CORTO MALTÉS. OCÉANO NEGRO de VIVÈS Y QUENEHEN

Norma, Barcelona, 2021.
180 páginas, 25 euros.

DE TOKIO A CÓRDOBA
Corto Maltés estaba viviendo un plácido renacimiento en las manos de Pellejero y Díaz Canales. Pero ahora otros autores han decidido probar suerte con el famoso marinero.

Más allá de la fascinación que pueda seguir provocando el personaje creado por Hugo Pratt, existen obvias razones económicas. Corto vende mucho, las tiradas de sus álbumes se mantienen por encima de la media, por no mencionar la atención mediática que todavía suscita. Así que no es extraño que un talento ya-no-tan-joven como es Bastien Vivés se haya animado a probar suerte con él. No lo hace solo sino en compañía del guionista con el que ya colaboró en “Catorce de Julio”, Martin Quenehen.

El producto final es realmente curioso. Evitan la vía ortodoxa del equipo español. No se sitúan en la cronología oficial del héroe sino en un momento alternativo, con un Corto Maltés actual. En una escena vemos cómo por la tele se cuenta el ataque a las torres gemelas. Así que éste no pretende ser el Maltés original sino un sucedáneo, un héroe contemporáneo que encarna el espíritu del Corto que conocimos. Personalmente, no me importa mucho si los autores han permanecidos fieles a su referencia, lo que me preocupa es qué han hecho con ella, cómo es el relato que han construido con su renovado Corto. Recientemente asistíamos a un caso similar en cine. El viejo James Bond era transformado en un respetable hombre casado en la última de Daniel Craig. En lugar de acostarse con Ana de Armas, lo que habría resultado natural en los tiempos de Connery o Moore, se pasea por ahí muy preocupado por no perder el peluche de su niña. Y además se nos presenta una nueva 007, mujer y negra. Todas esas innovaciones afectan a nuestra visión del personaje, un arquetipo al que acudimos esperando de él determinados comportamientos. Con todo, como fan de James Bond puedo tolerar algunas desviaciones de la norma si al final el producto es entretenido.

Abandono a Bond para volver a Corto. Y sí, más allá de su fidelidad al original considero que el resultado es adecuado. ¿Es el mejor Leer más...

RIC HOCHET de ZIDROU y VAN LIEMT

Dolmen, Palma, 2021.
120 páginas, 24,90 euros.

UN MALO MUY BUENO
Leía con agrado las aventuras de Ric Hochet cuando aparecían en el interior de las revistas de Bruguera. Entre un montón de productos de humor, que de alguna forma se reconocían como propios, españoles, se colaban esas otras series, más realistas, que pronto aprendimos a identificar como franco-belgas.

Allí cabía todo, de “Asterix” al “Teniente Blueberry”, de “Michel Tanguy” a “Ric Hochet”. Este joven detective era el ejemplo perfecto de lo que más tarde se denominó “línea clara”. Una historia donde la línea y el color lo hacían todo, desterrando las sombras. Los argumentos eran igualmente limpios, con aquel héroe de edad indefinida resolviendo casos imposibles, siempre secundado por el inspector Bourdon, tan bonachón como inútil ya que, al final, era el jovencito el que le sacaba las castañas del fuego. Recientemente, como ha pasado con tantos otros personajes de los setenta, ha vuelto agrupado en perfectos integrales que nos permiten recuperar las historias que ya habíamos leído y aquellas que permanecían inéditas. Pero, además, sus editores han intentado ofrecerle una segunda oportunidad, tras la desaparición de los autores originales.

A los que nos hemos pasado toda la vida escuchando diatribas sobre el sistema industrial americano, como ejemplo de aberración anti-artística, frente a los comics “de autor” europeos, nos divierte ver lo que está pasando con la mayoría de los personajes clásicos. No solo quedan en manos de otros creadores, es que además en muchos casos esas revisiones superan a los originales. No ocurre siempre pero lo cierto es que la aplicación de esos criterios industriales, la voluntad de ordeñar un poco más esas ubres, ha favorecido la creatividad de nuevos guionistas que han aprovechado la oportunidad para inventarse historias que mejoran las anteriores. Obviamente, Asterix resulta un hueso duro de roer y yo espero que no lo intenten con Tintin. Pero ya hay algunos Spirous curiosos y claramente nos esperan Cortomalteses mejores que el original.

En fin, que también han remozado a Ric Hochet y el nuevo producto es muy interesante. Primero por Leer más...

WE3 DE MORRISON Y QUITELY COMIC

ECC, Barcelona, 2021.
144 páginas, 17,95 euros.

EL IMPOSIBLE REGRESO A CASA
Publicado originalmente en 2004, se reeditó al año pasado y recientemente aparecía una segunda edición. WE3 es un cómic que había pasado totalmente por alto, no cometan el mismo error.

Recientemente un alumno me habló en clase de su existencia, mencionando algunas páginas con una narrativa muy poderosa e innovadora. Cuando me informé sobre un tebeo que ni me sonaba, descubrí porqué mi radar lo había ignorado. El guión era de Morrison y, a pesar de que Quitely se encargaba del dibujo, no me molesté en echarle un vistazo. Gran error. No es la primera obra interesante que firman juntos. Todos podemos recordar su brillante recorrido en “All-Star Superman”, pero siempre tengo la sensación de que es Quitely el que hace el trabajo y que Morrison solo está allí para incordiar. Una percepción sin duda injusta pero la verdad es que pocas son las obras de este guionista que no se me han atragantado, por pretenciosas, pedantes, por su insufrible moralismo progre o justo lo contrario, su nihilismo de salón. “Animal Man” todavía me provoca arcadas al recordarlo. Por cierto, a todos los que les gustó les recomiendo “No hay apocalipsis” de Michael Shellenberger, donde se explica qué es lo que está cargándose realmente a los murciélagos y las águilas calvas, y unas cuantas cosas más. Me cuesta creerme las historias de Morrison y no consigo entrar en sus universos. Así que me mantuve a distancia de esta miniserie. Y no debí hacerlo.

Quitely es uno de los artistas más dotados de su generación. Su dibujo es tremendamente personal, con una línea que no se parece a la de nadie más y que en los últimos años ha asociado su talento al de Millar, facturando juntos tebeos tan brillantes como “El legado de Júpiter”. En “WE3” le da una vuelta de tuerca más a su narrativa y consigue

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NEW YORK CANNIBALS de BOUCQ y CHARYN

Nuevo Nueve, Madrid, 2021.
152 páginas, 25 euros.

CANÍBALES, VAMPIROS Y OTROS MONSTRUOS
Boucq lleva años trabajando con el escritor Jerôme Charyn, desde los lejanos tiempos de “La Mujer del mago” y “Boca de Diablo”. Ahora vuelven a juntarse, recuperando al protagonista de “Little tulip”.

Aquellas dos primeras colaboraciones habían permitido a Boucq escapar del género del humor grotesco en el que parecía haberse atascado, abordando tramas más dramáticas pero sin abandonar su gusto por lo bizarro. Lo mejor de Charyn eran aquellos momentos en que la realidad y la fantasía se desdibujaban hasta confundirse. Cuando le salía bien era surrealista y estremecedor, pero eran operaciones de riesgo con el ridículo como mayor amenaza. Hay una larga tradición de autores en los que la tendencia hacia lo estrafalario, lo peculiar, pesa más en ocasiones que la estructura dramática, que acaba abandonada, permitiendo que el relato se convierta en un desfile de freaks. En ese sentido, “La mujer del mago” era inferior a “Boca de diablo” donde el equilibrio entre un poderoso drama realista y lo delirante estaba más conseguido. Luego Boucq se pasó varias décadas ilustrando las fantasías de otro famoso iluminado, Jodorowsky, para quien la división entre el sueño y lo real no existe. Juntos levantaron “Cara de luna” primero y el western “Bouncer” después. Además, el dibujante seguía publicando sus propias invenciones cómicas sin descanso, mientras su arte se iba refinando y afianzando.

Hace poco sorprendió volviendo a reunirse con Charyn, retomando una colaboración interrumpida en los noventa del pasado siglo. Recuperaron algunos de los ambientes soviéticos ya transitados en su anterior trabajo, “Boca de diablo”. Como allí, viajábamos del infierno del gulag comunista a la ciudad de Nueva York, en una narración tensa y agria, que Boucq visualizaba con su destreza habitual. Aquí conviene hacer un inciso

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REGRESO A ALDEBARÁN DE LEO COMIC

ECC, España, 2021.
200 páginas, 22 euros.

REGRESO A LEO
Recientemente celebrábamos la reedición en un formato más grande (de luxe) del primer ciclo de Aldebarán. Ahora nos llega un volumen que agrupa nuevas aventuras en el mismo escenario.

Lamentablemente se recupera el formato diminuto de la primera edición, con textos a unos cuerpos al límite de lo legible ¡Jubilados abstenerse! Una pena, cuando a la ya mencionada reedición se había sumado hace poco la publicación de Centaurus, en un tamaño “normal” de álbum europeo. Saga que ya ha concluido y en la que Leo, el autor de Aldebarán, desempeñaba solo la función de guionista, acompañado de su amigo Rodolphe y dejando a Janjetov a cargo del dibujo. El balance era muy positivo, como en casi cualquier producto con el que que se ha relacionado el creador de origen brasileño. Quienes hayan leído otros trabajos suyos ya saben de qué les hablo: grandes caracterizaciones, con personajes femeninos siempre fuertes y decididos, espectaculares ambientaciones, con especial atención a unas faunas alienígenas muy imaginativas, aventuras trepidantes donde los héroes se enfrentan a situaciones donde su vida siempre corre peligro y algunos mueren por el camino, argumentos inteligentes en los que la preocupación ecológica adquiere un evidente protagonismo, etc.

Leo es muy grande en lo que hace y lo peor que podría decirse de este Regreso a Aldebarán es que, de alguna manera, no es tan bueno como sus anteriores entregas, hace ya veintitantos años. ¿Quiere esto decir que tiene alguna debilidad o error? Apenas. Imagina saltos espacio-temporales, se traslada de Leer más...

CASTILLO DE ARENA DE PEETERS Y OSCAR LÉVY

Astiberri, España, 2021.
104 páginas, 18 euros.

TIEMPO VELOZ
Lo último de Frederick Peeters viene acompañado por un aviso donde se nos informa de que su cómic ha sido adaptado a la gran pantalla por Shyamalan, cambiando el título original por el de “Old”.

 
La cinta nos ha llegado como “Tiempo” y confieso que todavía no he tenido ocasión de verla. Pero sí que he leído la obra original de Peeters y su compañero Pierre Oscar Lévy. Según se explica al final del libro, el segundo escribió el guión original pensando en una película. Después hizo el álbum con Peeters y finalmente la adaptación cinematográfica llegó desde Hollywood. El dibujante tiene ya una larga trayectoria y me he topado con sus cómics a menudo en las librerías especializadas. En España su obra ha sido editada por Astiberri y lo más reciente es “Saqueo”, que viene tras “Oleg”, “Píldoras azules”, “Lupus”, “Dándole vueltas” y muchas más. Nunca antes me había animado a leerlo y, según afirma la crítica, debo de estar perdiéndome a uno de los mejores talentos europeos. No puedo juzgar el resto de su obra, ya que, insisto, no he tenido oportunidad de leerla. Pero sí este “Castillo de arena”.

Se trata de una obra en B/N donde se emplea la clásica estructura de 3x3, que se rompe ocasionalmente para introducir alguna horizontal o saltar en algunas páginas al 2x3. En cuanto al dibujo, Peeters se relaciona con cierta nueva ola europea empeñada en recuperar una estética feísta, con un trazo no tan controlado, con líneas muy expresivas y acabados que a mí a veces me recuerdan a Jean-Claude Forest. Aunque el trabajo tiende a ser muy lineal, el autor aumenta la dosis de manchas negras en algunas páginas, consiguiendo así los mejores resultados, cargando las viñetas de sombras o jugando con la oscuridad de la noche. Es un trabajo correcto y en general vigoroso, directo.

En cuanto al argumento, si vieron el trailer en televisión se harán una idea bastante exacta del tema. Un grupo de personajes llega a una playa donde

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EL UMBRAL DE LO SINIESTRO DE JUNJI ITO COMIC TERROR MANGA

ECC, España, 2021.
216 páginas, 9,95 euros.

UN TERROR MUY VISUAL
Junji Ito lleva décadas aterrorizando a lectores de todo el mundo. Crea imágenes tan desasosegantes como atractivas. Y eso no es fácil.

Pero el cómic es un medio secuencial. No basta con tener un fotograma (en su caso, una viñeta) impactante. Debe funcionar en el conjunto de un relato bien estructurado y fluido. Y eso no siempre lo consigue. Hacía tiempo le había echado un vistazo a algunas de sus historias, llenas de cuerpos alterados y con una estética de la degeneración que recordaba al primer Cronenberg. Lo enfermo asusta, por cercano. Rara vez nos toparemos con un vampiro, pero un tumor es una amenaza próxima y creíble. Más allá de esas viñetas que resulta difícil dejar de mirar, entre el asco y la fascinación, las historias que las cobijaban no eran tan poderosas. Recientemente volví a probar suerte con su adaptación de “Frankenstein” y de nuevo me sentí decepcionado. Aunque contenía algunas ideas ingeniosas el ritmo fallaba y el conjunto no era estimulante. Sin embargo esta nueva recopilación de relatos consigue ese delicado equilibrio entre lo visual y lo dramático, aunque no en todos. “La cuesta de las plañideras” es sin duda el más logrado, seguido por “La corriente espectral de Aokigahara”. “La Madona” es inquietante, pero el final falla. “El duermevela”, el último episodio, es también el más flojo, con una estructura confusa y mal desarrollada.

El mecanismo narrativo de Ito es similar en todos los casos. Se parte de una situación verosímil, “real”, como un entierro, un internado, un intento de suicidio o lo que sea, que se ve Leer más...

DON VEGA de PIERRE ALARY COMIC ZORRO

Nuevo Nueve editores, España, 2021.
93 páginas, 20 euros.

¿EL ZORRO? ¡NO: LOS ZORROS!
Pierre Alary no es un desconocido para el público español. Creo que lo descubrí junto a Fabien Nury en “Silas Cory”. Entonces no logró impresionarme, pero ahora sí.

Hace años que el mundo del cómic, sobre todo francés, se nutre de dibujantes que provienen de la animación. A priori eso aporta un extra de dinamismo a su trabajo, además de ciertas astucias para la puesta en escena, asociadas con la narrativa audiovisual. En muchos casos esas supuestas ventajas no lo son tanto. Lo que funciona en un story-board y luego encuentra su sentido en la imagen en movimiento, pierde fluidez y arruina el ritmo de imágenes secuenciales pero detenidas, como son las del cómic. Esto resulta evidente en las actuaciones de los personajes, con una expresividad forzada y que normalmente acaba pasando factura en términos de emoción y credibilidad. Ya saben, cuando todo es muy importante nada lo es. Ese abuso de los recursos también se traslada a un énfasis constante en los subrayados, con las mismas consecuencias. 

En resumen, que tienden a ser demasiado intensos y en general les falta lo que nos recordaba Shelton: “A veces hay que aburrir, no se puede estar arriba todo el tiempo”. Dicho lo cual, mi primera sensación con Alary había sido esa. Correcto, muy expresivo pero me parecía uno más en un conjunto de autores que ya puede decirse que conforman una escuela o tendencia gráfica. Ahora se ha puesto a realizar cómics como creador completo, encargándose también él del guión. Este “Don Vega” no deja de ser una revisión de un personaje muy popular en cine y cómics. Me refiero al Zorro, ese proto-superhéroe que, escondiendo su verdadera identidad tras una máscara, ayuda a desvalidos, socorre a viudas y rescata a huerfanitos. Poco hay más rancio que este personaje, que además cuenta con algunas versiones de gran calidad en cómic. La de Toth es la más popular y conocida, aunque a mí la tira de Tom Yeates también me gusta mucho. Fiel a su estilo, Alary emplea unas imágenes muy cinematográficas, con encuadres enfáticos y gran variedad de planos. El color, muy limitado, ayuda a señalar las transiciones de una secuencia a la siguiente, marcando las escenas. Su dibujo se

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