viernes, 24 de mayo de 2019

KAZUO KOIKE RIP MANGA

Kazuo Koike fallece 17 abri l2019 manga

EL DEBER CUMPLIDO
Escribo esto un 8 de mayo, el día en que Kazuo Koike habría cumplido 83 años. Lamentablemente el venerable guionista japonés nos dejó un poco antes, el pasado 17 de abril de 2019.


Se va uno de los grandes, a la altura de Kurtzman, Hergé, Goscinny, Berardi o Holdaway.

Participó en series de televisión, escribió algún guión para Marvel, fundó una escuela de manga por la que pasaron figuras tan relevantes como Rumiko Takahashi y colaboró con múltiples dibujantes. En España lo descubrimos en 1992, durante la primera oleada japonesa, con “Crying Freeman”, que luego sería adaptada al cine. Reconozco que aquella historia de yakuzas con genitales vaporosos y dibujos a cargo de Ryoichi Ikegami no me pilló. Pero ahora mismo solo pienso en revisarla.

En 2003 se publicó “El lobo solitario y su cachorro”, la saga que nos demostró hasta dónde podía llegar el talento de Koike. Además allí le acompañaba otro creador notable, el especialísimo ilustrador Goseki Kojima. La serie venía precedida por una fama mundial y no defraudó.


En años posteriores se fueron editando muchos de sus trabajos. Reconozco cierta pereza a la hora de abordar aquellos no ilustrados por Kojima, como “Lady Snowblood” (publicado en 2006) o “El nuevo lobo solitario y su cachorro”•(en 2016). También me costó hincarle el diente a sus delirios mitológicos, su versión del rey mono, “Son Goku” (2016) o “La leyenda de Kujaku” (2017).

El resto de su producción es tan disfrutable que ahora mismo corro a conseguir los volúmenes que me faltan, porque seguro que contendrán elementos de interés que no supe apreciar en su momento. Empezó a publicar en los setenta y estuvo escribiendo prácticamente hasta el final de sus días. Aquí conocimos su trabajo de forma desordenada y una buena parte todavía permanece inédita.

Kei manga de Kazuo Koike RIP Obituario 2019
Es justo recordar que en los últimos años nos pegamos un verdadero festín de obras de Koike y Kojima. En muchas teníamos esa sensación que a veces nos invade con las películas de Ford o de Berlanga.

Que aunque las situaciones y los tiempos cambien, siempre encontramos la misma troupe de personajes.

Los guiones de Koike trazan una geografía familiar en la que los personajes de una serie se pasean por el fondo de otra. Y todos comparten una misma responsabilidad, una misma fuerza vital. El autor defendía que eran los personajes los que construían las historias, un principio que comparten muchos grandes guionistas. Los hechos no importan, cuenta la caracterización, la capacidad para insuflar vida en esas creaciones de papel. Koike tenía ese don.

Tanto en “Asa, el ejecutor”, “Hanzo. el camino del asesino”, “El hombre sediento”, “Kei”, “Kasajiro, el clava-tatamis” o en “Llegó la primavera” descubrimos a personajes profundamente humanos, que padecen, aman, luchan y aprenden con fiereza. Y que además comparten un inquebrantable sentido del deber que les permite aportar algo de sentido a sus difíciles existencias.

Los héroes de Koike se enfrentaban a las más duras pruebas con la mirada serena del samurai. En muchos casos esos principios eran negados por una realidad corrupta y amoral. Son en general vasallos con señores que no merecen a tan leales servidores. Aunque no en todos los casos. Uno de los aspectos llamativos en “Hanzo” era la admiración mutua que el ninja y su señor se profesaban y cómo uno aprendía constantemente con el otro.




Otro asunto digno de mención era el tratamiento de las mujeres. Por un lado abundaban en la obra de Koike las escenas de amor apasionado, en eso era un digno hijo de los setenta y nunca dudó a la hora de mostrar los sentimientos y la violencia implícitos en el sexo. Sus personajes hacen el amor como pelean: a vida o muerte. Sentía una genuina compasión hacia las mujeres que sufren. Podía describir a auténticas brujas, Lady Macbeths capaces de las mayores atrocidades. Pero también era muy capaz de explicar el dolor femenino ante los abusos de algunos hombres. Para recordar la escena en que el héroe se ponía a llorar ante un grupo de fulanas, conmovido por sus padecimientos cotidianos. Los sentimientos, en Koike, siempre eran más grandes que la vida.

Ya solo nos queda revisar todo lo que no leímos en su momento y recuperar sus últimas series, como “Shingen Takeda. El tigre de Kai” o “El Carterista” (ambas publicadas en 2017), confiando en que durante los próximos años continúen llegándonos trabajos inéditos de Koike.

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viernes, 17 de mayo de 2019

5 CÓMICS DE GÉNERO 2019

GÉNERO FLUIDO
En el pasado referirse a “cómics de género” suponía hablar de superhéroes, romance, terror, oeste o histórico. Hoy los “cómics de género” se han convertido en otra cosa. Veamos algunos ejemplos.

Muchas series que nacen en las galaxias digitales tienen como público base a un contingente tan sectorializado como entusiasta. Ese apuntar hacia la minoría permite la aparición de propuestas muy diferenciadas que en ocasiones no consiguen dar el salto hacia audiencias más amplias.

DOLORES Y LOLO

Ivan Batty y Mamen Moreu
Astiberri, 2019
106 páginas. 16 euros

Las estanterías de las librerías se llenan de títulos que narran las peripecias emocionales o sexuales de jóvenes creadores que se dirigen a sus correligionarios. Esa sensación se desprende de la propuesta del guionista Ivan Batty y la dibujante Mamen Moreu. Por un lado el mundo que describen en “Dolores y Lolo” nos remite a los ambientes de los primeros “Víboras”. Una bohemia barcelonesa en aquel momento más interesada en la droga y el sexo que en el “prusés”.

Ahora como entonces se nos habla de micromundos llenos de jóvenes sin futuro, condenados aparentemente a vivir con sus padres o abuelas y empeñados en transformar las costumbres establecidas. Al final dedican mucho más tiempo a esas neo-relaciones que a buscar trabajo, así que no extraña que vivan en una permanente precariedad.

Aquí de nuevo nos acordamos del “Víbora”, donde los nuevos héroes eran básicamente delincuentes que justificaban sus fechorías despotricando contra el sistema. La diferencia más apreciable tiene que ver con el nivel de prédica. No recuerdo que el Niñato perdiera mucho tiempo criticando el capitalismo. Lo suyo era más bien la acción directa y el cóctel molotov.

Los protagonistas de “Dolores y Lola” no parecen proclives a ninguna revolución que no rime con revolcón. Respecto al poliamor que defienden, eso no les impide quejarse cuando a sus novias compartidas les salen nuevas novias, con lo que se repiten situaciones que esta nueva moral afirmaba haber dejado atrás. Poca novedad, pues. Al principio quizás sorprende un poco esa prota con novia y follamigo pero luego, en ese infinito revuelto de gays, lesbianas y amigos con derecho a roce todo acaba pareciendo lo mismo y aburriendo. Porque ese es el mayor pecado de una obra que se pretende de humor. Que tiene muy poca gracia. Se siente.



Llamadme Nathan de Catherine Castro y Quentin Zuttion edita Astiberri
LLAMADME NATHAN

Catherine Castro y Quentin Zuttion
Astiberri, 2019
144 páginas. 18 euros

En una clave muy diferente se sitúa “Llamadme Nathan”, una aproximación realista a la trayectoria vital de un chico que ha nacido en el cuerpo de una chica.

Los autores no van de bromas y narran el drama de ese protagonista que debe situarse y situar su propio cuerpo frente a sus padres, sus amigos, su hermano y el resto del mundo, en un proceso complicado y muy doloroso.

Especialmente eficaz la página en la que se describen las operaciones a las que debe someterse y se indica hasta el coste de cada uno de los procesos. Quizás en su conjunto no constituya una narración inolvidable, pero es un trabajo necesario y honesto. Y muy pedagógico, el libro que todo padre debería leer. Y unos cuantos familiares y amigos.







Heathen de Narasha Alterici, edita Astiberri - comic lesbianas vikingas
HEATHEN

Natasha Alterici
Astiberri, 2019
112 páginas. 16 euros

“Heathen” sobre todo apuesta por la normalidad.
Una línea que los comics mainstream llevan años recorriendo, al menos desde que Barr y Bolland presentaron sus heroinas lesbianas en “Camelot 3000”. Luego Marvel y DC fueron sacando a algunos de sus supertipos del armario y en la actualidad es casi más noticiable que un héroe se mantenga hetero que lo contrario.

Pero no todo es normalidad en este moderno cuento de lesbianas vikingas. También se denuncia el carácter subversivo de toda tendencia sexual enfrentada a “lo normal”. Así que cuando la prota es pillada besuqueándose con una amiga puede elegir entre buscarse un novio o ser ejecutada. Su enrollado padre la salva y ella inicia una búsqueda que la llevará a encontrarse con unas valkirias muy sexys. O algo así.

El gran problema aquí no es que a la prota le gusten las chicas. El gran problema se llama Simonson, el tipo que desmontó el mito de Thor, lo volvió a montar, para volver a desmontarlo y en la actualidad sigue jugando con él.

Nadie como el viejo Walt sabe conciliar lo épico, lo humorístico y lo dramático en tebeos siempre satisfactorios, siempre diferentes. Y lo hace con un dibujo especial y muy personal. Natasha Alterici lo intenta en “Heathen”, pero comete varios errores gráficos. Como es su afición a emplear modelos anoréxicas ligeras de ropa, que dan un poco el cante en una saga nórdica como esta. Entiendo que es una fábula y habrá quien ame la artificiosidad de su propuesta. No es mi caso. Creo que el guión no está mal construido pero la puesta en escena es endeble y el ritmo dubitativo. Creo que debería de mejorar las bases de su oficio.





Millar, Torres y Gianfelice  Jupiter’s Circle
JUPITER'S CIRCLE

Millar, Torres y Gianfelice
Panini comics, 2019
144 páginas. 15 euros

Lo peor de “Jupiter’s Circle” es que no cuenta con el dibujante regular de la saga, Quitely, que ha pasado a encargarse solo de las portadas. Es una notable ausencia ya que sus personajes son siempre muy expresivos y su narrativa impactante. Quienes le sustituyen son limpios y elegantes, pero no nos ayudan mucho a diferenciar a los numerosos personajes y eso hay momentos en que constituye un problema.

Millar como siempre cumple al guión. Fabrica una suerte de “Watchmen” para la serie principal, imaginando cómo sería ser superhéroe en los cincuenta. Hay dos o tres episodios extraordinarios, como el de los amigos compitiendo por la misma chica o el del héroe casado que se echa una novia jovencita, abandonando familia e hijos. Parece el guión de una peli de Sirk, un planteamiento que muy pocos osarían abordar en la actualidad.

El guionista sale bien parado. Y finalmente firma un muy interesante capítulo dedicado a un protagonista gay que sufre bajo el peso de una doble ocultación. Debe esconder sus poderes y además su orientación sexual. Hasta que entra en escena el malvado Edgar Hoover y le chantajea. Más allá de anecdótico final Millar maneja muy bien la crisis vital del personaje, que se debate entre desvelar sus secretos o evitar el escándalo a sus familiares y amigos. Afortunadamente algunas sociedades han conseguido dejar estos oscuros tiempos atrás.



JIMMY'S BASTARD

Garth Ennis y Russ Braun
Planeta comic, 2019
144 páginas. 15 euros

Por último, tras revisar los universos del poliamor (bisexuales por naturaleza), las reivindicaciones gays y las reflexiones trans, queda por ver qué pasa con los maltrechos restos del heteropatriarcado. Garth Ennis tiene la respuesta en su última parodia, “Los bastardos de Jimmy”.

El protagonista es un trasunto de James Bond, trasladado a la actualidad porno-digital. ¿Qué puede hacer el viejo falócrata, aparte de seguir enloqueciendo a unas cuantas jamonas dispuestas en todo momento a hacerle un favor o dos?
Primero, pelearse con su nueva compañera, que es negra y feminista. Pero tan peleona como él, así que los intercambios de diálogos sarcásticos están asegurados.

Segundo, seguir haciendo los chistes más incorrectos que se les puedan ocurrir, incluyendo lo del hijo no-muy-espabilado del jefe, un atrevimiento casi imposible a día de hoy.
Tercero, conseguir que echemos de menos a su compañero de tantos años, Steve Dillon. El dibujante que le sustituye tiene ciertos parecidos, pero no es lo mismo.

Cuarto, la gran idea que da título a la obra. Tras tantos años de aventuras de una noche (o menos), sus bastardos son legión. Y desean vengarse de un padre ausente. Estamos a la espera de qué hará Ennis con su psicoanalítica premisa. Ya nos ha demostrado de qué es capaz con la maniobra de distracción inventada por los villanos en este primer volumen. “Género fluido” es un procedimiento que intercambia los sexos de la multitud. Así que de repente ellas se levantan con algo nuevo entre las piernas y ellos con algunos cambios más. Y las consecuencias son descacharrantes. Está bien que alguien nos recuerde que el sexo no es solo el último campo de batalla político, también algo que da mucha risa.




 The Ninth Art of Russ Braun (El Noveno Arte de Russ Braun) from Fernando Venegas on Vimeo.

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viernes, 10 de mayo de 2019

PRÍNCIPE VALIENTE 2018 Y WALKING DEAD

VIÑETAS POLÍTICAS

Es habitual que algunos autores reaccionen ante determinados rasgos de la actualidad. Las sucesivas oleadas anti-Trump han acabado resonando en las viñetas de dos series muy alejadas del mundo “real”.


cómics PRÍNCIPE VALIENTE de Schultz y Yeates, edita Dolmen
Schultz y Yeates
Príncipe Valiente: 2018
Dolmen, 2019
58 páginas. 14 euros

Desde las páginas del Príncipe Valiente el guionista Mark Schultz se inventa una intriga política protagonizada por un demagogo que pretende destronar a la reina Aleta. No es la primera vez que ella, uno de los personajes femeninos más fascinantes de la historia del cómic, se enfrenta a conspiraciones de nobles insurrectos. Al final siempre triunfa la monarquía, como Dios manda. En este caso la diferencia la marca el senador que dirige a los opositores a la corona, un tipejo que defiende la pureza de raza de sus compatriotas frente a los decadentes extranjeros. Al final todas sus proclamas patrióticas tan solo esconden unos muy prosaicos intereses personales. Se trata de controlar las fronteras para rentabilizar una inversión inmobiliaria.

En el actual contexto norteamericano es sencillo identificar a ese senador Krios con el impopular Trump. Parecen sostener discursos anti-inmigración similares. Pero las buenas metáforas políticas tienen la virtud de adaptarse a diferentes situaciones. Si lo trasladamos a la actualidad española podríamos sustituir a Krios por el atractivo Torra y poner al rey en el papel de Aleta. Por un lado el racista que defiende lo propio frente a la ocupación extranjera, por el otro el monarca que desvela los sucios interesas del demagogo y denuncia su limitada idea de la justicia.

En la intriga de Schultz al final triunfan los buenos y el aspirante a reyezuelo huye dejando a toda su familia atrás. Todo ello servido con el excelente dibujo de Tom Yeates, que factura algunas de las mejores páginas de la saga que recordamos. Es muy de agradecer que Dolmen continúe publicando la serie en España, al sosegado ritmo de un álbum por año. No se lo pierdan.



LOS MUERTOS VIVIENTES de kirkman Y Adlard.
Kirkman y Adlard
Los muertos vivientes: nuevo orden mundial
Planeta comic, 2019
144 páginas. 8,5 euros

También es totalmente recomendable la serie “Los muertos vivientes” y también se ha visto afectada por la actualidad.

Ya saben que no deben compararla con la de la televisión. Aunque el cómic fue primero, cada cual ha seguido sus ritmo y tono y sería injusto que dejaran de leer los comics si la ficción televisiva les ha cansado. Porque los guiones de Kirkman son cada vez mejores.

Ya he comentado con anterioridad muchos episodios sueltos así que no necesito insistir en su calidad. Quizás la mayor sorpresa es que los argumentos no dan muestra alguna de agotamiento. Han explorado las muy diversas facetas de la supervivencia, de la moralidad y de las emociones humanas.

Pero en este último episodio, titulado no por casualidad “Nuevo orden mundial”, se nos empieza a mostrar una nueva sociedad, aparentemente muy efectiva, basada en las jerarquías establecidas en el viejo mundo. Como todos sus lectores recordarán, abundan en la serie diferentes formas de agrupación: bandas, mafias, dictaduras, tribus… Casi todas ellas son formas regresivas, salvajes vueltas al pasado marcadas por un presenta especialmente duro. Cuando la barbarie nos rodea, nos volvemos bárbaros. 

Rick Grimes, el protagonista, ha sido como un faro moral que ha evitado toda tentación que supusiera un retorno a pautas de comportamiento más arcaicas. Pero ahora él y sus colegas se enfrentan a un modelo exitoso que hasta ha restaurado los partidos de futbol y cuya eficacia parece basarse en una estricta división de clases. Y eso el libertario sheriff Grimes no puede tolerarlo. La intriga apenas ha comenzado a desvelarse así que permanecemos a la espera de hacia dónde nos conducirá el guionista. Pero ya podemos suponer que no será hacia donde esperamos.

América lleva mucho tiempo discutiendo los modelos de gobierno y las tentaciones dictatoriales de sus dirigentes. Así que seguro que lo que Kirkman vaya a aportar será tan inteligente como pertinente. Yo ya espero la continuación.


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viernes, 3 de mayo de 2019

HAWKMAN: DESPERTAR de VENDITTI y HITCH

Hawkman Despertar de Venditti y Hitch, edita ECC comic superhéroes
ECC, 2019
176 páginas. 15,95 euros


¿HALCÓN O FÉNIX?
No soy un seguidor de Hawkman. Pero creo que todos los lectores de comic lo relacionamos con dos autores: Joe Kubert y Tim Truman ¿Conseguirán Hitch y Venditti superar el trabajo de esos dos gigantes?.


Kubert es quien forja la imagen que reconocemos de este superhéroe alado. Por supuesto le acompañaban otros grandes, como Murphy Anderson, Gil Kane, Carmine Infantino y hasta Johnny Craig. Pero es a Kubert al que recordamos.

Muchos años después uno de sus alumnos tuvo ocasión de firmar una miniserie dedicada al personaje, uno de esas obras imprescindibles de principios de los noventa. Me refiero al Hawkworld” de Tim Truman que, siguiendo la estela narrativa del maestro, daba la vuelta a una visión del mundo clásica y bienintencionada para expresar un escepticismo fin de siglo que todavía hoy resulta muy convincente.

Aquella desgarradora fábula llena de matices políticos y humanos era muy difícil de superar. Pero el guionista Robert Venditti y el dibujante Bryan Hitch se esfuerzan por dejar atrás esos referentes ofreciéndonos un espectáculo de primera clase.

Hawkman Despertar de Venditti y Hitch, edita ECC comic superhéroes
Todos recordamos a Hitch tras su paso por “Ultimate Avengers”, donde filmó dos grandes películas en viñetas, en compañía de un desbordante Mark Millar. Demostraron qué podía conseguirse con los superhéroes y luego los productores de Hollywood solo tuvieron que copiar algunos de sus planos para facturar una de las más entretenidas películas de supertipos que se han hecho.

Que Hitch no nos iba a defraudar se daba casi por supuesto. Hay momentos en que recuerda a Kirby, no por el estilo sino por su capacidad para firmar dibujos apabullantes, que se salen de la página y fascinan al lector por su osadía e imaginación. Como lo del gorila gigante, el tiranosaurio, la bandada de hombres-pájaro o las sobrecogedoras secuencias finales, en el filo mismo del universo. Hitch es una bestia, es arrollador y el grafista perfecto para abordar ambiciosas sagas espacio-temporales como ésta. Todo con una planificación excelente y un sombreado deudor de Kevin Nowlan, que acaba de redondear sus ya poderosas figuras. Abundan las dobles páginas en las que solo encontramos al héroe plantado frente al observador. Hitch puede permitírselo.



El guión es más que correcto. Explora la capacidad de Hawkman para reencarnarse en diferentes épocas y lugares. Investigando los huecos de su memoria respecto a esas vidas pasadas el héroe salta de un lugar a otro. Ahora estamos en el antiguo Egipto y al instante siguiente en Thanagar y luego quién sabe. Lo único que todo lector tiene claro es que el próximo episodio va a ser más espectacular que el anterior, una y otra vez hasta el final. De hecho, cuento entre los mejores capítulos los dos últimos. El del Microverso, donde le acompaña Atom, en un guiño hacia pasadas aventuras en equipo. Y “Origen”, donde algunos de los enigmas que envuelven al héroe son revelados, en un ambiente sacrificial casi de pirámide azteca, antes de Cortés. Además, se incluye al inicio una aterradora profecía apocalíptica, así que el héroe no lucha solo por revelar los misterios que sus consecutivas vidas ocultan, también por la salvación de toda la humanidad. Los enemigos son unos colosos casi celestiales por su tamaño pero absolutamente maléficos.

¿La única pega? ¡Que continúa! Ya estamos deseando leer la segunda parte ¡No nos hagan esperar!



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viernes, 26 de abril de 2019

CORBEN Y SU CATÁLOGO

Richard Corben ha publicado en facebook una foto suya hojeando el catálogo de Angulema 2019.


Va acompañada por un texto donde agradece el trabajo de Fred (Manzano) y el resto del equipo. Entre los comentarios que aplauden tanto el catálogo como la exposición encontramos algunos nombres muy conocidos, como el de Mignola. Pues eso: "Good job!"

Richard Corben ojeando el catálogo de Angouleme

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NEGALYOD de VINCENT PERRIOT

Negalyod de Vincent Perriot edita Norma comic y distopía
Norma, 2019
208 páginas. 32 euros


DINOSAURIOS EN LUGAR DE CADILLACS
Gracias a un dibujo arrollador, esta serie consigue transportarnos a un mundo en el que los humanos galopan sobre dinosaurios, luchan por el agua y se amontonan en ciudades imposibles y visualmente embriagadoras.


Se lee de un tirón. Son doscientas páginas sin descansos que no pueden apartarse a un lado para proseguir la lectura en otro momento. Perriot dibujó otros tebeos anteriores y trabajó en el mundo de la animación.

Al parecer este proyecto fue apadrinado por el colorista de Moebius, que también se hace cargo del color en Negalyod. Algunos se han apresurado a relacionar el dibujo de Perriot con el del maestro Giraud. Y él le hace algún homenaje como el gorro que encuentran en la nave, que nos remite inevitablemente a Arzach. Los dos son grandes dibujantes, más lírico Moebius y más dinámico Perriot. Debo insistir en esto último porque durante la lectura del cómic se tiene insistentemente la sensación de asistir a una superproducción. No le cuesta dibujar lo que sea. Y aquí y allá se marca planchas y dobles páginas espectaculares. Vistas de ciudades imposibles, ejércitos a la carga, dinosaurios muertos por centenares… Cualquier cosa que se les ocurra él la imagina y la dibuja con precisión.

Así que todo el álbum es un disfrute absoluto, el ojo queda más que satisfecho exhausto ante tal despliegue visual. Está bien contado, pasan cosas constantemente y los planos más arriesgados y difíciles de ejecutar desfilan ante nuestros asombrados ojos, sin descanso.
Además el argumento, una mezcla de distopía, guerra de clases, dinosaurios y Mad Max con gotas de Nausicaa y alguna cosa más, propicia la aparición de escenas alucinantes y sobrecogedoras. Y todas están bien resueltas y mejor dibujadas. Norma nos lo presenta en un formato grande que permite disfrutar del grafismo así que por ese lado no se puede pedir más.



Negalyod de Vincent Perriot edita Norma comic y distopía
Todos los peros se sitúan en el terreno argumental. Según lo leía recordaba el Aldebarán de Leo. Y pensaba: “estos franceses han sido capaces de crear dos de los mejores tebeos de ciencia ficción que he leído en la última década”. Al acabar la lectura mi opinión había cambiado.

Si Leo no tiene igual en la creación de mundos, a la hora de imaginar fauna y flora exóticas y cacharrería tecnológicamente deslumbrante, Perriot no se queda atrás y además su dibujo tiene un extra de dinamismo del que Leo en general carece. Pero Leo es un buen guionista y Perriot no tanto.
A mi sus deudas argumentales me dan igual. Una historia puede recordarnos mil planteamientos similares y aun así interesarnos. Pero no es el caso. Tiene un problema grave con los personajes. Apenas escapan de su condición de clichés: el héroe, el líder de los rebeldes, la hija del líder de los rebeldes… A ese escaso desarrollo de la personalidad de los personajes se suman algunos errores más, como que no hay un villano definido (el malo al que amamos odiar) o, más grave aún, que no se entienda el final. ¿Ganan los buenos? ¿O pierden? La red de la zona alta ¿era mala o buena? Es como que cuesta decidirse y eso diluye mucho el clímax de la obra.

Obra que está llena de energía y sobrada de vigor narrativo. Creo que Perriot tiene mucho que aportar y ya espero por su siguiente entrega. Pero debería de mimar más el desarrollo de sus historias. Cuando el Perriot guionista alcance la calidad del Perriot dibujante va a ser la bomba.

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viernes, 19 de abril de 2019

BATMAN, RAZA SUPERIOR - MILLER. AZZARELLO, KUBERT

Batman, el caballero oscuro III- La raza superior de  Frank Miller, Azzarello, Kubert, Janson, Risso y Romita Jr Edita ECC Ediciones
Frank Miller, Azzarello, Kubert, Janson, Risso y Romita Jr.
ECC, 2019
386 páginas. 35,95 euros

JUBILADOS Y ASPIRANTES
Una nueva secuela de la obra de 1986. A principios del siglo XXI Miller ya había vuelto a su Batman más oscuro, en una continuación que a muchos nos pilló un poco cansados.


Miller se inició en el medio muy joven. Larry Hama contaba cómo iba al estudio de Neal Adams a enseñarle sus muestras cuando era apenas un adolescente. Adams lo machacaba sin piedad pero eso no desanimó al joven creador. Hasta que un año el veterano miró el material, no dijo nada y descolgó el teléfono. Se puso en contacto con un editor de Marvel para recomendarle al joven dibujante que tenía a su lado.

Allí empezó la leyenda de Miller que muy poco después protagonizó en Daredevil una de las etapas más afortunadas del personaje. Para Mazzucchelli escribió dos historias que se mantienen como clásicos absolutos: Daredevil Born Again y Batman, año I.

Como creador completo a veces Miller patinaba, como en Ronin, un desbarre con ínfulas europeas muy indigesto. También podía acertar, como demostró en su Batman Dark Knight returns. Allí imaginaba a un héroe que volvía de su retiro para enfrentarse a un mal absoluto y que había llegado a corromper a toda la sociedad. Por supuesto salía Reagan y se presentaba a Superman como un perro fiel del sistema. Luego creo que el éxito lo despistó un poco.

Durante años dibujó historias de Sin City, una propuesta gráficamente estimulante pero con muy poca chicha detrás. Miller empezaba a convertirse en un cliché. Pero el público se mantuvo fiel y también le acompañó en su siguiente obra: 300. Todos recordamos los pectorales de Gerard Butler en la adaptación cinematográfica de Snyder. Aunque en la versión original los espartanos iban con todo al aire. En fin, tampoco era un gran tebeo ni conseguía que nos olvidáramos de la versión de Breccia. Cuando Miller presentó su secuela de Batman, muchos ya habíamos perdido la fe en su trabajo. Aunque no se había desvanecido la admiración por el personaje, conocido por las constantes críticas que recibe por sus posicionamientos políticos.

          

Batman, el caballero oscuro III- La raza superior de  Frank Miller, Azzarello, Kubert, Janson, Risso y Romita Jr Edita ECC Ediciones
La verdad, no esperaba gran cosa de este nuevo acercamiento a Batman. Menos cuando aparece Azzarello en los créditos.

Los dibujos corren a cargo de varios talentosos autores: Andy Kubert, Janson, Risso y Romita Jr. Miller firma algunos episodios cortos pero su dibujo ha mutado de tal manera que casi se agradece que su participación sea mínima.

Era muy difícil facturar algo que devolviera cierta dignidad al personaje. Ya saben, después de los tostones de Nolan cada vez que se oye “yo soy Batman” es casi imposible no escuchar la voz engolada de Bale y caer en la parodia.

Pero de alguna forma Miller supera los prejuicios iniciales y construye un relato con unos tonos épicos que podemos aceptar. Que hasta emocionan y convencen.

El argumento contiene un buen puñado de ideas originales, algo complicado cuando tratamos con personajes tan conocidos.

Lo de Kandor, que desata el drama inicial, es un buen concepto. También lo de los poderes de Linterna Verde. Su enfrentamiento con las tres esposas es aterrador. La relación entre la hija de Superman y sus padres está bien. Etc. Al principio parece que se van a repetir los formalismos de su entrega de los ochenta, como lo de las teles. Pero enseguida se da cuenta de que no funciona y apenas vuelven a salir, cosa que mis ojos agradecen. Es simplemente una historia de superhéroes bien contada. Y eso, en los tiempos que corren, ya es mucho decir. Pueden darle una oportunidad.

Mientras Batman vuelve a abandonar (otra vez) su retiro, otros luchan para conseguir entrar en el mundo con el que sueñan. Como saben, vivir como dibujante o guionista de comic no es fácil. A finales de mayo se abrirá una puerta para algunos creadores de las islas. Joaquín García, un agente acostumbrado a lidiar con los editores de Marvel y DC pasará por Palma para revisar porfolios, a la busca del próximo Frank Miller. Algunos ya llevan semanas sudando sobre las seis páginas que deben presentar en la prueba. El agente también ofrecerá una charla sobre los interiores del mercado el viernes 24 de mayo en Can Oleo. El IEB patrocina esta actividad ¡Mucha suerte a todos!
Si necesitan más información o quieren los guiones para participar, pueden escribir a fflorez@escoladisseny.com

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viernes, 12 de abril de 2019

CÓMICS DE HUMOR Y SUPERHÉROES

HUMOR SIN BARRERAS

Dos formas muy diferentes de entender el humor. Una nos llega desde los USA y la otra desde Islandia. Contar historias humorísticas de superhéroes no es nuevo. 


Los primeros Mad, allá por los cincuenta, ya contenían parodias de personajes tan populares como Batman o Superman. En los noventa Giffen, con la ayuda del muy expresivo dibujo de Kevin Maguire, revisó la Liga de la Justicia en clave de humor. Una aproximación exitosa, reeditado recientemente y cuya influencia se percibe en productos como las Lego películas y similares.

La relectura, el desmontaje irónico de géneros muy conocidos, es algo característico de la ficción, no ya en las últimas décadas sino casi en los últimos siglos, si me apuran. Como recordaba el muy añorado Octavio Paz, el único mito válido en el siglo XX es el de la crítica. Y no parece que eso vaya a cambiar en el XXI.

En realidad, toda la revisión que Marvel hace en los sesenta de los héroes con capas se apoyaba en un innegable cachondeo. Cuanto más realista la aproximación, más pitorreo provocaban determinados elementos heredados, como las capas o los esquijamas. La autoparodia ha sido una necesaria y saludable constante en el género.

Comic humor - Los enemigos superiores de Spiderman Nick Spencer y Steve Lieber edita Panini Comics
Los enemigos superiors de Spider-Man
Panini Comics, 2019
386 páginas. 35,95 euros

Lo que hace ahora Nick Spencer es actualizar su enfoque, empleando clichés de cierto cine descerebrado para adolescentes y universitarios, lugares comunes tomados de las ficciones televisivas y otros préstamos de los videojuegos y demás gráficas modernas.

Le ayuda Steve Lieber, un dibujante competente que hace lo que puede. Pero no es suficiente. Se nos cuenta la historia de un grupo de malosos, tan inútiles como desalmados. Ya saben, si no se juega con la idea de que la frontera entre el bien y el mal es muy difusa no estamos en la onda.

Así que Spencer se empeña en confundirnos, llevando a sus personajes hacia límites morales que se traspasan una y otra vez con un entusiasmo poco contagioso. Algunos gags y ocurrencias son buenos.
Lo del retrato de Muerte tiene gracia y hasta lo de la cabeza del jefe de la mafia. Pero en general falla al permitir que el humor resida más en los diálogos que en la imagen. Leemos kilómetros de frases ingeniosas que al final nos conducen más al bostezo que a la carcajada. Pienso que el humor necesita cierto ritmo, cierta brevedad, que este guionista evita. Lo suyo es más bien la charlatanería a lo Club de la Comedia, ignorando la más mínima contención verbal. En fin, que hay mucho que leer y en general el esfuerzo no merece la pena.





Con todos ustedes Dagsson -Hugleikur Dagsson edita Anagrama
CON TODOS USTEDES DAGSSON
Anagrama, 2019
144 páginas. 14,90 euros

En cambio, si algo caracteriza el humor del islandés Hugleikur Dagsson es su inmediatez. Si lo puede decir con una frase no lo dirá con dos. Es tan bruto como rápido.


En tiempos de insufrible corrección política, volver a leer chistes bestias, que no evitan el humor negro con mujeres, niños suegras o gays, es un verdadero placer, la verdad. Tiene chistes absurdos y chistes malos. Otros son geniales y abundan los muy salvajes. Sobre todo me admira su sencillez. Eso que Johnson llamaba “el número”. Ese material que todo cómico sabe que va a provocar las carcajadas del público y que ensaya y repite y mejora hasta la perfección.

Dagsson busca eso: que nos riamos. En algunos casos a carcajadas. Yo me lo he pasado bomba y se lo recomiendo. Mojigatos, monjas y puritanos de cualquier clase y condición, abstenerse.


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viernes, 5 de abril de 2019

BATMAN EL REINADO DEL TERROR de BARR y GARCÍA LÓPEZ

Batman el reinado del terror de M. Barr y García López edita ECC comic revolución francesa
ECC Ediciones, 2019
56 páginas. 6,25 euros

PROFUNDIDAD DE CAMPO

Batman viaja hasta la Revolución francesa de la mano del mejor dibujante del mundo: Jose Luis García –López. Escribe el guión Mike W. “Camelot 3000” Barr.



Este Otros Mundos se publicó originalmente en 1999 y, si mi memoria no me falla, no se había traducido con anterioridad. Espero equivocarme porque el tebeo tiene tanta calidad que resultaría casi inexplicable que no se haya editarlo antes en España. Como sea, finalmente está en nuestras manos y es extraordinario.

Con este ya son dos de los titanes de la DC que visitan otras realidades históricas con dibujos de García-López. Me refiero al encantador Superman- Kal que mandaron a la Edad Media, con guión de Dave Gibbons. Un comic maravilloso, perfectamente dibujado. Y con este Batman ocurre lo mismo.

Primero, felicitar al guionista, que muestra sin reparos una buena parte de la crueldad que caracterizó aquel reinado del terror revolucionario. Como ya hicieron otros ilustres precedentes, como Dickens.


                

Aunque algunos totalitarios todavía se reconocen en las atrocidades perpetradas por unos cabecillas sin escrúpulos y una turba completamente desatada que nunca llegó a colmar del todo su sed de sangre, lo cierto es que hay poca cosa buena que decir de ese periodo histórico. Se deshicieron de una clase realmente impresentable pero, como en el caso del sueño soviético, tan solo para sustituirla por algo sino peor, sí tan malo.

Mientras Inglaterra demostraba que una sociedad podía transformarse y cambiar sin necesidad de cortarle la cabeza a una buena parte de la población, la pesadilla francesa tan solo ha servido de inspiración para los peores excesos del siglo XX.

Barr lo tiene claro y su guión se detiene ante el espectáculo despreciable de la guillotina y la crueldad innecesaria de Danton, Robespierre y demás iluminados. Citas históricas aparte, el cómic sobre todo busca recrear fantasías aventureras al estilo de La Pimpinela Escarlata”. Al fin y al cabo Batman siempre ha estado muy cerca de El Zorro, así que encaja con naturalidad en este petimetre que por el día exhibe sus amaneramientos y por la noche se dedica a desfacer entuertos.


El argumento busca entretener el lector, al tiempo que Barr se las apaña para dejar muy clara su visión crítica de la Revolución. Hasta ahí todo correcto. Pero entonces llega García-López y eleva el producto hasta la siguiente categoría. Ya en las primeras secuencias prueba su enorme talento. Vean ese plano imposible en que Wayne, a lomos de su caballo, muestra sus documentos a los policías, mientras a un lado uno de ellos detiene a la chiquilla que le ha pedido auxilio. El dibujante levanta el punto de visto hasta la altura del héroe, que contempla (y con él el lector), el drama que se despliega a su alrededor.

Batman el reinado del terror de M. Barr y García López edita ECC comic revolución francesa
Dos páginas más allá se marca la increíble viñeta de la llegada a la plaza, del héroe por un lado y de los condenados a la guillotina por el otro.

Esos planos generales son especialmente difíciles de componer. García-López lo resuelve con aparente facilidad y con una apabullante profundidad de campo. Todo está detallado y todos los elementos nos informan de algo. Al tiempo, su composición es perfecta así que no hay confusión posible y nuestra mirada puede desplazarse con naturalidad de uno a otro centro de atención.

El resto se lo pueden imaginar: mujeres bellísimas, héroes apuestos, trajes con unas arrugas maravillosas, expresiva iluminación, cuidada ambientación, ingeniosas estructuras de página, impactantes angulaciones laterales… Cada página es la lección de un maestro capaz de dibujarlo todo y todo bien.



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viernes, 29 de marzo de 2019

LA CASA DE LA PENITENCIA de TOMASI, BERTRAM y STEWART

LA CASA DE LA PENITENCIA obra de Peter Tomasi, Ian Bertram y Stewart, edita en España Planeta Comic
Planeta Comic, 2018
172 páginas, 19 euros


UN RUIDO INCESANTE
Una extraña fábula en la que se mezclan elementos de crítica social con fantasmas, secuencias apocalípticas con pasajes adecuadamente tenebrosos y, sobre todo, muy sanguinarios. Bienvenidos a la mansión donde los martillazos nunca cesan.


El guionista, Peter Tomasi, lleva muchos años encargándose de las series más populares de la DC. Pero aquí se ha zambullido en un experimento genuinamente terrorífico. La primera sensación es que tanto el escritor como el dibujante se lo han pasado muy bien.

Ian Bertram es un artista de marcada personalidad, con rasgos que recuerdan algo a Moebius aunque a mí sobre todo me remite al Tom Sutton más recargado y barroco. En esta siniestra historia despliega todo su arsenal de trucos, con atrevidas composiciones de página, arquitecturas alucinantes y orgánicas manifestaciones de un mal arrollador. Todo va saturado de líneas, los rostros exhiben unos ojos desmesurados y felinos y los personajes siempre parecen pequeños ante los descomunales espacios.

Toda la parte ambiental está perfectamente resuelta. Y ahí intervienen también al guionista y por supuesto al colorista, que ayuda y mucho a la creación de la atmósfera surreal y opresiva del relato. Inolvidables sus numerosos rojos, también sus violetas y amarillos suaves.

El punto de partida argumental es interesante, esa casa en la que se atrapan las almas desesperadas y a la que acuden toda suerte de asesinos que arrastran atroces penas sin purgar. La casa, sin duda otro personaje más de la historia, los retiene y la tensión se acumula entre unos tipos dispuestos a desatar la violencia más salvaje.

comic terror LA CASA DE LA PENITENCIA obra de Peter Tomasi, Ian Bertram y Stewart, edita en España Planeta Comic
La cosa va de lo malas que son las armas y el ejército de inocentes que caen bajo las balas. La mansión contiene a las víctimas, que acechan nuestro mundo desde un más allá que no evita el dolor sino que mantiene a las almas en un purgatorio eterno, hasta que llega la hora de la venganza. Pero la construcción se alimenta de una brutalidad apenas contenida y rompe todas las barreras. Solo el ruido constante de unos trabajos siempre en marcha puede parar a esos fantasmas sedientos de sangre.

Al final, más allá de las buenas intenciones, los personajes acaban rajando en exceso y se tiene la sensación de que todos se lo han pasado demasiado bien. Tomasi permite que sus creaciones hablen mucho y el ritmo de la historia se resiente. Tampoco contiene los excesos gráficos del dibujante, que se lanza a facturar páginas chulas, pero no especialmente emotivas. Algo más de contención y sobre todo de intención habría estado bien.



 Considero que cualquier lector que no tema ciertos desafíos gráficos puede pasárselo bien con esta obra. La secuencia en la que la señora Winchester habla con su hijita del más allá y las viñetas van girando de una plancha a otra es especialmente efectiva. Y no es la única. Pero al mismo tiempo se sentirá decepcionado por el magro desarrollo que se da a los protagonistas, esa señora misteriosa y de oscuro pasado y el señor Peck, un tipo misterioso y de pasado aun más oscuro. La relación entre el proscrito que desea saldar sus deudas de sangre y la posiblemente desequilibrada dueña de la casa no acaba de resolverse del todo.

La narración es muy efectiva en los pasajes más oníricos y alucinatorios, que abundan. Pero falla en esas zonas que deberían de anclar el relato a una realidad que volviera más dramáticos los delirios surrealistas. Muy interesante por momentos, pero no redondo.

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viernes, 22 de marzo de 2019

LA PLAGA DE LOS COMICS DE DAVID HAJDU

La plaga de los cómics - cuando los tebeos eran peligrosos de David Hadju edita Es Pop Ediciones
Es Pop Ediciones, 2018
464 páginas, 24 euros


¡¡JUVENTUD EN PELIGRO!!
A la ya muy abultada bibliografía sobre el fin de la editorial EC y la creación del Comics Code se suma ahora un nuevo libro, que engloba y mejora todo lo que hayan leído con anterioridad: La plaga de los cómics.


Adelanto que el trabajo de David Hajdu me parece excepcional. He estudiado bien la época que retrata y pensaba que conocía todos los hechos relevantes. Su libro me ha demostrado que no.

Había muchos matices que rescatar para dar la explicación definitiva de un asunto que ha demostrado ser central en la historia del comic.

Hablo de la atención de la sociedad americana hacia los tebeos, que termina en varias vistas con senadores, en la creación de una norma de autocontrol y en la desaparición de decenas de editoriales y autores, que fueron literalmente expulsados del medio. El público se puso en contra de los comics, los quiosqueros se negaban a venderlos y los distribuidores los devolvían sin abrir.

Toda esa histeria es fácil de comprender si la trasladamos a la actualidad. Pese a los constantes discursos anti-censura y pro-libertad de expresión, siempre los descubrimos sesgados en una dirección. Se permite que aquel se exprese contra la monarquía y al tiempo se aboga por silenciar al machista, al homófobo o al defensor de la tauromaquia. Porque eso es lo correcto. En los años cuarenta y cincuenta muchos pensaron que también hacían lo correcto vinculando delincuencia juvenil y tebeos. Como hoy se relacionan las “50 sombras de Grey” con la falocracia o GTA con pautas de comportamiento inaceptables. Lo políticamente correcto no nació ayer, ni la mojigatería ni el puritanismo.


Hajdu desciende al detalle y describe al niño convencido de que quemar tebeos en el patio del colegio era lo correcto, al dibujante que provocaba el escándalo entre sus familiares y amigos si desvelaba a qué se dedicaba, la madre preocupada por las lecturas de sus hijas, etc.

Por supuesto enumera todos los procesos anteriores, que desembocan en las vistas más conocidas, aquellas sesiones en las que declaró Gaines, el editor de EC, hasta las cejas de dexedrina. Pero es que antes habían investigado a los comunistas o al crimen organizado.

Es muy llamativa la descripción de la intervención de Costello, el mafioso. Como no permitió que se mostrara su cara, el realizador de televisión encuadró sus manos, que delataban todo lo que no decía de palabra. También es muy simpática la anécdota que va conectada con esa declaración. Como el interrogatorio a Gaines vino después del de Costello, algunos relacionaron ambos. De manera que cuando el editor fue a comer a su restaurante italiano favorito se encontró con una suculenta comida a la que le invitaron ¡Porque suponían que estaba vinculado a la mafia!

El libro es poco complaciente con los editores. Describe muy bien su falta de escrúpulos y sus ambiciones. Con tal de ganar dinero estaban dispuestos a lo que fuera. Así que las mayores atrocidades se pasearon por los tebeos de crímenes de los cincuenta. Al mismo tiempo, su carácter de subproducto cultural permitió que autores marginados y mal pagados se expresaran con total libertad, produciendo obras únicas, salvajes e innovadoras. Una libertad que la nueva censura vino a interrumpir durante años.

Para los aficionados el libro supone un auténtico festín, plagado de historias protagonizadas por los más grandes: Severin, Kubert, Wood, Eisner, Cole y todos los demás. Lo que este trabajo realmente imprescindible demuestra es que esa censura no fue una operación dirigida desde el gobierno sino una iniciativa a cargo de muchos individuos. Padres, psicólogos (algunos), educadores y otros, sinceramente preocupados por una juventud a la que veían descarriada. Los tebeos fueron su chivo expiatorio, al que luego sucederían otros, hasta la actualidad. Cuando alguien le aconseje “mejor no hablar de eso”, calcule cuánta libertad se ha dejado arrebatar ya.

Por cierto: ¡gran portada de Ata!

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viernes, 15 de marzo de 2019

SOMBRAS EN LA TUMBA de CORBEN

Sombras en la tumba de Richard Corben edita Planeta
Planeta Comic, 2019
286 páginas, 20 euros

LA SOMBRA DE UN GIGANTE
El balance de “Sombras en la tumba” es muy positivo. Son sencillas historias de terror con una gran atmósfera y una vigorosa visualización. Corben se abandona a sus tendencias más caricaturescas y distorsionadas y dispara los juegos de luces.


Muchas giran en torno a vicios comunes: lujuria, ambición, arrogancia, codicia... Demuestran un gran estado de forma. No olvidemos que en 2016, cuando se publicaron por primera vez estos relatos, el autor tenía 76 años.

Podemos observar que ha alcanzado una completa libertad. Nunca se esforzó mucho por los personajes del fondo o por contener sus distorsiones. Pero ahora deja claro desde la primera viñeta que estamos en su territorio y jugamos con sus reglas. Esas normas cambian constantemente, como bien demuestran sus acabados. Cuando creemos saber en qué consiste su técnica, la abandona. Obviamente, se mantienen algunas constantes, como son los degradados y el gusto por la volumetría. Pero aquí contrasta más los negros y allá explora nuevas texturas con su línea. Nunca se está quieto y eso es algo que todos sus seguidores le agradecemos.

Por cierto, somos unos cuantos, como se demostró recientemente en Angulema. No solo por las continuas colas que abarrotaron su exposición los días del festival, con visitantes encantados de contemplar una nutrida selección de originales, que representaban las diversas etapas de su larga carrera. También porque la tirada de sus catálogos se agotó con rapidez, en parte por la venta a través de internet, pero también en directo a la salida de la muestra. 2000 libros vendidos en unos pocos días, no está mal.

Jaume Vaquer aseguró la participación mallorquina cediendo amablemente la portada de “Mundo mutante” para la ocasión. El asunto despertó tales entusiasmos que algunos se han apresurado a prolongarlo, inventándose una exposición fantasma en Mallorca. Desde aquí, como orgulloso colaborador de la muestra de Angulema, les aseguro que no habrá una expo Corben en Palma este año. Algunos blogs hasta afirman que va a ser peor que la de Francia. Por supuesto, ya que no se hará.



Aclarado ese punto, volvamos a nuestro cementerio. La intención de Corben con esta obra era retomar el espíritu de las clásicas historias de la E.C. Relatos cortos que pueden leerse de una sentada y que van acompañados de un narrador, que asegura una cierta continuidad.

Según declaró, la serie contendría “monstruos, cadáveres vengativos y marionetas mutantes, payasos sobrenaturales y más. Probablemente nada de vampiros y hombres lobo porque considero que se han hecho hasta la extenuación”.

Sombras en la tumba de Richard Corben edita Planeta
Cumple con su palabra y nos brinda una generosa ración de historias de terror, pobladas por criaturas poco habituales. Técnicamente la que más llama mi atención es “Elegir a ciegas”, protagonizada por una joven invidente que recupera su visión gracias a una misteriosa tribu de indígenas. Lo que hace el dibujo es reflejar el mundo en el que vive la chica, poblado de negros profundos, sombras difusas y blancos cegadores. Pero casi todos los cuentos tienen algún elemento de interés. Obviamente, prima el desarrollo precipitado y el final sorpresa, no hay tramas elaboradas y en más de un caso Corben parece conformarse con construir una atmósfera y dejar que los personajes se paseen por ella, sin atender a lógica alguna. Ha declarado que cuando escribe para él se preocupa antes por la visualización, manteniendo la narración en un estado muy maleable, los textos llegan al final. Así que esa teoría de “la imagen primero” se impone, a veces para bien y otras no tanto. Su puesta en escena es tan poderosa que hasta cuando no nos cuenta nada encontramos algo fascinante en el dibujo.



Temáticamente, hay varias historias con niños, siempre expresivos en sus manos. Salen en “Perder el hilo”, en la muy salvaje “Cumpleaños” o en “El reto”. La codicia se aborda con un asunto recurrente: los herederos que no pueden esperar a que el pariente muera para pillar su parte, como en la siniestra “Un plan turbio”, o que reciben su castigo desde el más allá, como en “Legado de odio”. Notamos sus variaciones sobre temas clásicos como Dorian Grey en “Imagen en el espejo”. Sus tendencias más voluptuosas aquí se mezclan con el horror así que los amantes están dispuestos a poseer a sus queridas muertas, los maridos se alzan de la tumba y se inventa otras grimosas variantes. Sumen a ello historietas recuperadas, como la del dedo gordo del Big Foot, y alguna colaboración tan disparatada como el relato de culturistas escrito por Jan Strnad. También aparece su hija Beth participando en los grises y en el guión de “La isla”.

Sombras en la tumba de Richard Corben edita Planeta
Y luego, por supuesto, está Denaeus. Aunque aquí se agrupa al final, en su momento se publicó por episodios, repartidos entre las otras historias cortas. Era la única que tenía continuidad y su lectura seguida nos permite apreciarlo como un relato completo, con un sentido y un tono diferentes. Es una gran pieza dramática, a la manera de Corben.

Obviamente el nombre del héroe nos remite a su héroe más conocido pero los parecidos son escasos. Creo que solo hay un pasaje, el del canibalismo, que lo emparenta con su ancestro Den. Pero, aparte de esa coincidencia, Denaeus está muy enraizado en los clásicos mitos griegos. Quizás pasados por el filtro de Harryhausen pero eso da igual.

El destino ciego que nos señala con su dedo fatal, los caprichos de un tirano, las desgracias que se abaten sobre la familia, el amor romántico y apasionado, la aparición de versiones de Gorgona y el cíclope…

Todo es muy disfrutable en Denaeus, es un trabajo mayor lleno de encanto, épica y drama, de sentimientos desesperados, amores imposibles y sed de venganza. Los momentos cargados de intensidad visual se suceden: el plano de la hermana muerta, la violentísima y sangrienta lucha contra el cíclope, la brutal viñeta grande con el cíclope sangrando y a punto de zamparse a un soldado, las escenas marinas, la pareja que se despide entre piedrecitas y deliciosas texturas… Es una historia redonda y narrada de forma vigorosa. Corben al más alto nivel. No pueden perdérselo.



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viernes, 8 de marzo de 2019

HARROW COUNTY de BUNN y CROOK COMIC DE TERROR

Harrow County magia en la frontera de Bunn y Crook, un comic de terror
Norma, 2019
116 páginas, 16 euros


TERROR RURAL

En 2016 se publicaba el primer volumen de “Harrow County”. Recientemente la serie alcanzaba el sexto volumen recopilatorio, reafirmando su posición como uno de los tebeos de horror más interesantes del mercado.


El trabajo del dibujante, Tyler Crook, es su primer valor indiscutible. En ocasiones participan otros artistas, cuyas destrezas no cuestiono. Pero Crook es el que mejor se ajusta a la historia, él insufla vida a “Harrow County”. Es un narrador directo y eficaz, sus personajes son entrañables y su color directo es maravilloso. De hecho los volúmenes siempre cuentan con una encantadora sección de “cómo se hizo”, donde el dibujante muestra sus bocetos previos, su sistema de trabajo, sus ilustraciones paso a paso…
Esas páginas resultan muy instructivas y nos permiten hacernos una idea de su concienzuda metodología. De su arte destacan esas dobles páginas de introducción donde aparecen, medio camufladas, las letras del título, a veces como parte del maíz, otras como nubes, como vegetación o lo que se les ocurra.


El color ayuda mucho a crear las sensaciones de calor, humedad o frondosidad que se desprenden del relato. Hay un algo en la plástica forma de entintar de Crook que emparenta sus figuras con las de Eisner o Ploog. Por el lado gráfico todo son satisfacciones, aunque quizás el entusiasmo disminuye un poco cuando los episodios pasan a menos de otros.

Harrow County magia en la frontera de Bunn y Crook, un comic de terror
En cuanto al guión, Cullen Bunn cumple con creces. Tras el brillante inicio a Emmy no dejan de pasarle cosas. Como recordarán la premisa es que la protagonista es en realidad la reencarnación de una bruja malvada que asoló Harrow County hasta que sus habitantes consiguieron deshacerse de ella. No solo eso, una buena parte de esos pobladores, incluyendo al padre de Emmy, son tan solo muñecos de barro, figuras a las que la hechicera había insuflado vida.
La protagonista se revuelve contra sus orígenes y decide emplear sus poderes para hacer el bien. Lógicamente, un episodio tras otro, todos conspiran para que ese propósito no pueda satisfacerse de forma sencilla. Interviene primero una gemela muy, muy mala. Y más tarde toda la familia, o mejor, una colección de entes suprahumanos como la propia Emmy, que intentan aconsejarla y manipularla.

Recuerdan un poco a la colección de dioses que Gaiman disponía como hermanos del rey del sueño en su serie “Sandman”. Como aquellos, son caprichosos e impredecibles.

Se mantienen otras constantes, como la aparición de entes del bosque, espíritus vinculados a fuerzas de la naturaleza o al mundo de los muertos. También el apunte racial, muy vinculado a la época en que se ambienta la historia, a través del personaje de la mejor amiga de Emmy, Bernice.

Se juega mucho con la ambigüedad del bien y el mal y una idea del pecado muy cristiana. Emmy está obsesionada con su “pecado original”, no en vano es la reencarnación del mal. Así que cuestiona todos sus actos sospechando siempre que su antecesora pueda tomar el control. El que parece un filántropo luego resulta ser un psicópata, la bruja vilipendiada por todos, una benefactora de la humanidad. Nada es lo que aparenta en “Harrow County”.

Tan bonita como entretenida. Muy recomendable.



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viernes, 1 de marzo de 2019

JONAS FINK. INTEGRAL de GIARDINO

JONAS FINK, edición Integral de Vittorio Giardino, editado por Norma Editorial
Norma Editorial, 2019
360 páginas, 35 euros


SOCIALISMO REAL
La reedición de “Jonas Fink” nos permite recuperar uno de los escasos tebeos que intentan describir la vida tras el telón de acero. Como testimonio de la miseria que el comunismo provocó en media Europa es irreprochable.


Más cuando recordamos que el asunto apenas ha saltado a los comics. Recuerdo una clásica historieta de Spain, su breve pero afilada biografía de Stalin, donde plasmaba la dureza del gulag en dos viñetas. También “El Vals del Gulag”, de Pellejero, una bienintencionada aproximación al infierno de los campos de exterminio soviéticos. Si la monumental tragedia soviética casi no ha sido mencionada, la triste vida cotidiana en sus países satélites no parece interesar a nadie. Así que el esfuerzo de Giardino es aun más meritorio considerando que da voz a víctimas prácticamente olvidadas.

Quienes hayan leído anteriores obras de este creador italiano ya saben a qué atenerse. Lo descubrimos en “Sam Pezzo”, una serie negra con un dibujo de línea clara que acentuaba los contrastes de luces y sombras de forma muy ajustada a lo narrado. Allí ya pudimos comprobar su afición a dibujar chicas guapas. Le cuesta incluir en sus repartos a mujeres normales, todas sus protagonistas son espectaculares bellezas a las que desnuda en cuanto el guión se lo permite.

Todo mejoró en “Max Fridman”, donde aportaba un color encantador y abandonaba a Hammet para inclinarse hacia Graham Greene. Era una serie de espías plagada de dilemas morales y, otra vez, señoras estupendas. Su exquisito dibujo acompañaba con naturalidad unos argumentos de ritmo sosegado y lectura pausada.


 Por el camino dibujó algunas obras más, como “Vacaciones fatales” o “Little Ego”, otra vez pobladas por féminas con tendencia a perder la ropa. Cuando decidió llevar a Fridman a la Guerra Civil española le perdí la pista. Giardino es un creador académico y meticuloso. Pero como guionista carece del genio que caracteriza por ejemplo a uno de sus paisanos, Berardi, con cuyas obras seguimos disfrutando mes a mes (si todavía no lo están leyendo, dejen esto y corran a pillar su “Julia” o su “Ken Parker”).

JONAS FINK, edición Integral de Vittorio Giardino, comic telón acero
En “Jonas FinkGiardino demuestra que ha alcanzado una madurez clásica. Todo está perfectamente documentado, sus personajes se distinguen fácilmente y actúan con naturalidad. El protagonista, un niño al que veremos crecer de un episodio al siguiente, asiste al encarcelamiento de su padre, condenado a una pena injusta y de la que casi no pueden ni quejarse. Se visualiza muy bien la opresión de un régimen en el que el individuo no cuenta nada frente al poder del estado.

Luego mantiene un delicado equilibrio entre las andanzas y los sentimientos del joven Fink y la presión de un sistema que desborda paranoia y voluntad de control. Todo el proceso de enamoramiento del adolescente se beneficia del gusto del dibujante por las bellas señoras. No nos cuesta compartir la fascinación del joven por esa atractiva jovencita a la que finalmente perderá, ya que sus padres no permiten que salga con el hijo de un enemigo del pueblo.

Desgraciadamente el diálogo entre el drama personal y el colectivo se pierde en la última parte. Allí se aborda el pasaje más conocido del drama checo, la famosa primavera de Praga. De alguna forma el Fink maduro resulta antipático y sus líos con su amor actual (una vietnamita) y el del pasado (la rusa) no nos interesan como sí lo hacían los sentimientos de su yo adolescente. El telón político de fondo adquiere demasiada importancia y el final parece no llegar nunca. Pese a esa decepcionante conclusión, la obra contiene elementos muy atractivos y secuencias excelentes. A su autor le ha costado casi tres décadas concluirla, así que bien se merece que le den una oportunidad.

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