su curiosidad, su optimismo, su capacidad para meterse en jardines donde nadie le mandaba entrar son tan admirables como tronchantes en ocasiones. Para recordar la conferencia que da a las chicas del Ku-Kux-Klan, con la gran pregunta “¿Qué es la vagina?” o su disparatada charla con el sexólogo Ellis, que también concluye con brillantez: “¿Quiere que haga pis para usted?”. “Sí, se lo ruego” es la respuesta del terapeuta. Eran otros tiempos, sin duda.

Que no les asuste el distorsionado dibujo ni la densidad de los textos. Todo resulta interesante y está narrado a la perfección. A pesar de su aparente ligereza es una obra mayor que no deberían perderse.

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viernes, 26 de septiembre de 2014

CUIDADO CON CREEPER de J. HALL & C. CHIANG

Batman Black and White - Cuidado con Creeper de Hall y Chiang, edita ECC,
Batman Black and White 
ECC, 2014 

Entre el abultado montón de historias prescindibles que encontramos en el último Batman Black and White destaca la participación de un talento emergente: Cliff Chiang.


Como saben la serie agrupa relatos cortos en B/N a la manera de las publicaciones de Warren de los setenta, Creepy y Eerie, Vampus y Rufus en su versión española. En sus primeras entregas incluían verdaderas obras maestras como las facturadas por Timm, Corben o Chaykin. Pero con el paso de los años la calidad ha ido disminuyendo y cada vez resulta más difícil señalar episodios interesantes entre toda la maraña que puebla estas saturadas planchas de nuestro hombre murciélago favorito. Con todo hay algunas excepciones notables. Sobre todo la historieta de Weston y Butler, tan sencilla como impactante, la curiosa aproximación de Moss y Cloonan y, por supuesto, el trabajo de Chiang, que también firma el guión.

En un momento en que los dibujantes de superhéroes se polarizan bien hacia un realismo fotográfico con tendencia a la rigidez o bien hacia el cartoon más barroco e ininteligible, sepultados todos ellos por capas y capas de oscuro y enmarañado color digital, reconozco que me cuesta acercarme a los tebeos “de grapa” para comprobar cómo les va a los tipos con la ropa interior por fuera. Pero siempre aparecen autores que se saltan las clasificaciones y Chiang es uno de ellos. Su dibujo no es absolutamente innovador. Al contrario, maneja muchas referencias que nos suenan, de Caniff a Mazzucchelli pasando por Timm. Pero el resultado de esas influencias es refrescante. Sus planchas se leen con facilidad, sus viñetas están llenas de aire, su narrativa apuesta por la claridad y sus personajes son vitales, dinámicos y bien caracterizados.

Viñeta de Cuidado con Creeper de Hall y Chiang, edita ECC,
Empezó a llamar mi atención con su participación en la serie Wonder Woman, donde realzaba unos guiones más bien mediocres y con demasiadas referencias a Sandman. Pero el refrescante dibujo de Chiang conseguía que aquello pareciera bastante mejor de lo que realmente era. Luego me sorprendió en Cuidado con Creeper, un juego con un personaje clásico de DC, una más de la abultada lista de creaciones de Ditko, al que por otro lado no se cita por ninguna parte en este volumen. Su superhéroe, ese Creeper que da título al comic, era de lo más estrafalario, de hecho construía su disfraz con restos de trajes abandonados de un carnaval. Y sus poderes eran tan bizarros como su aspecto. El personaje creado en 1968 y que entonces se movía en un presente lleno de gangsters y políticos corruptos, se traslada al pasado en esta revisión. A un París habitado por bohemios y decadentes de diverso pelaje que parece fascinar a los creadores americanos. Si el escenario es rico en texturas y los autores se aseguran de llenarlo con personajes que podemos reconocer, el relato es demasiado descabellado y lioso y tras su lectura sólo nos queda el recuerdo agradable del elegante dibujo de Chiang. Que por cierto realiza una curiosa reinterpretación del héroe original. Aquí cambia de sexo y apenas conserva nada de su primera encarnación, más allá de su carácter histérico y la tendencia a los gestos grandilocuentes. Pero de alguna forma ciertos componentes de su vestuario nos remiten a la versión de Ditko. Si aquel rodeaba el cuello del protagonista con una vistosa boa de plumas Chiang la convierte en penacho y la emplea en unas curiosas hombreras. Destaca también el agradable color de Dave Stewart. Y poco más.

Finalmente, en su episodio de Batman Black and White, se encarga tanto del guión como de los grafismos y todo funciona perfectamente. Un relato clásico con Robin como protagonista, perfectamente dibujado y mejor contado. Sin duda Chiang es un talento a seguir y yo no pienso perderme lo próximo que le publiquen.
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viernes, 19 de septiembre de 2014

EXPO MARVEL PARIS & VENICE de TANIGUCHI

SOUVENIRS DE PARÍS


Uno de los grandes placeres tras las vacaciones es presumir de esos sitios chulos a los que has podido ir y esperas que los demás no. Este verano París contaba con algunos reclamos casi irresistibles para los aficionados al comic, así que permítanme que me divierta un poco contándoselo.


Para empezar, la muestra dedicada a los superhéroes Marvel en el museo Art Ludique, una enorme infraestructura situada a orillas del Sena, un poco más allá del Botánico y el maravilloso Museo de Historia Natural.

La exposición aprovechaba el tirón mediático de unos personajes que gozan de una segunda juventud gracias al cine. En ella se entremezclaban maquetas y prototipos de las películas para disfrute de los más pequeños, con planchas originales de algunos de los mejores artistas Marvel. Era tal la calidad y variedad que apenas sé por dónde empezar. Los mejores Kirby que se puedan imaginar, los mejores Kane, Romita, Starlin, Zeck, Byrne, grandes planchas de Sale, de Ross, algún Ditko, varios Buscema brutales… Una lista impactante que obligó a la organización a prolongar la muestra hasta este mismo mes de septiembre. Todo estaba cuidadosamente presentado, con una escenografía que cumplía con su función de agrupar material muy diverso, con objetos tridimensionales grandes, diseños a color y cientos de páginas en B/N. El catálogo no era gran cosa pero es la única pega que puedo poner a una expo apabullante y que por sí sola justificaba la escapada a París.

No era la única excusa, había otra exposición que ningún friki debía perderse, la dedicada a StarWars.


Situada algo más lejos del centro, en una suerte de estudios cinematográficos, este proyecto itinerante estaba pensado para no defraudar tanto a los seguidores de la saga como al público en general. Contaba con un gran despliegue de medios que incluía auriculares personalizados para cada visitante, una cuidada iluminación y un recorrido completo por los personajes más populares de la serie galáctica, así como las maquetas originales de muchas de las naves y artefactos que la habitan. Aunque estaba pensada como un gran entretenimiento, con cacharritos interactivos y mucho juego de luces y sombras, intentaba trascender esos niveles, profundizando en uno de los grandes temas de Star Wars, las elecciones personales y por extensión nuestra idea del bien y del mal. Podía más el espectáculo que la filosofía pero al menos conseguían que uno no se sintiera tan idiota disfrutando con los muñequitos.

Aproveché la visita para saludar a mi buen amigo Frederic Manzano, que mantiene su librería muy cerca de Notre Dame y fue uno de los organizadores de la expo Marvel. Dargaud ha establecido contacto con él y en este momento se tramita una edición en francés de nuestro catálogo dedicado a Buscema. Evité por poco la tentación de babear sobre una colección de tiras que acababa de comprar a la hija del recientemente fallecido Alain Resnais. Como es sabido, el cineasta era un gran aficionado al comic. Aunque Frederic no había adquirido todas sus piezas, lo que tenía ya era más que impresionante: tiras de Hamlin, Gray, Caniff, Holdaway, Robbins y otros tantos que no recuerdo. Sólo tuve ojos para varias piezas de Juliet Jones, con esos increíbles trazos de pincel con que Drake dibujaba el pelo de sus chicas. Una verdadera pasada. Comentamos el asunto de la disparidad de los mercados. Hay uno, muy cerrado, para el comic francés, otro para el de superhéroes americanos y otro muy diferente para el de tiras clásicas. Y son mundos estancos, quien está interesado en uno es raro que se acerque al otro. Como no es mi caso, aproveché la estancia en París para conseguir algo más de material de uno mis autores preferidos y que, por cierto, cuenta con un excelente pero no muy conocido Museo en Bruselas. Me refiero a Jijé. Este año hemos podido disfrutar con la traducción de su Jerry Spring editado por Ponent Mon. Pillé en la enorme librería Album, en el centro del Barrio Latino, uno de sus tomitos con Tanguy y Laverdure. Hace mil años Bruguera sacó algo, pero todavía queda mucho inédito por traducir y es más que recomendable. Lógicamente, una vez en la librería no pude evitar darme algún capricho y me llevé también uno de los volúmenes de la colección de libros de viaje que Louis Vuitton está sacando. En concreto el de Taniguchi dedicado a Venecia. Sencillamente delicioso, una verdadera gozada.


Louis Vuitton Venice Travel Book by Jirō Taniguchi from Nadia M on Vimeo.
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