OLEADA DE DELIRIOS CÓSMICOS EN CÓMIC

Si los tebeos de superhéroes son habitualmente calificados como escapistas, hay autores que llevan esa tendencia hasta su límite más extremo. Se trata de los artistas cósmicos, una categoría tan restringida como exigente.

Aunque con raíces en la literatura pulp, la aventura cósmica tal y como la entendemos hoy en día tiene dos padres reconocidos: Kirby por un lado y Ditko por el otro. El primer episodio de Los Cuatro Fantásticos se publicó en 1961, siete años antes de que se estrenara 2001, una odisea del espacio, señalando esas nuevas fronteras más allá de lo humano y que trasladaban a los héroes a espacios semidivinos. Acompañando a los cuatro elementales descubrimos dimensiones ajenas a la tierra, que en muchos casos venían representadas por los delirantes collages de Kirby. Ditko, en Dr. Extraño, ofreció la cara más mágica y onírica, con universos completamente imaginarios donde reinaban figuraciones extraídas de la pintura de vanguardia. Ambos demostraron la capacidad de los comics para abrir ventanas a mundos nunca antes soñados. Muchos lectores pensaron que Ditko ingería sustancias lisérgicas para generar sus bizarras fantasías, algo que el dibujante siempre negó, por supuesto.

Algunos escasos seguidores portaron la llama cósmica con desigual resultado. En Francia destacó Druillet, siempre dispuesto a echar una mirada a esos otros universos en relatos donde la gráfica se comía la narración. Jim Starlin fue el que con más fortuna concilió los desbarres cósmicos con el tono aventurero más trepidante. Su saga del cubo cósmico permanece como una cumbre inconquistable. Por el camino, creó a muchos entes cósmicos que todavía habitan las páginas más enloquecidas de Marvel. Como el mejor continuador de Kirby que fue, John Byrne nos regaló abundantes aventuras espaciales, quizás no tan desaforadas como las de Starlin, pero siempre entretenidas e imaginativas.

Los Cuatro Fantásticos: Círculo Cerrado
Panini cómic, España, 2022
64 páginas, 25 euros

Ahora, un dibujante hiperrealista como Alex Ross, decide recuperar aquel espíritu volviendo con los 4F a la Zona Negativa. 

El resultado es mucho más positivo en el apartado gráfico que en el textual. Ross firma muchas páginas apabullantes en las que sobresale un color extraño, discotequero, del que solo se me ocurre un único precedente. Me refiero a algunos de los primeros trabajos a color de Kordey en Marvel y en Star Trek. El dibujante ofrecía gamas saturadas que pueden recordar en parte a las de Ross. Lástima que lo que nos cuenta la historia no sea tan atractivo, una aventura que deslumbra en lo gráfico y aturde en lo narrativo. 

Tradd Moore y Donny Cates
Estela plateada. Negro
Panini cómic, España, 2024
136 páginas, 22 euros

Tradd Moore
Doctor Extraño: Amanecer de otoño
Panini cómic, España, 2024
136 páginas, 25 euros

Parecidos problemas encontramos en uno de los talentos emergentes de Marvel, el muy peculiar Tradd Moore. Con un estilo personalísimo, reinterpreta a dos iconos de la editorial. Por un lado

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2 OBRAS AUTSAIDER COMICS - RONSON Y PRIMAVERA PARA MADRID

DE MADRID AL PUEBLO
Autsaider es una de las editoriales más simpáticas de este país. Como suele ocurrir con las casas pequeñas, cuida con exquisitez el acabado de sus productos. Ahora presentan Ronson, una obra muy alejada de su catálogo habitual.

PRIMAVERA PARA MADRID
Magius
Autsaider Cómics, España, 2020
272 páginas, 25 euros

Lo primero que llama la atención es el delicioso borde ondulado con que se remata el volumen, que se suma al lomo entelado y las tapas en cartoné. En el interior las páginas van a dos tintas, negro y un bonito tono mostaza. Una característica de la editorial es el mimo que ponen en sus escasas entregas. Delicadeza que suele contrastar con los contenidos, de un salvajismo no apto para corazones sensibles. Autsaider se ha mantenido fiel a su nombre, publicando cómics al margen de lo convencional, herederos del primer underground en una apuesta claramente antipopular y selecta. Ese elitismo era de caca y culo, con autores muy inclinados a lo escatológico, exploradores de lo obsceno o ilegal, o más filosófico pero atendiendo a premisas similares, mirando hacia abismos cada vez más profundos. El problema con la provocación es que tiende a ser repetitiva, lo que no es bueno para la narración. Lo mismo ocurre con la desesperación. Si sé que por mucho que nade al final me voy a ahogar ¿para qué seguir leyendo? Es la esperanza la que sostiene el relato. En fin, me ha asomado aleatoriamente a sus publicaciones y en más de un caso me he topado con que, más allá de la provocación inicial, no había buenas construcciones argumentales, ni un guión digno de tal nombre.

Hace dos años uno de sus lanzamientos recibió el Premio Nacional de Cómic. Con lo que pasó de no agotar la mínima tirada inicial a convertirse en un superventas (underground). Primavera para Madrid saltó a las páginas de los periódicos, se le dedicaron reportajes y se comentó mucho su trama, que reflejaba “la corrupción del PP”. Yo ya me había leído el tebeo sobre la mafia del mismo autor, Magius, y preferí no tropezar dos veces en la misma piedra. Como me debo a mis lectores, disculpen el retraso y allá va mi visión de la jugada. Aunque se presenta casi como un reportaje histórico sobre ciertos abusos de poder, el cómic cambia los nombres de sus protagonistas, supongo que para evitar quejas y reclamaciones de los implicados. Reconocemos a una señora que se parece a Esperanza Aguirre pero se llama de otra manera, como el rey Felipe, su esposa, el pequeño Nicolás y el resto de secundarios. Si consultan cualquiera de los numerosos artículos dedicados al libro, podrán dar con la lista completa de equivalencias. Como lector todo ese travestismo me confunde. Además de las anécdotas más populares, como la aventura africana del emérito o la pelea entre reinas en la catedral, luego se alude a un montón de sucesos de los que recuerdo vagas referencias y que el cómic no explica bien. Se dan demasiadas cosas por supuesto y se entrelaza a un montón de personajes que no se diferencian con claridad. El tebeo falla en el terreno documental, ya que no desarrolla con claridad las diferentes tramas. Y también en lo dramático, ya que apenas consigue una correcta construcción de personajes. Las secuencias se estiran mucho, delatando la debilidad del dibujo, que puede ser expresivo en los primeros planos pero falla en los generales y en las escasas escenas de acción. Pasan muchas cosas pero son difíciles de seguir y articular. En realidad, tengo la sensación de que a nadie la importa. Lo que importa, aquí como en El día 3, que también ganó el Premio nacional (además del Ciudad de Palma), no es tanto la calidad gráfica, argumental o narrativa sino la denuncia. O, mejor, el valor como herramienta de propaganda. ¿Podemos usarlo contra la derechona? Pues ya va bien. Todo producto que desvele las corruptelas de los políticos debería de ser bienvenido, pero ¿dónde está ese gran cómic sobre los eres de Andalucía, el tío Bernie o la corrupción de menores en Valencia o Mallorca? Me parece bien que nuestros dibujantes opten por lanzar sus dardos siempre en la misma dirección, pero no intenten hacerlos pasar por maravillosas obras de arte porque no lo son. Apenas panfletos al límite de la legibilidad. Ese carácter propagandístico se ejemplifica en uno de los pasajes más chocantes de la obra. Aparece un alter ego de Ferreras, que participa en una confabulación para desacreditar a una señora que se parece a Cifuentes. Montan la famosa escena del robo de los tarros de crema y el propio presentador televisivo se queja de que la operación es excesiva. Se queja poco porque en realidad es presentado como un cómplice necesario en actividades de manipulación y desprestigio. Uno más.

RONSON 

César Sebastián
Autsaider Cómics, España, 2023

128 páginas, 20 euros

Así que, en comparación, Ronson es una maravilla. Dibujo claro y bonito, textos bien escritos, ambiente rural y

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LA DIVINA COMEDIA DE OSCAR WILDE de JAVIER ISUSI

Astiberri. Bilbao, 2021.
376 páginas, 29 euros.

EL LARGO ADIÓS
Javier de Isusi se hacía con el Premio Nacional de Historeta el pasado año con esta recreación de los últimos días de Oscar Wilde en París. Una cuidada reconstrucción por la que se pasean personajes tan famosos como los hermanos Machado o Frank Harris.

Reconozco que me resistí a leer este grueso volumen. Como todo lector sabe, con los años se desarrolla un infalible sentido arácnido que zumba cuando nos acercamos a algún tostón. Y cada vez que hojeaba la obra de Isusi mi instinto vibraba cual satisfyer desbocado. Pero me debo a mi público así que finalmente le he hincado el diente. Vaya por delante que me parece un trabajo muy respetable, una obra que será recomendada por bienintencionados profesores de secundaria, que la añadirán a la reducida lista de comics consagrados, aquellos dignos de pertenecer a los más prestigiosos parnasos culturales. Como “Maus” o “Persépolis”. Comics que abordan temas profundos como éste. Ya se pueden imaginar: Wilde tras pasar por su experiencia carcelaria, apurando sus últimos días en París, entre deudas, chavales de la calle similares a los que acabaron con la vida de Passolini, amigos, videntes, patrocinadores y todos los poetas franceses que puedan recordar. Cada cierto tiempo, por si acaso tuviéramos la sensación de que los personajes hablan poco, se incluyen una suerte de entrevistas con algunos de los “actores” más relevantes. Hablan en plano fijo una página tras otra. 

En realidad Isusi muestra sus cartas desde el principio. La acción arranca en un teatro y en ningún momento nos quitamos de encima esa sensación de asistir a una representación, con contados cambios de escenario y sin grandes sorpresas visuales. Todo discurre con tranquilidad y sosiego, salvo alguna secuencia de delirio onírico un tanto fuera de lugar. La documentación es rigurosa y no dudo que los seguidores de Wilde se sentirán complacidos con esta recreación. En cuanto al jurado que eligió esta novela gráfica como la mejor del año, son evidentes las razones de su veredicto. Wilde es un auténtico

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ESTAMOS TODAS BIEN de PENYAS

Ediciones Salamandra, 2017.
112 páginas, 16,15 euros

ABUELAS Y NIETAS

En 2017 Ana Penyas ganaba el premio de cómic de la FNAC con esta obra. Luego el de autora revelación en el Salón de Barcelona de 2018. Y ahora el Premio Nacional de Cómic.

Debo confesar que llevaba un año topándome con su libro y que cada vez que lo hojeaba volvía a depositarlo en la alacena de la librería. Pero con esto del Nacional me he visto obligado a adquirirlo, con la sensación de “nunca consigo leer lo que realmente mola”. Tras repasar las reseñas que se han escrito sobre esta obra, comenzando con la argumentación del jurado, me preparo para endilgarme algo realmente sobresaliente, tanto en el plano formal como en el de los contenidos.

Tratándose de una ilustradora, cabía esperar un especial interés del apartado gráfico. A mí me ha recordado a aquella serie que aparecía en Trinca, “Una escuela en la torre de los contrabandistas”. Creo que fue la primera vez que me enfrenté a un dibujo “infantil”. Hasta entonces yo entendía que los comics se dividían entre los humorísticos a lo Ibáñez o Uderzo, y los realistas, a lo Giraud o Víctor de la Fuente. Pero con aquella saga y las de Calatayud (¿recuerdan “Peter Petrake”?) comprendí que había muchas otras posibilidades.

Ya entonces se vendían aquellos tratamientos alternativos como lo más. Con el paso de los años hemos asistido a la aparición de diversas variantes de Cesc, Steinberg, Grosz y similares. Todos muy respetables pero hace ya mucho que clásicos, en absoluto “modernos”. Así que el dibujo temblón, feísta de Ana Penyas me parece muy respetable y personal, pero también visto, reconozco la fórmula y no me impresiona. La supuesta mezcla de recursos tomados de otros medios no la veo por ninguna parte. Sí un relato que avanza con dificultad, que se detiene en exceso en las impresiones, en las sensaciones, pero que renquea cuando se trata de narrar algo de forma secuencial. Y que se remata con una abultada presencia de textos en el tramo final.

En pocas palabras, me ha parecido bastante plomizo. Alguien dirá que esa recuperación sentimental de la memoria (palabra fetiche donde las haya) no se presta a una narrativa espectacular, sino que se prima lo sentimental frente a la acción convencional. Yo lo dudo mucho. Estamos cansados de leer novelas gráficas con relatos autobiográficos más interesantes. Este año sin ir más lejos el fenomenal “Nieve en los bolsillos” de Kim. Que ya era mejor que el trabajo que realizó con Altarriba y que sí le valió el nacional. Y es, en mi humilde opinión, un tebeo que durará mucho más que este “Todas estamos bien”.

También se podría argumentar que es muy difícil crear una obra con abuelas, señoras mayores con sus despistes y enfermedades. Y es cierto pero resulta que en ese terreno contamos con una obra maestra, firmada por la dibujante americana Roz Chast. Me refiero a la extraordinaria “¿Podemos hablar de algo más agradable?” que Reservoir Books publicó en 2015. Contaba su experiencia como hija obligada a cuidar a sus padres al final de sus días. No se ahorraba ningún detalle. El resultado era una obra tan demoledora como realista, un trabajo verdaderamente duro, emocional y rotundo. A su lado esto no deja de ser un apunte, un capricho.

Mientras, Daniel Torres, sin duda el mejor dibujante de comic español en activo, sigue sin captar la atención del jurado nacional. Ya pasaron por alto su monumental “La casa” en 2015, su “Roco Vargas. Júpiter” en 2017. Y “Picasso en la guerra civil” este año. Ya comenté en su momento que me parecía irregular. Pero solo por su ambición y por las partes que funcionan ya vale bastante más que el trabajo de Ana Penyas. Obviamente, hay gente que no opina lo mismo.

     
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EL DÍA 3 de DURÁN, GINER BOU Y BALLESTER

Cristina Durán, Miguel A. Giner Bou y Laura Ballester 
Astiberri, 2018.
216 páginas, 18 euros.

VERSIONES OFICIALES
Esta reconstrucción del trágico accidente del metro de Valencia ganó el premio Ciudad de Palma de cómic en 2016. En ella se critica la posición adoptada por algunos políticos.

Escribo estas líneas a pocos días del decimocuarto aniversario del atentado del 11-M en Madrid, otro asunto que también presenta muchas zonas grises. Pero la indignación que llevó a muchos ciudadanos enfurecidos ante las sedes del PP en aquellos primeros días parece haberse desvanecido con los años. Aquí el asunto valenciano se aborda con un dibujo muy estilizado pero correcto. Hay dos secuencias al inicio que en cierta medida marcan el tono de lo que vendrá. Me refiero a la primera, con el padre dando de comer a las palomas, y la del accidente, con ese zoom al interior del túnel. Enseguida se adopta un aire muy documental que conmueve precisamente por su sencillez, con las llamadas al centro de emergencias y los primeros momentos de desconcierto. Pero nunca se abandonan del todo las metáforas visuales.

En la página 20 salen los responsables políticos y vemos que se les presenta como fregonas, figuras con tentáculos por cabeza. Chirría la primera vez y sigue haciéndolo a lo largo de todo el volumen. Cuando luego aparecen “el follonero”, Joan Ribó o cualquier político que no sea del PP los autores se aseguran de que se parezcan. Si son del PP son monstruos, esa es la idea que se traslada al lector. Después viene toda la explicación de las posibles causas técnicas del accidente, las declaraciones, la destrucción de pruebas y la construcción de la “versión oficial”. Toda esa parte es interesante y acerca la obra al género judicial, con pistas que seguir y misterios que desentrañar. Esos momentos en que se confrontan los argumentos del gobierno regional con las dudas razonables de los expertos son sin duda los más interesantes y provechosos del comic.

Pero lamentablemente no se sigue esa vía. Pronto nos damos cuenta de que si los responsables son como bestias lunares sin rostro, las víctimas a duras penas se individualizan. Están el padre y su hija, el padre y su hijo y poco más. Se nos dan los nombres de dos de los directores de la asociación de víctimas pero se insiste en el colectivo, en la fuerza del grupo. Lo cual supongo que políticamente tiene sentido pero narrativamente es letal, distancia del posible drama.

No consigo acabar de interesarme por unos personajes apenas esbozados y a los que se rodea de gusanos y otras sutiles alusiones gráficas. Si el énfasis no se pone ni en los protagonistas ni en los hechos desnudos ¿qué es lo que se nos cuenta?, se preguntarán. Pues básicamente el tebeo deriva hacia la agitación y la propaganda. Los responsables del PP son unos monstruos, los que los sustituyen unos santos. Los del PP estaban preocupados por la visita del Papa, los nuevos montan comisiones de investigación. Los de Canal 9 no hablan del accidente… hasta que casi pierden su puesto de trabajo, entonces dedican al suceso amplios publirreportajes. En fin, durante años la gente es idiota y no apoya a la asociación, pero entonces llega “el follonero” y consigue llenar plazas antes vacías.

Es indignante que gente que ha perdido a sus familiares en tan trágico acontecimiento, además deba soportar cómo se intentan ocultar las causas de ese drama. En un buen relato judicial (“En el nombre del padre”, “Algunos hombres buenos”, “Anatomía de un asesinato”…) tras la exposición de las pruebas se llega a alguna conclusión y se condena a los culpables.

Aquí la atención se centra en la rabia de unas víctimas a las que nadie escucha… que se desvanece en cuanto les empiezan a poner medallas y a sacarlas por la tele. En una pequeña nota al final se indica que el caso ha vuelto a ser archivado. ¿No era eso lo importante? Esclarecer la verdad, descubrir las razones últimas del accidente, decidir cuánto se podía haber hecho para evitarlo… o para que no vuelva a ocurrir. No es esa la sensación que transmite la obra. Más que a una verdadera preocupación por la justicia, asistimos a la instrumentalización política de unos hechos lamentables. O sea, más de lo mismo.
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EL ARTE DE CHARLIE CHAN HOCK CHYE de SONNY LIEW

Dib•Buks. Madrid, 2017.
320 páginas, 30 euros.

SINGA ¿QUÉ?

Entre los galardonados con los Premios Eisner de este año destacaba este volumen de Sonny Liew. 

Ganó en tres categorías: mejor edición americana de un material internacional (sección asiática), mejor diseño de publicación y mejor guionista-dibujante.

A pesar de que su tema y procedencia son bastante exóticos, Dib•Buks acababa de publicarlo en España. Así que me lancé sobre el volumen para disfrutar de sus virtudes, que debían ser numerosas. La decepción fue mayúscula. Reconozco las bondades de la edición, que imita una suerte de libro-catálogo que describiría toda la trayectoria de un imaginario dibujante de comics de Singapur, el Charlie Chan del título.

Se mezclan las historietas que habría dibujado a lo largo de su carrera, con constantes cambios de estilo, se incluyen pequeños episodios donde asistimos a momentos de su vida “real” o se simulan entrevistas, y se complementa todo con abundante material gráfico, portadas, ilustraciones, bocetos y otros. Visualmente el libro es rico y variado, con saltos constantes del color al B/N. A priori siempre son bien recibidos los relatos que nos permiten asomarnos a temas que desconocemos. Mi ignorancia sobre la historia de Singapur es monumental, hasta me costaría situarla en un mapa. Tengo cierta idea de que vive una gran prosperidad económica pero que le queda un largo camino por recorrer en temas de derechos civiles. Suponía que leyendo este libro me enteraría mejor de lo que pasa por allí. Me equivoqué. Después de leerlo me he quedado como estaba, si no peor.

No es un problema de dibujo. El arte de Liew es agradable y firme, imitando con seguridad los estilos de otros autores, de Walt Kelly a Frank Miller pasando por Frank Hampson, Carl Barks y otros muchos. El protagonista va descubriendo tebeos occidentales y los incorpora a su obra, saltando de formas más realistas a otras más satíricas y estilizadas, según van transcurriendo los años y las modas. No solo cambia de estilo, además se mueve de la realidad histórico-política de Singapur a su traslación-estilización en las distintas series que dibuja Charlie Chan.

Si ya es difícil seguir los vaivenes sociales de la ciudad-estado, imagínense si además hay que interpretarlos a través de sofisticadas fábulas que transforman a unos en animales y a los otros en invasores alienígenas. En resumen: la puesta en escena no es que sea complicada es que acaba resultando ininteligible. Perderse el trasfondo cultural del relato podría ser un problema menor si el héroe estuviera bien construido y nos preocupáramos por sus desdichas.

Pero ocurre que también falla por ahí. Pronto descubrimos que el verdadero centro de la narración es el fondo, no la figura. Y que esta no deja de ser poco más que una excusa para ir enhebrando sucesos históricos que se desea comentar. Así que a la confusión del fondo debe sumarse un protagonista desenfocado, a quien apenas le preocupa nada más que dibujar. No dudo que autores así han existido, y muchos. La edad de oro está llena de mulas de carga a las que el sistema explotó y luego olvidó. Pero para que eso nos interese como lectores hay que contarlo bien.

Charlie Chan acaba siendo algo así como un Pepito Grillo que irrita por sus constantes comentarios, capaz de arreglarlo todo salvo su propia y miserable vida. En general provoca indiferencia. Lo cual no deja de ser paradójico en un comic donde se supone que constantemente se abordan asuntos “relevantes”. Lamentablemente no consigue que lo parezcan. Las discusiones sobre raza, idioma, clase y desigualdades sociales acaban siendo tan liosas que nos dan igual. No dudo del talento de Sonny Liew pero a veces los listos se pasan de listos.


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LAMIA de RAYCO PULIDO PREMIO NACIONAL DE COMIC 17

Astiberri. Bilbao, 2016.
88 páginas, 16 euros.

ELOGIO DE LA VIOLENCIA

Lo reconozco: antes de que le dieran el premio Nacional de este año no había sido consciente de este tebeo. Me lo compré con escasas esperanzas. Las comisiones que otorgan esos galardones no destacan por su amor a los comics.

Me equivocaba a medias. Yo creo que en el año en que se publicaron álbumes como el último de Rocco Vargas, o la segunda parte de la epopeya revolucionaria de Zapico y, si me apuran, algunos de los tebeos de horror de El Torres, señalar Lamia como mejor obra es cuanto menos discutible.

Algunos de los ejemplos citados alcanzan la categoría de obras maestras o de trabajos con destellos de genialidad. La obra de Rayco es, como mucho, interesante. ¿Qué marca entonces la diferencia? Un valor tan inestable como irritante. Los comics de Torres o Zapico pueden considerarse de género (histórico o de fantasía), son trabajos con una clara voluntad clásica: contar una historia de la mejor forma posible. La obra premiada pretende justo lo contrario y por eso excita al sesudo jurado: usar el relato como mera excusa para un discurso formal pretendidamente innovador. También para soltar una diatriba ideológica supuestamente rompedora. Ni lo uno ni lo otro, en realidad.

Lamia parte de una estructura de thriller, con un asesino en serie como elemento central. Sobre esa capa negra se superponen otras, derivadas de la época en que se enmarca, una posguerra en la que el consultorio de Elena Francis ocultaba numerosos casos de violencia doméstica, aconsejando a las víctimas que se aguantaran. Aunque el conocido show radiofónico arrancó en el 47 y la acción del comic transcurre en el 43, es perfectamente reconocible. En ese programa trabaja la protagonista, una extraña mujer que se pasea fingiendo un embarazo inexistente. El dibujo remite a una sencillez propia de los años veinte, del primer Tintín o de algunos colaboradores del TBO. Esa aproximación tan fuera de la actualidad le da un toque irresistiblemente moderno. Más cuando a la limpieza de su muy contrastado blanco y negro se suma una estructura de página que llama la atención por su ritmo y variedad. Las figuras son un poco rígidas pero su simplificación geométrica es encantadora.

Tampoco está mal el desarrollo del argumento. Pronto se nos descubre que esa falsa madre es la verdadera asesina y solo resta explicar el porqué de sus actos. Aquí es donde todas las costuras de la historia empiezan a deshilacharse. Comparto la necesidad de recordar un periodo especialmente oscuro, como fue el de la posguerra, con unos niveles de represión sexual y de control de las costumbres por parte de la iglesia católica, difíciles de igualar. Así me lo han contado todos los que lo vivieron. Y algo de eso aparece en Lamia: las penalidades de unos homosexuales siempre ocultos, los sufrimientos de señoras casadas vapuleadas por unos maridos brutos como gorilas, curas con todos los vicios mundanos y policías corruptos y peores que los criminales. En fin, lo que esperamos de una buena serie negra, que actúe como reflejo de la sociedad que se desea criticar. El problema es cuándo se justifica lo mismo que se está cuestionando, en una curiosa vuelta de tuerca digo yo que posmoderna.

El otro día asistí a un aquelarre neo-feminista. En plena mesa redonda una de las ponentes declaró que la única respuesta a la violencia machista era la reorganización de las mujeres su (sic) “empoderamiento” y devolver a los hombres esa violencia que ellos aplicaban a las mujeres. Daba miedo. No quiero decir miedo físico ya que la doctora y master del universo que pronunció aquel alegato parecía una niña de doce años. Daban miedo las bobadas que se dijeron, por parte de unas personas que en pocos años estarán mandando en sus universidades correspondientes. Esta es un poco la sensación que se desprende de Lamia. Al final los horrendos crímenes que comete quedan sin castigo, pone una bomba en la emisora y se larga tan fresca. “Libertad de explosión”. O de cómo enfatizando la violencia de un lado se justifica la respuesta violenta del otro. Una es obscena y despreciable, la otra justa y hasta divertida. Ese empieza a ser el discurso dominante. No es nuevo. Al contrario, el ojo por ojo es viejo como el diablo. Y sus consecuencias muy conocidas… Leer más...

DITKO UNLEASHED NOMINADO A LOS PREMIOS EISNER

Fotografía de Alejandro Maestro

Como ya nos ocurriera en 2013 con Woodwork, Fréderic Manzano y yo hemos vuelto a entrar en las nominaciones a los Premios Eisner. Nuestro catálogo "Ditko Unleashed" se ha colado en la categoría Best Comics-Related Book. 

Los otros nominados son:

• Blanc et noir: takeshi obata illustrations, by Takeshi Obata (VIZ Media)
• Krazy: George Herriman, A Life in Black and White, by Michael Tisserand (Harper)
• The Life and Legend of Wallace Wood, vol. 1, edited by Bhob Stewart and J. Michael Catron (Fantagraphics)
• More Heroes of the Comics, by Drew Friedman (Fantagraphics)

Todo se decidirá en julio en la Comic-Con de San Diego. Hay otros seis españoles incluidos en diferentes categorías. ¡Suerte a todos!



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ANTICIPACIÓN PREMIOS DE CÓMIC

¡¡Felicitaciones a los premiados!!

En 2003 hicimos una expo sobre Rubén Pellejero en el Solleric.
En 2010 recibía el Gran Premio del Salón de Barcelona.

En 2006 hicimos una expo sobre Gallardo en el Solleric.
En 2014 recibía el Gran Premio del Salón de Barcelona.

En 2007 hicimos una expo sobre Ana Miralles en el Solleric.
En 2009 recibía el Gran Premio del Salón de Barcelona.

En 2011 hicimos una expo sobre Blanco en el Solleric.
En 2016 recibía el Gran Premio del Salón de Barcelona.

¿Quién será el siguiente? Leer más...

TANTE WUSSI - CIUTAT DE PALMA 14

Ayuntamiento de Palma y Dolmen editorial, 2015.
120 páginas, 16 euros.

INTERESANTE SIN INTERÉS

Recientemente Calpurnio se hacía con el Premio Ciutat de Palma de Comic 2015. Casi al mismo tiempo se presentaba la novela gráfica que había ganado al año anterior.

Tante Wussi se suma a la breve pero intensa lista de obras galardonadas con esta distinción creada en tiempos de la concejala de cultura Nanda Ramón y la alcaldesa Aina Calvo. En primer lugar Gabi Beltrán y Tomeu Seguí con la estupenda Historias del barrio, un conjunto de relatos breves que luego conoció una segunda parte y además ha sido traducido a varios idiomas. Se mantiene como el trabajo más redondo y una pieza a recordar y que por sí sola prestigia estos premios. En su segunda convocatoria ganaron Cosnava y Rubén del Rincón con Las damas de la peste, en mi opinión un trabajo fallido y poco memorable. Los relatos breves volvieron de la mano de Tatúm, que ganó adaptando cuentos de Bierce con energía y una saludable dosis de humor negro en otro comic perfectamente recomendable, El funeral de John Mortonson.

Katrin Bacher y Tyto Alba exploran un territorio similar al de Historias de Barrio, contando la historia de unos personajes reales, aunque con varias diferencias notables. La primera la estructura argumental, que abandona la parcelación en episodios breves para desarrollar una narración larga y continuada que se centra en las memorias de la protagonista, esa niña que da título al volumen y que además acaba de morir, después de ver trasladada su vida a viñetas. Es un trabajo respetable, no podía ser de otra forma habida cuenta de los momentos históricos que transita. Se nos habla de un fotógrafo alemán que en los años treinta se traslada con su familia a vivir a Mallorca. Luego les pillan sucesivamente la guerra civil y la segunda guerra mundial, cuando deciden volver a Alemania huyendo del conflicto español. Como la madre es judía ya pueden imaginar cómo esto afecta a las vicisitudes de los protagonistas. Por el camino se completan las andanzas familiares con ensayos sobre algunos aspectos concretos, como la presencia alemana o italiana en Mallorca o la persecución de los xuetas.

El dibujo deja un sabor agridulce en el balance final. Por un lado se reconocen sus agradables fuentes, de Sempé a Quentin Blake pasando por Grosz. Unas acuarelas muy sugerentes acompañadas de una trémula línea de tinta. En ocasiones el color consigue bonitas atmósferas trasladándonos a los momentos que describe el texto, a veces nos muestra el paraíso, otras el infierno. Pero falla en la definición de personajes, muy genéricos y poco diferenciados y eso en una obra con un trasfondo tan emocional como ésta no es un problema menor. Cuesta identificar a los protagonistas y aunque las ilustraciones tienen un encanto indudable, les falta eficacia narrativa.

Mis mayores pegas tiene que ver con la escritura. Vaya por delante que entiendo que se premien trabajos como éste. Y que considero necesario que haya autores dispuestos a conservar la memoria de algunas víctimas de la historia. Todo eso es muy saludable y debe hacerse. Lamentablemente se precisa algo más que buenas intenciones para contar una buena historia. Por ejemplo desarrollar personajes que capten la atención del lector. Eso sí lo conseguían Beltrán y Seguí en sus Historias de Barrio, pero no ocurre aquí. Un error que comienza a ser común, en aras del realismo se sacrifican otros componentes dramáticos, una característica que enlaza algunas de las novelas gráficas más aclamadas por la crítica, de Maus a Persépolis pasando por las obras completas de Joe Sacco. Personalmente, mi sensación es que toda esa tendencia nos acerca al documental y nos aleja de las verdaderas películas. Quizás deberían de indicarlo en las portadas. A mi hay documentales que me fascinan, pero no sería así si esperara ver una película. Por otro lado, lo que funciona bien en un audiovisual, un conjunto de imágenes explicadas por una voz en off, no es exactamente lo mismo en comic, ni el ritmo es igual. Así que en resumen todo lo que nos cuenta este Tante Wussi es muy interesante, pero a mí me deja completamente frío.
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LAS DAMAS DE LA PESTE de J. COSNAVA y R. del RICÓN

Dib•Buks. 2014
100 páginas, 16 euros.

CINE ESPAÑOL EN VIÑETAS

Finalmente se publica el segundo Premio Ciudad de Palma de Comic. La obra ha llegado con un enorme retraso y no creo que esa espera haya merecido la pena.

La participación como dibujante de Rubén del Rincón asegura una indudable calidad gráfica. Es un narrador vigoroso y atrevido, que no esquiva los puntos de vista más complejos y que exhibe un trazo veloz y descarado. Caracteriza bien a los personajes y sus escenas de acción son trepidantes, por ejemplo las primeras secuencias en las barricadas o la batalla aérea contra los stukas nazis.

El bitono está bien usado y sus negros se cargan de un adecuado dramatismo. La estructura del guión también es ambiciosa. La historia se cuenta a través de tres miradas, que coinciden en algunos momentos y en otros hacen avanzar el relato en nuevas direcciones. Se supone que cuando esos puntos de vista se solapan nos permiten apreciar matices o hechos que desde la otra posición no se podían advertir, enriqueciendo nuestro conocimiento de lo sucedido.

Las protagonistas son tres mujeres, tres chicas al inicio de la obra, que acaban envejeciendo y reencontrándose al cabo de los años. Sus nombres coinciden con las tres virtudes teologales: Fe, Esperanza y Caridad. Fe, después de un prólogo donde se imagina a Camus en la revolución de Asturias del 34, ocupa el primer capítulo, sin duda el más trepidante y mejor contado. Luego se pasa a Caridad, una suerte de fuerza de la naturaleza que se encama con hombres y mujeres y salta barricadas sin compresas… con sangrantes consecuencias. Luego les explica a sus alumnas que deberían celebrar su primera menstruación. La última parte se dedica a Esperanza, una lesbiana aviadora enamorada de Caridad. El epílogo nos devuelve a las tres amigas, que se reúnen en pleno Mayo del 68.

La tardanza que ha acompañado a la publicación de este libro parece obedecer a una doble causa. Por un lado retrasos en el abono del premio por parte del Ayuntamiento de Palma y, por otra, discrepancias en la elaboración del argumento. Así que sus aciertos y errores no son únicamente atribuibles al guionista, Javier Cosnava. Si el dibujante arregló o arruinó el original, no puedo saberlo, tan sólo juzgar unos resultados que considero muy irregulares. El álbum arranca con cierta fuerza, aunque las ensoñaciones camusianas son excesivamente literarias.

Cierto es que el escritor firmó una obra colectiva sobre la rebelión asturiana pero desde luego el tono general de esta novela gráfica es lo más anti-Camús que se pueda imaginar. No en vano él criticó públicamente los excesos y crímenes del comunismo y aquí se ofrece una visión absolutamente mitificada de la revolución.

Las heroínas son como Los Ángeles de Charlie en progre. Empiezan en el Octubre del 34, siguen en la Guerra Civil, participan en la IIGM y finalmente se unen a los estudiantes en el Mayo del 68. Frente a ellas siempre el mismo enemigo: los fachas, el capitalismo, los reaccionarios, etc. Por supuesto, sin el menor asomo de autocrítica. Que los mineros se alzaron contra un gobierno legítimo se olvida o simplemente se soslaya afirmando que eran “los fascistas de Gil Robles”; se salta por encima del pacto nazi-soviético, definiendo a Francia como “un país de derechas”; y, por supuesto, se mitifica el Mayo del 68 apelando a la unión de obreros y estudiantes, unión que no recuerdo se produjera nunca. En cambio de los coqueteos de los universitarios con el maoísmo no se dice nada. Lo que es aún peor, se justifica todo ese discurso con escenas tan melodramáticas y efectistas como la del camión con los niños que se despeña dejando un reguero de criaturas voladoras.

Hay matices, por supuesto. Convertir a la lesbiana en amante de una oficial nazi tiene cierta gracia. Pero esa y otras anécdotas se diluyen en el conjunto de una narración empapada en ideología y que apenas presta atención a la humanidad de sus protagonistas. Compruebo con sorpresa que cuando el cine español casi había conseguido desprenderse de su obsesión guerra civilista el comic parece dispuesto a tomar el relevo. Pues que se preparen a perder los pocos lectores que todavía les quedan.
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HISTORIAS DE BARRIO, CAMINOS de BELTRÁN Y SEGUÍ

Astiberri, 2014
160 páginas, 18 euros

CAMINOS Y CRUCES

En 2011 Seguí y Beltrán ganaban el primer Premio Ciudad de Palma de Cómic. En su momento se publicó en español y catalán. Ahora nos llega su segunda parte, Caminos.

Se repite el mismo reparto de tareas. Beltrán escribe y da color y Seguí se encarga del dibujo que, como en el primer libro, es excelente. Ya en su momento apunté que el dibujante vive una “plateada” madurez y este nuevo trabajo lo confirma. Además, cansado de que le digan que no sabe dibujar chicas guapas, aquí demuestra que con el esfuerzo vienen las recompensas y nos ofrece un sólido conjunto de bellezas.

El dato no es frívolo ya que resulta pertinente que el lector entienda la fascinación del protagonista por ciertas féminas a las que apenas llegará a conocer, como la que da nombre al episodio “La loca” o la perturbadora “Pamela”, una lolita con mucho peligro. Todo en el dibujo funciona a la perfección: la caracterización del variado reparto, la ambientación, las expresiones de los personajes, la narrativa… Seguí nos transporta a la Palma de los ochenta y de su mano somos testigos de los pequeños o grandes conflictos que viven sus antihéroes.

A su lado está Beltrán, de cuya cabeza surgen estas historias. Como es público, son autobiográficas y en ellas el autor insiste en la idea de que hasta los destinos más predeterminados por las circunstancias pueden torcerse y reinventarse. No ha dudado en presentarse a sí mismo como un ejemplo de redención por la cultura. En un afortunado momento de su vida, los libros se cruzaron en su camino y le permitieron huir del barrio. Aunque, según él mismo ha declarado en entrevistas, “el barrio siempre va dentro de ti”. Nunca he creído mucho en lo de la música que amansa a las fieras. No hace falta recordar a los nazis amantes de la música clásica para comprender que las fronteras que mantienen nuestra civilización en pie frente a la barbarie son frágiles y que en ocasiones nuestros mandarines culturales han sido los primeros en chapotear en el barro.

Con todo, hay que creer que en este caso la fórmula amiga sofisticada sumada a libros interesantes sí funcionó para Beltrán y aquí está para contarlo.

Ya comenté con motivo del primer libro que se medía con algunos ilustres antecedentes como Barrio de Giménez o episodios de Contrato con Dios de Eisner. Todas ellas son historias de iniciación en las que sus jóvenes protagonistas reciben las primeras lecciones sobre la vida, la muerte, la violencia y el sexo. Si los aspectos sociales eran casi un telón de fondo en la primera entrega aquí se acentúa esa sensación y el énfasis se pone en las reacciones sentimentales, en el aprendizaje emocional. En ese sentido el héroe pasa de ser alguien sin apenas empatía a otra persona capaz de sentir… más o menos. Fiel a ese carácter de libro juvenil la puesta en escena evita la presentación directa de los asuntos más escabrosos y se muestra especialmente contenida en todas las escenas de violencia y sexo. En el segundo caso resulta efectivo ya que esa ausencia refuerza el carácter imaginario de las relaciones sexuales de los personajes. En muchos casos se trata de deseos, de anhelos no satisfechos, bien por inexperiencia o simplemente por lo inapropiado de las circunstancias. La fascinación que despierta Pamela en el héroe está perfectamente expresada, también la sofisticación que rodea a la mujer que le echa una mano o la ternura de las putas en el breve pero intenso cuento de Navidad.

En cambio la representación de la violencia es más fallida. Al evitar su visualización en “Matemáticas” en cierta medida se desdramatiza, pierde intensidad y se diluye en los textos. Todo se reduce a una fábula sobre el valor de cuatro contra muchos. En “Coma” también hay cierta desaparición de la brutalidad, cuando la madre golpea a su hijo. Sólo vemos cómo él recibe los golpes y eso no impacta, resulta teatral. Peor aún, al producirse el arrebato de furia tras un robo, la paliza no tiene tanta fuerza como si hubiera estallado sin razones aparentes, debido al carácter neurótico de la madre. Así, parece más una reacción desmesurada que un acto gratuito y absolutamente reprochable.

Como en el primer libro, sigo notando mucho la voz del narrador, que impone su visión acerca de unos hechos que en muchos casos entendemos perfectamente y hasta mejor sin sus explicaciones. Pero de nuevo Beltrán y Seguí han firmado un trabajo interesante y lleno de momentos emotivos, con personajes demasiado humanos y pasajes realmente intensos. Seguro que algún profesor se lo recomendará a sus alumnos para que estén al loro de lo que les espera antes de convertirse en adultos.
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NOVELA GRÁFICA: EL FUNERAL DE JOHN MORTONSON de TATÚM

Edicions de Ponent. 2014.

LO BUENO SI BREVE...

Una de las razones por las que me molestan las novelas gráficas es su longitud. Un pestiño corto es llevadero pero cuando se prolonga más allá de las doscientas páginas se hace insoportable.

No ocurre así en el caso que nos ocupa, el tercer premio Ciudad de Palma de Comic que, como sabrán, se ha presentado antes del segundo. Durante el pasado Comic Nostrum se anunció la próxima publicación de este último, dicen que para antes de que acabe el año. Parece ser que ciertas desavenencias entre guionista y dibujante han propiciado tanto retraso. Tatúm, que firma el conjunto de adaptaciones con las que ganó esa tercera edición del premio, no tenía esos problemas. Su guionista está muerto, una desaparición que Fuentes noveló en su pesadísima Gringo Viejo y que luego saltó al cine en una película algo mejor pero tampoco especialmente memorable. Eso sí, Gregory Peck, como siempre, cumplía haciendo de Ambrose Bierce. Y es que este volumen agrupa un conjunto de relatos breves del clásico novelista americano, adaptados al comic con fuerza y humor por Tatúm. Este dibujante argentino forma parte del paisaje comiquero de las islas desde los ochenta, cuando comenzó a colaborar con varios periódicos locales y algunas revistas nacionales. Yo siempre cito la historieta de la gorda que apareció en Cairo pero sus revisiones salvajes de Phantom también eran memorables. Luego se dedicó a otros menesteres mejor remunerados hasta que la crisis lo ha devuelto a las viñetas.

Tatúm mantiene algunos rasgos de los ochenta, sobre todo en el dibujo, una fiereza y una espontaneidad que nos indican que en él prima siempre lo narrativo frente a lo decorativo. Sus personajes tienen los dientes apretados y la mirada fija y su trazo es tan seguro como torpe su estructura de dibujo. Tatúm no sabe dibujar ni falta que le hace. Tiene cosas que contar y urgencia de hacerlo así que no se anda con florituras. El color aporta unidad y coherencia a un álbum tan veloz como eficaz. Su arte se ajusta muy bien a los textos que le sirven de base. Tan sólo en un caso siento que otro estilo habría convenido más. Curiosamente, es el que da título al libro. Todos los cuentos comparten una característica: son de miedo pero también de humor. Y el del funeral es quizás el único básicamente de horror, sin mayores bromas. Así que la farsa la ponen los coros de Tatúm, con sus reacciones histéricas y sus movimientos acompasados. Pero la médula de la historia y su final son de puro terror. Y así como todos los episodios nos hacen volver a los setenta, a las revistas de miedo de Warren, éste además nos los imaginamos dibujado por Wrighston, Heath, Severin o Corben, con algo más de realismo y chicha terrorífica.

Pero como ya digo es el único caso. El resto funcionan como la seda ya que, como indica Pere Joan en el excelente prólogo, el “maridaje” entre el estilo de Tatúm y la ironía de Bierce es perfecto. El humor negro del primer relato o de la titulada “Padre e hijo” es ingenioso y brutal. Y aunque me gusta en general la brevedad de todas las historias, “Parker Adderson filósofo”, la más larga, está muy bien contada y mantiene el ritmo hasta su adecuado final. Es un trabajo muy recomendable.

Si este nuevo Ciudad de Palma está a la altura del primero, lo mismo puede decirse de las renovadas jornadas Comic Nostrum, que mantienen la calidad apuntada desde que iniciaran su renovación hace dos años. El salto al Baluard les ha sentado muy bien y las intervenciones en las distintas salas fueron justamente comentadas. Por tamaño y simpatía yo me quedaría con la de Seguí, que la dirección del museo debería plantearse mantener, ya que mejora y mucho la pieza original. También quiero citar la de Alex Fito, de un minimalismo tan narrativo como eficaz. Y lo de Ata, una broma a costa de Picasso que realmente tenía mucha gracia. Se prestó una especial atención a diversas creadoras locales, como Catalina Rigo, que se puso al frente de los bocetos urbanos, Marta Alonso Berná que presentó su perrito de mierda o Marga Vinyes con su adaptación de Maria de Coanegra. Aunque el verdadero factor femenino, que diferencia a este Salón de la mayoría, es que su director ejecutivo no es Seguí, que como dibujante y premio nacional da la cara ante los medios. La que realmente organiza, distribuye, ordena y manda y además muy bien es su mujer Sonia Delgado. Ha puesto a todo el Cluster a trabajar y lo ha hecho con decisión y firmeza. No le gusta perder el tiempo con tonterías y eso se agradece y se nota en los resultados. Espero que siga al frente del evento unos cuantos años más. Leer más...

LA CRÓNICA DE LEODEGUNDO. VOL.2 de G. MEANA

Edicions UIB,
SD distribuciones 2014.
248 páginas. 28,50 euros.

CONEJOS Y ELEFANTES

En la producción balear de tebeos tienden a confluir la iniciativa pública y privada, lo que ayuda a entender que se publiquen muchas historietas con un sentido eminentemente educativo y divulgativo.

La reducción en los últimos años de las ayudas institucionales debido a los ajustes, explica también algunas ausencias. La más sonada, la de la revista Esquitx, donde tantos autores dieron sus primeros pasos. También parece haberse esfumado el segundo Premio Ciudad de Palma de Comic. Y no me refiero al que este año ganó Tatúm (a quien felicito desde aquí), sino al del año anterior, Navarro y Del Rincón. ¿No debía haberse editado su novela gráfica? Parece que los pagos que tendrían que haber garantizado esa producción no se ajustaron a los plazos. Empezamos a acostumbrarnos a los retrasos. En diciembre se publicaba el catálogo dedicado a Russ Heath, preparado un año antes para venderse mientras la exposición Flesh & Steel permanecía abierta en el Solleric. Finalmente se edita en una tirada limitada que al menos adelanta por poco a su versión americana, a cargo de IDW. Mientras, la muestra dedicada a Seguí no acaba de llegar.

La ralentización de las actividades relacionadas con el cómic del Ayuntamiento de Palma otorga un mayor protagonismo a otras instituciones. Destaca el Institut de Estudis Balearics. Pagó la exposición Herois, que se pudo ver en el pasado Salón de Barcelona y que todavía pasea por las islas, acompañada de un vistoso catálogo. Llevan tiempo colaborando con Dolmen, la editorial de comic más activa de las islas. Más allá de sus productos zombis, están detrás de prácticamente cualquier publicación comiquera, en muchos casos acompañando a uno o varios organismos públicos. Como en Rosselló-Porcel, les ales trencades, un bonito libro dedicado al poeta, escrito por A. M. Planas y dibujado por Vaquer y PepMi Garau. Textos breves acompañados de ilustraciones en bitono, aunque Rafa no se resiste a introducir bocadillos y algunas viñetas que aligeran la lectura. Mezcla sus humorísticos personajes perfilados a lápiz con nostálgicas aguadas jugando con una estética de fotografía antigua muy eficaz.

 En una línea muy diferente la serie Balears, abans i ara alcanza el cuarto volumen, dedicado a la dominación romana. Quim Bou se esfuerza por reconstruir el vestuario, la arquitectura y hasta el olor de la época. En ambos casos hablamos de productos donde la divulgación de los hechos históricos pesa más que el drama. Historietas pensadas como herramientas educativas, para favorecer el acercamiento a diversos aspectos de la cultura local. En ese sentido son impecables, aunque es posible que para un lector habitual de comics resulten un tanto planas, con mucha gimnasia y poca magnesia.

Según leemos en prensa, el IEB mantiene su compromiso con el medio y algunos de sus técnicos viajarán a festivales como Anguleme o San Diego. Espero que pronto podamos leer los informes con los contactos o las ventas de proyectos mallorquines conseguidas en esas convenciones. También pagan la adaptación de la novela de Cristóbal Serra, Viaje a Cotiledonia, que ya ha empezado a dibujar Pere Joan.

EL LARGO VIAJE DE TEUDÁN

El servicio de publicaciones de la UIB avala la obra más interesante editada en las islas. El primer volumen de La Crónica de Leodegundo se convertía el año pasado en un insospechado éxito en la Feria del Libro de Madrid, en el terreno de las publicaciones universitarias, donde sólo era superado por un libro dedicado al Bosón de Higgs. Ahora aparece el segundo volumen, con una calidad aún superior a la de la primera entrega. Si en el último capítulo de Balears, abans i ara la captura de un conejo sirve como excusa para un largo paseo por la villa de Pollentia, el héroe de Meana abandona su Asturias natal y se dirige hasta Bagdad donde espera encontrar un mítico animal, una bestia a la que llaman elefante. Esta metafórica diferencia de dimensiones define bien la distancia que separa La Crónica de otros tebeos históricos locales, incluso de aquellos realizados con tanta dignidad como la citada obra de Quim Bou.

Meana se preocupa por el detalle de sus reconstrucciones como el que más y basta leer los apéndices del segundo tomo para comprobarlo. Pero eso no anula lo que realmente le preocupa: la peripecia vital de sus personajes, la elaboración de historias que instauran una nueva realidad. Su visión es totalizadora y envolvente, arrastrándonos al interior de los hechos históricos. La Crónica no se lee, se habita.

Es imposible abordar el segundo tomo si no se refresca antes lo sucedido en el primero. Hagan como yo y relean ese primer volumen donde se nos contaban las andanzas de Liuva, noble godo que acompañó a Pelayo y a Rodrigo en la batalla de julio de 711. Liuva es hecho prisionero mientras lo que queda de su familia escapa con Pelayo al agreste reino de Asturias. En lo que es el primero de un espectacular conjunto de saltos espacio-temporales, pasamos de una maravillosa vista de los Picos de Europa a una lujuriosa escena de cacería cerca de Damasco. Todo ello acompañado de la precisa y poética prosa del autor, que se desborda en unos textos de apoyo elegantes y muy bien escritos. Liuva participa en el sitio de Constantinopla y vemos cómo las batallas entre mortales tienen un correlato en el mundo de los genios y demonios. Para Meana las creencias de la gente conforman otro tipo de realidad que también debe estar contenida en todo relato histórico. Liuva acaba como esclavo en Constantinopla y aprende algunos de los misterios del hermetismo ofita. Finalmente consigue retornar a Asturias con los suyos. Se desmitifica la batalla de Covadonga y la muerte de Fáfila se presenta como un episodio más de una intensa contienda entre los viejos dioses y el nuevo credo cristiano. Luego viene el convulso reinado de Alfonso I, que conlleva un nuevo alejamiento de Liuva. En el maravilloso episodio “Malik de la ciudad inconclusa” asistimos entre otros muchos sucesos al virtual exterminio de la dinastía Omeya. De vuelta a Hispania, Liuva apoya a su hijo Leodegundo como aspirante al trono del reino de Asturias, con trágicas consecuencias debido a la brutalidad y falta de escrúpulos de sus antagonistas.

El arranque del segundo volumen exige no pocos esfuerzos por parte del lector para no perderse en la maraña de personajes y las complejas intrigas, pactos y traiciones que los entrelazan. En compensación, el dibujo mejora mucho y las caracterizaciones son rotundas, ayudando a diferenciar a los protagonistas. La visualización de las batallas es antológica. Además, algunos de los enfrentamientos más épicos coinciden con el ascenso al poder de Alfonso II, momento en que el argumento se simplifica y resulta más fácil seguir la acción. Como siempre, Meana mezcla lo divino y lo humano y las matanzas en el suelo son tuteladas por una auténtica aviación de bestias semi-divinas que nos sobrecogen realzando el drama.


Este segundo tomo agrupa la mitad de los álbumes dedicados a Teudán, cuyas aventuras se completarán en el siguiente. Es uno de los nietos de Liuva, un joven deseoso de recorrer el mundo para tener vivencias tan intensas como las de su abuelo. El destino se burla de él cuando es destinado como embajador a la corte de Carlomagno. Allí su relación con una de las hijas del monarca le obliga a salir corriendo hacia oriente. Meana aprovecha una increíble parada en Pérgamo para demostrarnos lo mucho y bien que dibuja. Como colofón tenemos un descenso aéreo sobre Bagdad absolutamente estremecedor. La habilidad del autor con las viñetas panorámicas queda demostrada en una larga secuencia al final, una visita a Bagdad que constituye una de las mejores representaciones visuales del poder que recuerdo. Y Peter Ustinov aparece como secundario de lujo.

En fin, en anteriores ocasiones he criticado la rigidez de las figuras de Meana, o la complejidad de sus argumentos, que exigen una atención extrema por parte del lector. Pero cada vez que leo y releo su trabajo la importancia de esos asuntos disminuye. Porque descubro nuevos detalles, matices que enriquecen una obra de una ambición y elegancia sin parangón en la historia de la historieta española. No sólo por sus evidentes virtudes históricas, por su labor documental y de investigación, que son innegables y de un nivel muy superior a la media. Sobre todo por algo que he mencionado de pasada: La Crónica es un universo perfecto en sí mismo, una visión de nosotros mismos, de lo que como humanos somos capaces de hacer, un discurso sobre la ambición, la nostalgia, el amor y también el odio. Una obra total y de cuya edición la Universitat de les Illes Baleares puede sentirse extremadamente orgullosa. Corran la voz. Leer más...

MIÉRCOLES de JUAN BERRIO

Sin sentido. 
Madrid 2012.

ENCADENADOS

Juan Berrio ganaba el pasado año el Premio de Novela Gráfica patrocinado por FNAC y Sins Entido. Su obra homenajea al cineasta francés Tati.

Se narran las acciones de un grupo de personajes a lo largo de un día, ese “miércoles” que titula el libro. Amanece y se presentan los héroes: primero una pareja, de ella pasamos al vecino, luego un matrimonio, el que se cruza en la calle, etc. En los filmes de Tati, a quien el autor cita de forma bastante explícita, lo más característico era la visualización, la construcción de secuencias casi mudas, olvidando en parte las estructuras dramáticas.
Berrio hereda esa idea y la aplica hasta la extenuación. El problema en ambos casos es el ritmo. Se entenderá mejor si comparamos estas obras con sus claros antecedentes: los clásicos del cine mudo americano. Allí también resultaba prodigioso el carácter autónomo de las imágenes. El placer de su contemplación no se deriva de narración alguna sino de la articulación de sucesos eminentemente visuales. Pero, en general, su ritmo es perfecto, incesante. Con Tati ya tengo mis dudas y la última vez que vi “Mi tío” me resultó bastante plomiza, más allá de sus genialidades en contra de la arquitectura moderna. Mejor recuerdo guardo de “Día de fiesta” o “Las vacaciones de Mr. Hulot”, aunque tendría que revisarlas.

Quiero decir que cuando los aspectos visuales son los encargados de empujar la narración hacia adelante, hay que manejarlos con cuidado, sin caer en la tentación de encadenar sorpresas y casualidades para distraer al lector. Al final lo que tenemos es un conjunto de anécdotas mal articuladas y un grupo de personajes muy peculiares pero en absoluto atrayentes. Mucho “Amélie” y poco “Hulot”. Lógicamente, si les gustó el pastelazo de la Tautou, éste es su tebeo. Personalmente sólo me pareció soportable la música, el resto era cursi y enfático hasta la náusea. Sensaciones parecidas a las que me provoca el trabajo de Berrio, un autor a quien respetaba por sus cuentos infantiles y su labor como ilustrador. Pero creo que el salto al gran formato se le ha atragantado. Lo que debería resultar ligero y encantador es ñoño y reiterativo.

No había prestado mucha atención a los galardonados en este concurso, que el año pasado ganaba Sento. Llevan desde 2007 convocándolo y creo que sólo he leído éste de Berrio y el de Mireia Pérez, que es del año anterior (2011). “Miércoles” es, en mi opinión, aburrido y blandito, pero al menos su dibujo es agradable y no molesta. Pero es que “La muchacha salvaje” es horriblemente malo. Ofende su falta de calidad. Supongo que es el precio de la modernidad. Si no se desea premiar nada convencional debemos sumergirnos en áreas donde todo chirría. Sumen un dibujo perrero con un guión para subnormales y unos acabados espantosos y obtendrán un premio seguro. Ánimo.

La FNAC llamaba la atención porque permitían a la gente sentarse en suelo y leer tranquilamente los tebeos. Una estrategia que debió funcionarles porque mantuvieron las secciones de comics y las reforzaron. Ahora mismo muchas librerías se han visto obligadas a imitarlos, abriendo huecos en sus estanterías a la narrativa gráfica. Pero con tebeos como estos van a conseguir espantar a los lectores más recalcitrantes. Yo desde luego tardaré en acercarme a otro Premio FNAC-Sins Entido. ¡Lagarto, lagarto! Leer más...