viernes, 18 de octubre de 2019

BABOON! DE PAU COMIC ANIMALES

BABOON de Pau, edita Escapula comics - comic sin palabras animales
Escápula Comics, Manacor, 2019.
120 páginas, 16 euros


BA-DA-BOOM!
El dibujante mallorquín Pau, que durante años ha publicado sus obras en Francia y otros países como Polonia o Inglaterra, da ahora un triple salto mortal: presenta una nueva obra, se convierte en editor y prepara otros lanzamientos, entre los que se cuenta el manual “Cómo dibujar coches dinámicos”.


Calificar “Baboon!” de “nueva obra” resulta irónico ya que su autor lleva más de una década rumiando este proyecto. En tiempos de “cómics Instagram”, en afortunada expresión de mi amigo Javier Cuervo, un tebeo popular como el de Pau corre el riesgo de ser ignorado o menospreciado.

La moda de la novela gráfica ha favorecido la aparición de comics narcisistas, terapéuticos, donde lo único que cuenta es la experiencia personal, el dolor o la diferencia, sin importar la imaginación ni la estructura dramática. Se ha dado la razón a los defensores de un realismo ramplón, enfrentado a toda fantasía, a toda forma de creatividad desprejuiciada. Pau construye un relato clásico que se inicia con la emotiva historia de la madre adoptiva, que remite directamente al “Libro de la selva”. Luego deriva hacia “Kárate Kid” o cualquier peli de Jackie Chan. Su fórmula narrativa le aproxima al famoso “Gon”, aquel dinosaurio pequeñito y encabronado que también carecía de bocadillos y que, como “Baboon!”, encontraba su expresividad a través de las imágenes, en un silencio solo roto aquí por unas onomatopeyas perfectas. “Gon”, era el primo que defendía a los pequeños del abusón. Aquí se trata de entrenamiento y superación. El bueno primero es derrotado pero con mucho tesón se sobrepone y vence. Que es un poco la historia del propio Pau. Lleva años luchando por publicar su obra en condiciones dignas y con un sueldo decente. Cosa imposible en nuestro país, razón por la cual se vio obligado a exportar su trabajo. Además se empeñó en desarrollar sus propias historias, sin más guionista que él mismo. Es esa pelea por alcanzar una autonomía artística, creativa y también económica la que le ha llevado a dar este último paso: convertirse en editor de sus obras, una manera de evitar intermediarios. Ahora está debatiéndose con distribuidores y libreros. Que Dios le ayude.

BABOON de Pau, edita Escapula comics - comic sin palabras animales
Baboon!” evita toda pretenciosidad y se concentra en una narrativa veloz, vigorosa y casi perfecta. Se trata de “golpizas y batacazos” sí, pero en algunos pasajes consigue ir mucho más allá. Sobre todo la
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viernes, 11 de octubre de 2019

LOS ESTADOS DIVIDIDOS DE HISTERIA DE CHAYKIN

Los estados divididos de Histeria de Howard Chaykin edita en España Dolmen
Dolmen, Palma, 2019.
160 páginas, 28,90 euros


DISTINTOS COLLARES DE PERRO
Howard Chaykin ataca de nuevo, en esta ocasión con una farsa política muy desmelenada donde vuelca sus obsesiones habituales: lencería, violencia, conspiraciones y travestis.


Escribió la obra pensando que Hillary Clinton iba a ganar. Por eso describe un futuro en el que hay una mujer al mando de unos Estados Unidos al borde del colapso. Siempre ha sido un agitador, lo suyo es la provocación, el forzar los límites. En épocas en que no era tan sencillo saltarse ciertas convenciones (y contenciones), demostró que podía hacerse.
Primero dentro del sistema, en series como “Dominic Fortune” donde iba deslizando pequeños atrevimientos sexuales. O en “Red Sonja”, definiendo el origen de la amazona a partir de su violación. Luego se volvió más explícito, según las normas se iban relajando. “American Flagg” primero y, “Black Kiss” después, demostraron que el escándalo podía resultar rentable. Pero el aplauso de la crítica no le aseguró lectores. Nunca fue un autor popular. Su narrativa adolece de falta de claridad y tiende a liarse con los textos. Sus personajes hablan mucho y todos a la vez.

Preguntado sobre su voluntad constante de ser el Pepito Grillo que denuncia los excesos del poder, su respuesta era muy sencilla: “alguien tenía que hacerlo”. Y le tocó a Howard. Así que cada vez que nos enfrentamos a un nuevo trabajo suyo, sabemos más o menos qué nos espera. El mejor Chaykin es un calentorro al que le gusta dibujar a Catwoman e imaginar a Batman enfundado en un traje sadomaso. Su visión nunca es inocente ni idílica, más bien al contrario. Siempre pendiente de nuestras más bajas pasiones, en lo político y en lo sexual. Con él lo que puede ir mal siempre va a peor.

Aquí se cumple la norma. Todas las normas. El protagonista es un chicano agente secreto que se equivocó provocando el asesinato del presidente. Con ese muerto encima, el comic se construye como un relato disparatado de redención. Para vengarse de los terroristas que descabezaron los USA monta un equipo que consigue que los “Doce del Patíbulo” parezcan hermanitas de la caridad.
Junta a cuatro psicópatas que de alguna enrevesada manera son su único medio para acceder a los conspiradores. Aquí es donde entra en juego lo peor y lo mejor del guión.

Los estados divididos de Histeria de Howard Chaykin comic viñeta
Lo peor es el desarrollo dramático de los hechos. Se trata de una conspiración entre líderes de ideas enfrentadas, pero que se ponen de acuerdo para cargarse la América que odian. Esto lo cuenta de forma muy embarullada.
Lo mejor o lo más interesante, es la visión de Chaykin de la política actual, a partir de un lugar común: “Los neoyorkinos
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viernes, 27 de septiembre de 2019

MR. MILAGRO de TOM KING y GERADS COMIC

Mr. MIlagro de Tom KIng y Mitch Gerads, un comic de superhéroes
ECC, Barcelona, 2019.
344 páginas, 33,25 euros

EL REY DESNUDO
Si un autor ha sido recibido en los últimos años como la gran esperanza blanca, ese es sin duda Tom King. Muchos calificaron su “Visión” de comic imprescindible, luego escribió sobre la boda de Batman y ahora nos llega este “Mr. Miracle”.


En Internet hay quien define la obra como “el nuevo Watchmen”. Supongo que es un halago. King ha ganado no sé cuántos Premios Eisner y parece el encargado de renovar el polvoriento género de los superhéroes. Desde que libreros y aficionados empezaron a hablarme de él, he probado a leerlo en diversas ocasiones sin demasiada fortuna.
Me acerqué en su momento al primer episodio de “La Visión” y no encontré nada que me invitara a continuar con la lectura. Luego le hinqué el diente a una saga galáctica que había escrito y que tampoco dejó huella en mí. Lee Weeks le acompañó en un episodio de Batman con otros personajes de la Warner. Gran dibujo, guión olvidable. Me asomé a un episodio de la boda de Batman y no le vi la gracia. Así que, cuando este año sacaron el recopilatorio de “Mr. Miracle”, después de que lo llenaran de premios en San Diego, me dije: “esta vez me lo trago entero”. Quería descubrir qué tenía King que fascinaba a todo el mundo. Ha sido un infierno.

Comprendo que la obra pueda gustar a alguien. También “Modern Family” tiene seguidores pero eso no la hace más soportable. Y creo que esa es una buena calificación para el trabajo de King. No es que sea bueno o malo, es que es insufrible. Una buena parte de la crítica babea con él porque intenta darle la vuelta a muchos de los tópicos que definen el género de los superhéroes.

     
Curiosamente, haciendo eso repite lo que Stan Lee se pasó toda la vida afirmando que había aportado a Marvel: una visión más realista. King intenta lo mismo así que ahí tenemos al héroe, con su mujer Big Barda haciendo el amor un episodio sí y otro también. Luego añade el número del parto y las sucesivas aventuras con el bebé ¿Qué es el Ragnarok al lado de un niño sin su biberón?

Mr. MIlagro de Tom KIng y Mitch Gerads, un comic de superhéroes
Tradicionalmente la presencia de elementos cotidianos actuaba como contrapunto de sucesos más heroicos, una pauta que inició Ditko en Spiderman y ha tenido constantes relecturas. Por ejemplo en clave humorística, como La Liga de la Justicia de Maguire y Giffen. O de manera más dramática y seria en el “Batman año I” de Miller y Mazzuchelli. Con King la sensación es “hay una guerra interestelar donde miles de personas son masacradas pero ¿qué importa eso si mi bebé ha dicho sus primeras palabras?”. El guionista intenta ser tan ingenioso e irónico que al final casi nada tiene importancia. A ello se une una puesta en escena terriblemente desafortunada y, lo que es aun peor, muy pelmaza. Gibbons tomó la retícula de 3x3 viñetas que usaron en “Watchmen” de Kurtzman.
Según me comentó hace años, “Intentábamos copiar todos los trucos que podían funcionar”. Otros lo habían usado en la E.C. y muchos lo recuperaron en los ochenta. La pauta favorece una cierta sensación de regularidad y les va bien a ciertos dibujantes. Pero no es el caso. Pronto se produce el “efecto mosaico” y, cada vez que se vuelve a ver la misma estructura de página la sensación es de aburrimiento. Se siente una necesidad casi física de que alguien tenga el sentido común de acabar con esa reiteración. En las escenas bélicas es singularmente irritante. Los bocadillos nos hablan de peleas sangrientas y la estructura visual ni se inmuta. Gran lección de narrativa. Lógicamente el dibujante no es Gibbons y no aporta su riqueza documental en fondos y expresiones. A veces los personajes parecen reír cuando deberían llorar y al revés. Lo llaman realismo. Mi escena irritante favorita es cuando la pareja comenta que la canción que sonaba cuando se conocieron eran los lamentos de los condenados en los pozos infernales. Así que la ponen y, mientras suenan los gritos de los desgraciados, ellos dos se parten de risa. Pues así todo.

No puede haber drama ni épica si no hay una construcción de personajes creíble. King no está en eso. Lo suyo es emplear dos páginas en hablar de Descartes, en ofrecer un plano del bebé desde dentro del útero de su madre y en cualquier cosa que suene a provocativa o moderna. No considero que el legado de Kirby sea inviolable. Si King hubiera cogido a sus personajes y nos hubiera entretenido con ellos dándoles la vuelta, me habría parecido fantástico. Pero tiene muy poco nuevo que ofrecer. Nada que justifique la ingente cantidad de páginas que emplea para contar más bien poca cosa. Su desprecio hacia los aspectos narrativos más elementales convierte la lectura en una verdadera agonía. Un tebeo solo para pedantes con inclinaciones masoquistas..





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viernes, 20 de septiembre de 2019

THE MAGIC ORDER COMIC de MILLAR y COIPEL

Reseña de THE MAGIC ORDER de Mark Millar y Olivier Coipiel - magia comic
Panini Comics, Barcelona, 2019.
176 páginas, 18 euros

CREER EN LA MAGIA
Mark Millar lo ha vuelto a hacer. Con The Magic Order propone un nuevo concepto, un universo mágico tan coherente como narrativamente efectivo.


No todas sus propuestas son tan exitosas. Se ha publicado la segunda parte de Jupiter’s Circle y seguimos echando de menos a Quitely, el maravilloso dibujante de Jupiter’s Legacy, la serie de partida. También algo más de inspiración en los guiones que, siendo correctos, no alcanzan las cotas de otras entregas del prolífico creador.
Pero en su propuesta mágica todo son buenas noticias. Primero, la presencia del dibujante francés Olivier Coipel, un profesional con una larga experiencia en los comics de superhéroes. Tiene un elegante diseño de página, unos acabados precisos y delicados y los rostros de sus personajes son siempre encantadores. Le acompaña Dave Stewart con un color que aporta atmósferas y gamas tan contenidas como sugerentes. Satisfacen con creces las exigencias gráficas del guión.

Si la visualización es correcta y hasta muy inspirada por momentos, el argumento es arrebatador. Como suele ocurrir con Millar la primera sensación es que nos traslada a un terreno conocido. En este caso se trata de una versión adulta de Harry Potter.


Un universo en el que un grupo de magos defiende a los humanos de los terrores que les acechan desde otras dimensiones. Todas sus hazañas permanecen ocultas para no provocar el pánico y la locura entre los confiados terrestres.
También hay unos villanos, una escisión de la familia de hechiceros buenos, adecuadamente vestida de cuero y de aspecto más macarra y “rebelde”. La acción se inicia con un asesinato, a cargo de un tipo que oculta su identidad bajo una de esas siniestras máscaras del carnaval veneciano. A medida que avanza la trama vamos conociendo a los diferentes miembros de esa dinastía de magos, sus vicios y sus virtudes, sus miedos y sus osadías.
Los asesinatos se suceden hasta que el heredero de la casa mágica, retirado por una gran tragedia familiar, se ve obligado a usar su varita mágica, que había prometido no volver a tocar. Como verán, hasta aquí no hay nada que nos sorprenda mucho. Es un planteamiento que serviría como resumen para varias películas, series y hasta novelas, resulta familiar.

Reseña de THE MAGIC ORDER de Mark Millar y Olivier Coipiel - magia comic
Pero Millar se las apaña para retorcer sus premisas y conseguir dos grandes momentos en el último tramo del relato, firmando uno de los finales más satisfactorios de los últimos años. Juega muy bien con algo crucial en un buen guión, como son las expectativas del lector. ¿Qué esperamos de tal personaje? Si se nos ha indicado que ese elemento aparentemente banal tiene importancia, esperamos que en algún momento la pista se concrete en algo que premie nuestra atención. En la reciente “Érase una vez en Hollywood”• encontramos un ejemplo de libro de lo que comento. Me refiero a la escena del perro. Se pierde un montón de tiempo en una secuencia aparentemente inocua: cómo el personaje de Brad Pitt alimenta a su perro. Luego, en el catártico final, comprobamos que aquella parsimonia obedecía a una lógica narrativa cuyo brutal sentido se desvela más tarde, para satisfacción del espectador.

Las expectativas pueden emplearse en dos sentidos. En el positivo el lector obtiene lo que espera. Del personaje, de una situación… Planteadas las premisas el relato debe satisfacerlas o se traiciona a sí mismo. Pero cabe un uso negativo cada vez que el lector espera un determinado desarrollo de los acontecimientos. El guionista puede jugar con eso, que es exactamente lo que ensaya Millar. Así que de repente uno de sus personajes ¡hace lo contrario de lo que se esperaba de él! Cuando apenas nos hemos recuperado de esa maniobra aparentemente absurda, activa a otro de sus personajes, llevándolo a una posición inesperada. Pero, al mismo tiempo, de una forma absolutamente coherente con su carácter, tal y como ha sido descrito de manera sutil pero sostenida a lo largo de toda la narración. El resultado, lo he dicho y lo repito, es increíblemente satisfactorio. Millar supera nuestras expectativas pero no nos decepciona, al contrario, nos brinda algo que va mucho más allá de lo que habíamos anticipado.

En resumen: un cómic para pasárselo en grande.
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viernes, 13 de septiembre de 2019

EQUIPO ROJO 2 de ENNIS Y CERMAK COMIC POLICIACO

Equipo Rojo 2, centro de masas, dos disparos de Gart Ennis y Graig Cermak  edita Planeta Comic
Planeta Comis, Barcelona, 2019.
248 páginas, 20 euros

UN EQUIPO DE DOS
Llega ahora lo último de Garth Ennis, el segundo volumen de Equipo Rojo, coincidiendo con la emisión de The Boys, una excelente teleserie basada en su cómic con Robertson.


Si, como en mi caso, se les escapó el primer tomo de Equipo Rojo publicado en 2015, todavía están a tiempo de adquirirlo en tiendas de segunda mano. Aunque pueden leerse ambos por separado, todo tiene más sentido si se respeta el orden cronológico.

En el primer libro se nos presenta a los protagonistas, un grupo de policías hartos de que los malos se escapen con triquiñuelas legales. Así que Ennis, el hombre que escribió Punisher durante años, da un paso atrás y muestra las barreras morales que una persona decente debe saltar antes de justificar un asesinato. Que no son pocas. A esa primera discusión sobre el bien y el mal se suma otra, de carácter más práctico: qué hacer si no queremos que nos pillen. Aunque el dibujo de Graig Cermak todavía resulta un poco rígido y el color muy oscuro, el primer volumen se disfruta de lo lindo y Ennis lo remata con un satisfactorio y muy sangriento final. Como siempre, el guionista enlaza con habilidad los elementos de serie negra con las relaciones personales entre los diversos protagonistas.

El segundo libro retoma a los personajes supervivientes y los lanza a una nueva aventura, en la que se meten casi por casualidad. Un encuentro fortuito en la calle les permite detener a un peligroso narcotraficante. O eso es lo que creen, porque enseguida todo se complica.



Viñeta de Equipo Rojo 2, centro de masas, dos disparos de Garth Ennis y Graig Cermak edita Planeta Comic
La fórmula narrativa es diferente a la del primer tomo, un encadenado de flashbacks. Aquí todo sucede en un presente que no se detiene jamás. La resolución de la trama policial es más débil que en la primera entrega, con esa escena bastante forzada en la fiesta de los barrios altos. Aunque también cabe decir que Ennis añade complejidad al contenido, saliendo del gueto para echar un vistazo a ciertos vicios de las clases altas. Muy bueno el personaje del abogado chanchullero. Sin embargo la forma en que explica las relaciones afectivas es maravillosa. Ennis escribe una gran historia de amor, con momentos sublimes y escenas inolvidables y sexys. Lamentablemente, como todos los grandes relatos románticos, ya les adelanto que no acaba bien. Quién sabe si habrá otras oportunidades en el futuro…

Si el guión tiene destellos del mejor Ennis (y eso es mucho decir), el dibujo se sale. Cermak asimila las lecciones aprendidas en la primera parte y su arte despega hasta las más altas cumbres. Nos enamoramos de su protagonista femenina desde la primera viñeta en que aparece. Si Ennis se encarga de aportarle una personalidad fuerte y y un carácter tan enérgico como atractivo, el dibujante nos ofrece una encarnación que pide a voces su adaptación cinematográfica. Todo está dibujado con precisión fotográfica y al tiempo, las actuaciones son perfectas y la narrativa eficaz y sutil. Para redondear la fórmula el color es luminoso y ajustado. Ya he desvelado demasiados elementos de la trama así que no voy a seguir. Este es un cómic imprescindible, con diálogos muy bien escritos y personajes encantadores. Corran a comprarlo porque lo disfrutarán.

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viernes, 6 de septiembre de 2019

MARSHALL BASS 2 ASESINATOS KORDEY MACAN

marshall bass 2 asesinatos familiares Igor Kodey Darko Macan comic western
ECC Comics, Barcelona, 2019.
56 páginas, 12,95 euros

TODOS MUEREN
Aunque en su momento ya comenté la salida del primer tomo de esta colección, su calidad es tal que me siento obligado a recomendar esta segunda entrega.


Seguimos en el mismo territorio, geográfico y moral. El viejo oeste, a la manera de la antigua Yugoslavia. Del guionista, Darko Macan, ya sabíamos que no es precisamente la alegría de la huerta. Tanto él como su dibujante, Igor Kordey, pasaron por la experiencia de la guerra balcánica y se entiende que algo así te deja bastante tocado.
Sus argumentos se inclinan hacia el pesimismo y una visión muy cruel de las relaciones humanas. Vivimos en un mundo sin esperanza donde impera la ley del más fuerte. A pesar de todo, cabe oponerse al triste destino y en ocasiones el azar juega a nuestro favor.

Este era un poco el planteamiento de arranque de la serie. Por supuesto que nombrar como representante de la ley a un negro en aquel salvaje oeste suponía aumentar claramente sus posibilidades de recibir un tiro. Pero si es tan duro como este Marshall Bass quizás sobreviva mientras los álbumes se sigan vendiendo.

marshall bass 2 asesinatos familiares Igor Kodey Darko Macan comic western
Así que aquí, como en el primer capítulo, el argumento describe el peor escenario posible y el héroe va de una situación tremebunda a la siguiente, salvando el pellejo casi de milagro. El planteamiento inicial es tan simple como efectivo. Esta es la historia de una familia de psicópatas en el oeste. Lógicamente se topan con la ley y el álbum nos cuenta todas sus vicisitudes hasta el horrible final. Sin remordimientos, sentimientos ni emoción alguna que parezca lejanamente humana. Como todos los sucesos se encadenan con habilidad, el guión no nos da tiempo a reflexionar mucho sobre lo que pasa, tan solo nos conduce de una página a la siguiente hasta que casi sin darnos cuenta llegamos al final.

Obviamente, el mayor responsable del magnetismo de este trabajo no es Macan. Su labor es respetable y hasta correcta, pero es que Igor Kordey, el dibujante, está que se sale. Considero que ahora mismo es uno de los creadores más poderosos del panorama mundial. Vean si no sus vistas generales (¡Esa increíble doble página con la calle mayor del pueblo!), cómo dibuja a los personajes en planos enteros, las sombras y los rebotes de luz que incluye en las caras, la sensación de volumen de personas y objetos… Es justo añadir que cuentan con un excelente colorista, Vitkovic. Pocos comics como éste transmiten tan bien la intensidad solar, todo parece bañado por una fuerte luz que aumenta el contraste de las sombras y endurece las formas.

Kordey además es un narrador que no se conforma con cualquier solución. Juega con la planificación y ajusta la estructura de viñetas siempre a lo que está contando. El resultado es redondo y abrumador, su trabajo admirable, cada vez mejor. Llevo muchos años siguiéndolo y sorprendiéndome de sus logros. También me llama la atención que muchas de sus obras permanezcan inéditas, incluyendo un Star Trek y su Tarzán y Carson de Venus. Confío en poder verlo traducido algún día. Mientras, seguiremos disfrutando con la crudeza y fuerza de su héroe afroamericano. Yo ya espero por el siguiente.

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viernes, 26 de julio de 2019

RIP GUILLERMO MORDILLO MUERTE DE UN PAYASO

Foto Mordillo RIP 2019 Palma

A finales de junio moría en Palmanova el dibujante argentino Guillermo Mordillo. Pasó muchos veranos en Mallorca, disfrutando con la tranquilidad de la isla y practicando una de sus pasiones: el golf.


Todos sus lectores sabían de esa afición, que pobló una buena cantidad de sus gags. Él, sin embargo, lo comentaba casi excusándose, explicando que en Inglaterra era muy popular, sin esa consideración elitista que aquí le atribuimos. Esto coincidía con otro aspecto de su biografía: él era un autor de éxito, con residencia en París, Mallorca ¡y Mónaco! En este último caso con permiso concedido por su alteza serenísima el príncipe Rainiero en persona.

Respecto a la fama tenía una actitud ambivalente. Le gustaba mostrar sus fotos con Pelé y otros personajes populares y presumía de los dibujos que le habían dedicado otros colegas de profesión. Se quejaba cuando Sempé no le saludaba si se encontraban por las calles de París. Él habitó una cumbre donde cabían muy pocos. Por un lado eso era un motivo de orgullo pero por el otro parecía que debía demostrar cierta humildad, para no ofender a todos aquellos que no habían conseguido llegar, la mayoría.

El camino había sido largo desde su Buenos Aires natal. Como joven dibujante se había iniciado en las agencias de publicidad y en la ilustración de cuentos infantiles. Luego lo había dejado todo atrás para perseguir un sueño de la infancia, viajando a Estados Unidos para convertirse en animador. Pero tras una estancia en los estudios Fleischer descubrió que no estaba hecho para formar parte de una galera de esclavos. Así que dio el salto a Europa. Rastreó a sus antepasados en España y se plantó en París.

Mordillo El GaleónDesde allí inició su ascenso, lento pero seguro. Sus trabajos iniciales recuerdan a todos los ilustradores de la época. Ese estilo “tarjeta de felicitación” que encontramos en el joven Crumb, en La Pantera Rosa o en Flora. Poco a poco fue abriéndose camino en prensa y configurando unas maneras propias.


Luego llegó su primer gran éxito internacional: “El galeón”, una historia muda que ha sido reeditada recientemente. Allí nos contaba el nacimiento, vida y muerte de un barco pirata y su estrafalaria tripulación. La reedición de 2013 sustituía los salvajes colores pop de la acuarela original por unas gamas más moderadas y casi tristes, mezcla de acrílico y pastel.

Esa fue una de las ocupaciones del autor en sus últimos años: reinterpretar con otras técnicas obras realizadas con anterioridad en acuarela o anilinas. En aquella primera etapa de su carrera encontramos algunos chistes subidos de tono. No podemos olvidar que trabajaba para Francia. Después se olvidó de esas picardías, adoptando un enfoque más familiar, con chistes sin aristas ni complicación alguna. En un determinado momento se convirtió en un producto “trans-media”, que se diría ahora. Sus chistes se transformaron en posters, puzzles, camisetas, carpetas y lo que se les ocurra.

Mordillo Humor descanse en paz
Para aumentar aun más su popularidad a una compañía alemana se le ocurrió realizar una serie de animaciones inspiradas en sus mundos. En los últimos años sus personajitos blancos habían colonizado el mundo, asegurándole fama y fortuna. Si ese éxito era el fruto merecido de un trabajo duro, exigente e incesante, la segunda acusación que perseguía a Mordillo tenía que ver con su tono.

Heredero indudable y confeso del cine cómico mudo, había una ternura inherente a cada uno de sus gags. Nos identificamos con sus héroes, tipos condenados al fracaso pero con una capacidad infinita para intentarlo una y otra vez, sin rendirse nunca. Mordillo buscaba un público internacional y sin limitación de edad. Y en muchos casos sus gags conseguían la magia de arrancar una sonrisa a nietos y abuelos. Yo creo que había que estar cubierto por una capa muy espesa de cinismo y amargura (otros lo llamarían realismo) para no disfrutar con su obra.
Con sus colores, sus construcciones, sus ideas y su humor. ¿Que era sentimental y empalagoso, demasiado blandito, poco crítico? Probablemente. Sus mundos eran lo opuesto a lo que se espera hoy de un dibujante de humor, todo crítica y mala baba. Eso no quiere decir que la ironía no estuviera presente en sus dibujos. Hacia la polución, las relaciones, humanas, los desastres ecológicos, nuestro trato a los animales… Mordillo no evitaba pronunciarse sobre casi nada. Pero siempre lo hacía desde una posición luminosa y amable. Su blandura era solo aparente, una máscara que lo alejaba de la melancolía y la desesperación. Sabía muy bien cual era su ineludible deber profesional ¡Haz reír, payaso!

Trajo felicidad al mundo y yo se lo agradezco. Mucho.


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viernes, 19 de julio de 2019

LO QUE MÁS ME GUSTA SON LOS MONSTRUOS DE EMIL FERRIS

Lo que más me gusta son los monstruos de Emil Ferris novela grafica bic
Reservoir Books, Barcelona, 2019.
416 páginas, 33,15 euros

PESADILLAS INDIES
Cada cierto tiempo los más exquisitos críticos se ponen de acuerdo para recomendar lo que califican como “mejor cómic del año”. En esta ocasión tal honor ha recaído sobre la primera novela gráfica de Emil Ferris.


Su promoción ha contado con el apoyo de dos estrellonas “indies”, Spiegelman y Ware. Además, Ferris es de origen latino (tiene abuelos españoles) y es una mujer de más de cincuenta años que ha debutado en el medio con este extraño trabajo dibujado con boli Bic. Hay quien parece valorar mucho estos elementos.
Otros contenidos que encontramos en la obra le aportan (parece ser) un irresistible interés: protagonistas gays y marginados, denuncias al racismo, citas cultas a pintores, reivindicaciones raciales y feministas, denuncia del fascismo de Hitler y sus compinches, fogonazos sexuales y una atractiva sordidez que incluye fulanas y pederastia.

Como guinda del pastel se añade un héroe lleno de color, el hermano de la heroína, un hispano con tantas novias como tatuajes y una barbita total. Por supuesto deben sumar a todo ello la inusual puesta en escena y sus llamativos grafismos, que han llevado a algunos a comentar que la autora libera a la novela gráfica de sus limitaciones comerciales y corsés visuales.

Lo que más me gusta son los monstruos de Emil Ferris novela grafica bic
En realidad, lo único que hace Ferris es acumular una ilustración chula (recuerden ¡con su Bic!) tras otra, olvidando toda preocupación narrativa. También es muy libre con los textos, que se agrupan en líneas de desigual tamaño llegando a inclinarse en una dirección y otra.

En este artefacto la visualización, aparentemente muy importante, apenas cuenta. Grandes conjuntos de líneas se acumulan para desesperación del más paciente lector. Más que nada porque se supone que engordan una densidad dramática más pretendida que real. Todo es tan rompedor y guay, que apenas nos queda tiempo para preocuparnos por unos personajes increíbles y sin desarrollo.

La protagonista, una alter ego de la autora y con la que imagino que se identifican los seguidores de este libro, es una niña rara a la que le gustan las pelis de monstruos. Ella se ve a sí misma como una regordeta mujer-lobo. Eso (¡Oh, qué sorpresa!) es una metáfora de la alienación. El componente simbólico pasa a un primer plano desde la viñeta inicial y ya no nos despegamos de él en ningún momento. Solo se va hinchando como un globo recalentado. La queja pasa del dominio familiar al grupal y universal. La pobre niña sufre mucho y se rodea de perdedores y frikis como ella.

Marginados por su situación económica, su condición sexual, su origen racial o por su extrema sensibilidad. Para enlazar el constante juego de presentación de personajes y situaciones llamativas se recurre a un truco de guión cuya artificiosidad se enuncia desde su presentación. Hay un asesinato y la niña investiga el crimen. Pero en realidad todo da igual, la cuestión es ahondar en una suerte de realidad alternativa “indie” de la que la normalidad ha sido expulsada. Los monstruos se convierten en figuras protectoras en este cosmos anómalo, son los santos que nos protegen de la muerte y la soledad.

Si no se han sentido colmados con las últimas películas de Jarmusch, Almodovar o Coixet creo que harían bien leyendo esta novela gráfica. Por mi parte, corro a devolverla a la biblioteca, para que otros puedan disfrutar con esto. Digo “esto” porque no me atrevo a llamar cómic a este tostón insufrible, sin duda otra buena razón para cargarlo de premios. Si no se parece a un cómic convencional, seguro que es bueno. O no.


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viernes, 12 de julio de 2019

RUSS MANNING "STAR WARS"

Star Wars las tiras de prensa clásicas de Russ Manning Planeta ComicPlaneta Comic, Barcelona, 2019.
272 páginas, 50 euros

EL ÚLTIMO CLÁSICO
Una de las sorpresas más agradables del año. Este primer volumen agrupa las tiras de prensa que Russ Manning dibujó sobre “Star Wars”.


Ya se anuncia su continuación: otros dos tomos donde se recopilarán las aportaciones de Goodwin y Williamson a la serie. El primer libro es una maravilla, una de esas lecturas que se empiezan y no se pueden soltar.

Manning no es un desconocido entre nosotros. Todos recordamos su “Korak” para Dell-Gold Key y, por supuesto, su “Tarzán” que ahora Manuel Caldas está reeditando. Quienes lo leímos en su momento no hemos podido sacárnoslo de la cabeza. Manning estuvo más de una década en la serie y tan solo “Star Wars” consiguió alejarle de los mundos de Burroughs.

Al principio pensó en compatibilizar ambos trabajos, con un equipo de ayudantes, pero pronto se vió obligado a reconocer que era imposible. Aunque los universos galácticos y las selvas africanas parezcan opuestos, incompatibles, conviene recordar que Manning se inició en los tebeos con otra popular serie de ciencia-ficción, “Magnus, robot hunter”, así que no era un novato en la fantasía cósmica.


Su participación en “Star Wars” fue tan breve como modélica. Prácticamente ya he resumido toda su carrera, murió joven a causa de una cruel enfermedad así que estas tiras fueron su último empeño. En España se publicaron parcialmente en periódicos en los ochenta, pero no se habían reagrupado y editado con el mimo que apreciamos en el actual volumen. Se han distribuido con inteligencia los sundays (las planchas dominicales) y los dailies (las tiras diarias), juntando las páginas a color cuando constituían aventuras completas y separadas de lo que aparecía a diario, o integrándolas entre las tiras en B/N, cuando las andanzas semanales se integraban en la plancha dominical. Para redondear un libro maravilloso, se incluye un ensayo sobre la aparición de “Star Wars” en prensa y una semblanza de Manning.

Star Wars las tiras de prensa clásicas de Russ Manning Planeta Comic
Poco tengo que contarles a sus seguidores en “Tarzán”. Todo tiene ese sabor aventurero, fácil, con héroes peleando con villanos en mundos exóticos y enfrentándose a peligros sin fin. Los primeros episodios quizás recuerdan más al Flash Gordon de Dan Barry, con su aire ligero y sus inevitables dosis de humor.

Pero luego Manning impone su presencia y, aunque abandona los guiones, de alguna forma nos devuelve a los maravillosos ambientes que ya transitamos en su “Tarzán”. Grandes escenarios, atractivos monstruos y unos personajes (Luke Skywalker, Han Solo, la princesa Leia…) que se apropia y a los que emplea con maestría. No es necesario añadir que los seguidores de la saga cinematográfica sin duda disfrutarán más con algunas de estas aventuras de papel que con algunas de las nuevas entregas fílmicas.

Manning trabaja con elementos sencillos, tinta y papel, pero consigue resultados más elegantes y entretenidos. Su empleo de unos contrastes tan extremos como efectivos sigue subyugándonos, su dibujo es simple pero eficaz, con unos contrapicados que sobre todo llaman nuestra atención en los diálogos. Estas tiras son un trabajo mayor. Al final Manning no pudo más y fue sustituido por Alcalá, con unos resultados que es mejor olvidar. En la transición contó con la ayuda de autores tan conocidos como Dave Stevens, cuya presencia se percibe en algunas viñetas protagonizadas por la princesa Leia. No defraudará a los seguidores de la saga y a cualquier lector que sepa apreciar el buen hacer de un gran narrador. Sin tonterías, sin artificios, todo fluye con envidiable facilidad en el trabajo de Manning, el último clásico.

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viernes, 5 de julio de 2019

HOY ÚLTIMO DÍA DE ULLI LUST

Novela gráfica Ulli Lust Hoy es el último día del resto de tu vida
La Cúpula, Barcelona, 2011.
464 páginas, 30 euros


VACACIONES EN ITALIA
Recientemente comentaba el último trabajo de Ulli Lust, “Cómo traté de ser una buena persona”. No deberían de perderse su entrega anterior “Hoy es el último día del resto de tu vida”, donde narra sus desventuras adolescentes.


El tono de confesión personal que encontramos en su segunda obra se mantiene pero aquí todo es más desgarrador al tratarse de una adolescente, casi una niña. Lust nos cuenta su viaje de iniciación a Italia con apenas diecisiete años.

Ella era una punki, una rebelde enfrentada a sus provincianos padres, que se larga sin dinero ni pasaporte a un sur idealizado, acompañada de una amiga aun más descerebrada que ella. El dibujo no está tan maduro como en su última obra pero ya es bueno y muy expresivo.

 Abundan las emergencias poéticas, momentos del relato que Lust subraya con grafismos atrevidos e innovadores. Pero sobre todo lo que resulta subyugante vuelve a ser la historia, la fuerza arrolladora del relato. Ya suponemos que a las dos amigas les van a pasar mil putadas en su periplo italiano. Lo que fascina es cómo lo cuenta, como lo interioriza y luego nos lo transmite. Sentimos esas mil miradas de los machitos italianos poco acostumbrados a ver mujeres vestidas de forma llamativa. Las abordan una y otra vez, con poca delicadeza.

Novela gráfica Ulli Lust Hoy es el último día del resto de tu vida
Mientras nuestra heroína vive junto a otros punkis y colegas que van encontrando por las calles todo va bien. La cosa se complica y mucho cuando se desplazan al sur y más cuando ella se queda sola. A las miradas les suceden las agresiones directas, con situaciones tan complicadas como que ella decide “hacerse novia” del chaval que la ha violado porque la alternativa, vagar sola por las calles, es aun peor. Lust no se recrea en sus penurias, su mirada es la de una superviviente que hace lo necesario para ir tirando. Incluso encuentra espacio para el humor, aunque la mayoría de las cosas que le pasan son espantosas.

Al final interviene la mafia con lo que el asunto acaba siendo casi de vida o muerte. En la actualidad esta novela gráfica está prácticamente descatalogada. Pero si este verano se la encuentran en algún mercadillo no lo duden y háganse con ella. Es imprescindible.


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viernes, 28 de junio de 2019

WESTERN ADAH KEN PARKER BERARDI MILAZZO

ken parker de ivo milazzo y Berardi la mujer de cochito - adah comic western
ECC, 2019
200 páginas, 9,95 euros


UNA POBRE NIÑA NEGRA
Me había prometido a mí mismo no volver a escribir sobre Ken Parker. Pero el último episodio publicado es un trabajo de tal envergadura que sería un pecado no comentarlo.


La historia de “Adah” se publicó originariamente en 1982. Han tenido que pasar casi cuatro décadas para que un editor español reconociera la calidad de este episodio ¡Demasiados años!

Cuando he comentado con otros lectores las virtudes de Ken Parker observo que es un producto que tiende a ser menospreciado. Al fin y al cabo es un western. Agua pasada, una cosa rancia. Reconozco que mi entusiasmo disminuye cuando Milazzo no se encarga de los lápices (y los “penninos”, como decía él). Pero en esta última entrega hay dos capítulos que no deberían perderse.

En el primero Berardi escribe una intensa historia sobre un indio medio blanco que huye con su amor para vivir una dramática aventura, enfrentado a blancos y rojos. Se titula “La mujer de Cochito” y la dibuja Carlo Ambrosini, que se esfuerza de forma muy meritoria por parecerse a Milazzo. Está muy bien.

Y luego tenemos “Adah”, que es uno de los diez mejores tebeos que yo he leído en mi vida. ¿He dicho diez? Dejémoslo en cinco. A mí “Adah” me vuelve loco. Conocí la versión italiana a color en cartoné. Supongo que antes se publicó en grises en la serie regular, como en la edición española. Pero lo cierto es que muchos de los matices de esa versión a color, con el salto de los tonos planos a viñetas con lavados de acuarela, se pierden en un formato que iguala en exceso los diversos niveles del relato. Y que directamente oculta aspectos importantes, como en la escena de la regla. Adah acaba de tener su primera menstruación y se despierta sobresaltada en medio de la noche. Obviamente la mancha colorada que luego ensucia sus manos en la viñeta siguiente se esfuma en la versión en B/N. Hasta aquí las quejas. El resto es puro disfrute.

ken parker de ivo milazzo y Berardi la mujer de cochito - adah comic esclavitud usa mujer negra
Si usted es de los que compra un cómic por su tema aquí tiene excusas de sobra para adquirirlo.

Se nos cuenta la historia de una esclava, de una mujer que pasa por múltiples peripecias que incluyen la explotación laboral y sexual, violaciones y violencias varias, su paso de niña a mujer, su relación con su madre y su abuela, el padre ausente o inalcanzable…

Por supuesto Berardi aprovecha para escribir el mejor comic sobre la esclavitud que yo recuerde. Y sus seguidores ya pueden suponer que no solo aborda la violencia contra la mujer, también el desamparo de la infancia y los abusos a los que cualquier niño puede ser sometido. En muchos casos sin tener siquiera la oportunidad de quejarse o denunciarlo. Pero todo esto no es más que la superficie. Lo verdaderamente profundo, lo bueno, está por debajo de estas excusas argumentales.

Con Milazzo en su mejor momento dibujando personajes tremendamente expresivos, con una narrativa contenida pero al mismo tiempo magistral en cuanto al empleo de masas negras. Ayudado por ese dibujo prodigioso Berardi da vida a unos personajes a los que pronto aprendemos a amar, con reacciones individuales ante unos sucesos históricos que casi se los llevan por delante y complejas relaciones entre todos ellos. “Adah” es el gran tebeo sobre la esclavitud en Norteamérica, justo al inicio de la Guerra Civil.

Nos describe a la perfección las complejas interacciones que se daban entre amos y esclavos. También se apunta a la situación tras la guerra, más mísera y enrarizada de lo deseable. Berardi encadena flash-backs a toda velocidad, cada secuencia mejor que la anterior, con la seca brevedad de los clásicos.

Todo lo que se cuenta es importante y juega un papel en este fenomenal drama. “Adah” es el apasionado retrato de una mujer desde su infancia hasta su madurez, explicando el duro trayecto necesario para conseguir su libertad. Una libertad que no es solo social o económica, también mental y emocional. Es un tour de forcé donde caben todos los matices del universo femenino, con sus fortalezas y debilidades. Háganme un favor: dejen de leer esto y corran a comprar el volumen 23 de la serie Ken Parker.
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viernes, 21 de junio de 2019

COMIC CIENCIA FICCIÓN MADE IN SPAIN

TAN CERCA, TAN LEJOS
En un mercado donde abundan las memorias históricas y personales resulta muy saludable respirar de vez en cuando los aires de realidades alternativas y de galaxias no tan lejanas como suponíamos.


De entrada aplaudo toda propuesta imaginativa, que nos aproxime a los géneros que nos llevaron a amar este medio. Estamos huérfanos de fantasía. Recientemente he leído dos tebeos españoles de ciencia-ficción, quizás no redondos pero sin duda interesantes.


La Auditora  de Jon Bilbao y Javier Peinado  Astiberri, comic ciencia ficción
La Auditora  de Jon Bilbao y Javier Peinado
Astiberri, 2019
146 páginas, 16 euros

En “La auditora” se nos sitúa en un pueblo costero dedicado aparentemente en su totalidad a la fabricación de un misterioso producto. Todo el lugar parece dominado por una familia, compuesta por una dominante madre y varios hermanos muy distintos entre sí.

En las primeras planchas comprobamos cómo supervisan la producción y cómo se comportan los diversos miembros de la familia. Luego aparece el primer conflicto: un robot que vive camuflado entre los trabajadores. Para descubrirlo deciden recurrir a la ayuda de esa auditora que da título a la obra. Es la ayudante de una inteligencia artificial y se dedica a comprobar que la industria se gestiona con eficacia. Al mismo tiempo, intenta localizar al robot perdido. Esta novela gráfica cuenta con un dibujo correcto y un argumento entretenido. A veces el ritmo es irregular, como el dibujo. Pero en general se nota esa voluntad de construir una narración amena, con sorpresas y personajes poco habituales. Considero que tiene un problema estructural.



En la presentación parece que estamos ante una obra coral, vamos a ver cómo evoluciona ese microcosmos, cómo maduran y cambian sus componentes. Pero en realidad no es así. Hay un pasaje especialmente fallido, cuando la mujer del cazador cuenta su truculenta historia de automutilación, que señala el desplazamiento de la narración. Pasa de atender al colectivo a fijar su atención en una única persona. Con lo que nos quedamos esperando más novedades del “fondo”. Lamentablemente, ese contexto que se ha desplegado con tanto cuidado al inicio, prácticamente se abandona en la segunda parte, centrando el relato en el clásico tema del robot que no sabe que lo es y se siente humano. Está bien, pero acaba sabiendo a poco.

¡Universo! de Albert Monteys  Astiberri, comic ciencia ficcion
¡Universo! de Albert Monteys
Astiberri, 2018
196 páginas, 18 euros

En “¡Universo!Monteys sí que da lo que promete. Construye mundos y los derrumba con insolente facilidad. No le basta con abordar los clásicos temas de la ciencia-ficción, alternativas existenciales que podríamos vivir o aventuras en lejanas galaxias donde los héroes se enfrentan a desafíos que sentimos muy próximos.

No, él mezcla crítica social, mucha ironía, una narrativa que nunca se conforma con la solución más simple y todas las capas de significados posibles. Acumula referencias mientras nos guiña el ojo para indicarnos que esto de la fantasía no es serio pero le sirve como vehículo para sus conceptos.

El envoltorio es sin duda agradable y el color muy bonito. Ganas no le faltan. Pero me pregunto si los resultados son tan convincentes como algunos afirman. La primera historia nos cuenta cómo un empleado viaja, por orden de su empresa, al principio del universo. La idea es poner el logo de su compañía en las primeras células para que toda la existencia se convierta en propiedad de su jefe. Como siempre ocurre en los viajes en el tiempo algo sale mal. La narración no se detiene ante nada y asistimos al complejo y dificultoso regreso de ese protagonista que comprueba que nada es tan fácil como le habían prometido.

¿Lo mejor? El chiste con el imperio de las hormigas, una burla a la evolución que el héroe se permite.

¿Lo peor? Un final demasiado atropellado teniendo en cuenta el despliegue sicodélico del inicio.

A partir de ahí esa es un poco la tónica. Buenas ideas con desarrollos erráticos. En mi opinión el mejor episodio es el último, ese desplazamiento temporal que asegura una premisa fácil de entender y que se cuenta bien, hasta el final. Pero esa sencillez narrativa es más la excepción que la norma. Con todo, un trabajo valioso y bien intencionado.
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viernes, 14 de junio de 2019

BLANCO, LA ÚLTIMA SONRISA DEL TBO

El pasado mes de mayo moría en Barcelona el último dibujante del TBO clásico, Josep Maria Blanco Ibarz. Tenía 92 años y con él se desvanece una de las etapas más gloriosas de la historieta española.


En 2011 tuve el honor de organizarle una exposición acompañada por un voluminoso catálogo en el Casal Solleric de Palma. Sus vínculos con Mallorca eran conocidos, dos de sus hijos residen en la isla y él solía acercarse en verano.

Repasé con él la lista de caídos del TBO. Entonces todavía seguía en pié Muntanyola, que moriría en 2012. Pero Blanco, con la crudeza del superviviente, me apostilló: “Él era más bien un colaborador. De plantilla solo quedo yo”. Y ahora ya nos hemos quedado definitivamente sin testigos de aquella época.

Otro comentario que solía repetir era la atención que los medios prestaban a Bruguera, en detrimento del TBO. No conviene olvidar que, antes de que Mortadelo y Filemón, Anacleto o Zipi y Zape existieran, el TBO era la revista de historietas más vendida y leída de este país, con tiradas que hoy resultan casi imposibles de imaginar.

Descanse en paz Josep Maria Blanco TBO


Habitualmente se valoran más los aspectos de crítica social y retrato distorsionado de la realidad que aparecen en las publicaciones de Bruguera, frente a los mundos felices que encontrábamos en el TBO. Lo cual nos remite a una premisa que cierta crítica ha convertido en dogma, como es la visión del arte como herramienta política. Recientemente leía una revisión de “Cantando bajo la lluvia” en clave feminista. Aparentemente el film es un elogio del heteropatriarcado y Debbie Reynolds una sumisa y un mal ejemplo para toda mujer. Estas aproximaciones delirantes olvidan que las formas artísticas exigen ser leídas según sus propias normas. Esto es, no puedo juzgar un musical sin prestar atención a sus movimientos, su ritmo, su plástica interna. Y lo mismo ocurre con toda forma de arte, incluidas las historietas. Disfruto con el TBO por la misma razón que amo a Matisse (o “Cantando bajo la lluvia”). Porque me trasladan a un espacio de felicidad ideal. Los marxistas rococós me acusarán de conformista pero más reaccionario me parece aplicar una mirada unidimensional a toda obra de arte, despojándola de sus componentes más salvajes y personales y convirtiéndola en proclama, siempre con la misma denuncia en la boca. A veces admiramos la crítica y el señalamiento de los problemas sociales más acuciantes. Pero en otras ocasiones simplemente nos queremos reír, queremos disfrutar con un trabajo limpio, bien hecho, queremos emocionarnos e imaginar que un mundo más educado, más ordenado y amable es posible.

Esos eran los universos a los que nos trasladaba Blanco. Con su dibujo más esquemático pero terriblemente encantador en sus inicios, con su grafismo clásico después, cuando sustituyó a Benejam en “La familia Ulises” o cuando se embarcó a dibujar a las multitudes que ya inundaban Barcelona en los noventa. Recientemente sus traviesas vistas de la ciudad han vuelto a reeditarse en lo que supongo ha sido su última publicación.



Tras la noticia de su muerte no puedo dejar de pensar en las tarjetas de navidad que él mismo pintaba a mano y repartía al llegar el fin de año, siempre con sus mujeres grandotas y sus pequeños y tímidos hombrecitos. Y que ya no recibiré. También pienso en una de las curiosidades que incluimos en su catálogo: una servilleta de papel sobre la que había dibujado en el hospital, a falta de otro soporte. A su edad, ya había tenido que pasar por centros médicos en diversas ocasiones. Él endulzaba aquellos agrios momentos ideando chistes protagonizados por enfermeras sexys y amables médicos. Y él mismo, que aparecía en algunos gags como el de la depilación. Para una de sus operaciones habían tenido que rasurarlo completamente. Semejante afrenta a su intimidad no era algo a lo que un hombre de su edad estuviera acostumbrado. Dibujó la escena y me lo comentó en una entrevista, entre sonrisas y guiños: “¡Todo! ¡Me lo rasuraron todo!”,

En fin, Josep Maria Blanco era un encanto de hombre, un peleón, un trabajador incansable que supo compatibilizar su labor en una entidad bancaria con su oficio de historietista. Nunca descansó, siempre tuvo una sonrisa para todos y sus creaciones permanecerán. Ya lo echamos de menos.


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viernes, 7 de junio de 2019

CÓMO TRATÉ DE SER UNA BUENA PERSONA de ULLI LUST

Cómo traté de ser una buena persona de Ulli Lust Comic novela gráfica La Cúpula
La Cúpula, 2019
370 páginas. 31 euros

GEORG Y KIM
Una novela gráfica excepcional que aborda un tema clásico de forma novedosa. ¿Puede una mujer amar a dos hombres a la vez y conseguir que esa relación funcione?


En realidad el trabajo de Ulli Lust es mucho más, una reflexión de largo alcance sobre las relaciones interpersonales en la modernidad. Pero también puede resumirse como una actualización de “Jules et Jim”. Cansados de la pareja y la familia tradicionales oímos constantes voces que proclaman las virtudes de los nuevos modelos de convivencia. Sin discutir su posibilidad tan solo esperamos que la dureza crítica con que se juzgan los defectos de los paradigmas clásicos se aplique también a las nuevas fórmulas. Lust lo hace.

Primero debo indicar que cuenta con un buen dibujo y una narrativa muy efectivas. Conoce el medio y utiliza bien sus humildes herramientas. Su labor como ilustradora salta a un primer plano con esas imágenes que salpican el libro, apuntes del natural que anclan el relato en esa realidad que se desea describir. En teoría nos encontramos frente a un relato autobiográfico y desde luego lo parece. Emplea muy bien la segunda tinta y nada hay que reprochar a los aspectos formales del producto, con unos acabados que en ocasiones me recuerdan lo mejor del primer Crumb.


El argumento no solo es sólido, también interesante, instructivo y emocionante.
Lo primero que descubrimos es que el hijo de la protagonista vive con sus padres, los abuelos del niño.
Lo segundo que no hay padre y que ella convive con un actor mientras prepara las pruebas para acceder a los estudios de Bellas Artes.
Lo tercero que su novio actual es un poco especial y tras una etapa de pasión inicial no siente ya interés sexual alguno por la heroína. Así que ella decide, de común acuerdo con su compañero, buscarse un amante que la satisfaga en el plano físico, ya que el espiritual lo tiene cubierto.
Así es como entra en contacto con Kim, un africano que sabrá cómo complacerla.

Viñeta Cómo traté de ser una buena persona de Ulli Lust Comic novela gráfica La Cúpula
Hasta aquí todo normal. Si un español hubiera escrito este guión nos explicaría lo felices que vivirían los tres juntos y hasta es posible que Kim y Georg llegaran a entenderse para rematar el éxtasis amoroso y las posibilidades combinatorias de los tres humanos, ahora más allá de los géneros.

Afortunadamente Ulli Lust es austriaca y lo que nos cuenta es algo más complejo.

Primero describe muy bien la culpabilidad que siente la madre frente al niño que se cría con sus padres- Ella ha tomado la decisión de seguir con su vida, ya que tuvo al hijo muy joven, pero eso no deja de atormentarla. No todo el rato ya que a menudo es despreocupada y persigue su propio placer olvidando los sentimientos del crío. Todo eso se explica de forma matizada y resulta muy interesante. Lo mismo los papeles que atribuye a los dos novios. El enrollado actor no puede evitar ciertos celos cuando la ve con el atractivo y joven africano. Al mismo tiempo, con todas sus neuras, no deja de querer a la protagonista y de preocuparse por ella y lleva lo de la “pareja abierta” con mucha dignidad. El novio africano es sin duda el mejor construido. Cuando descubre que ella lo comparte con otro se desencaja en una serie de maravillosas viñetas: “¡Es alucinante!”. Se cuenta muy bien cómo se esfuerza por adaptarse a las nuevas costumbres y su lucha interior, cómo se debate entre imitar los comportamientos de sus compañeros africanos y lo que él siente que debe hacer. Enternecedoras las viñetas en que le pide a ella que no deje al otro novio, al que ha conocido y considera encantador.

El verdadero clímax del relato se alcanza en un final perfecto, cuando las contradicciones del joven negro estallan de forma violenta. Ella va a verle a la cárcel y ahí nos encontramos con una escena impresionante y que yo recomendaría a cualquiera que desee entender el fenómeno de la violencia familiar. Un policía le explica a ella que no permiten que las parejas vean a sus maltratadores ya que después suelen retirar la denuncia. Cuando él termina de hablar ella emite un lacónico “Quiero retirar mi denuncia”. En unas pocas páginas asistimos al drama del amor que lleva de la pasión a los celos en una espiral sin posible solución. Luego la vida sigue, con suerte. Una gran novela gráfica que no deberían perderse.



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viernes, 31 de mayo de 2019

PUNTO FINAL de CARLOS GIMÉNEZ

Punto final de Carlos Giménez Gringo y Dani Futuro comic español edita Reservoir Books
Reservoir Books, 2019
94 páginas. 24,90 euros


DESPEDIDA Y CIERRE
Giménez firma un extraño trabajo en el que se despide de dos de los personajes que marcaron sus inicios en el medio y que se sitúan en dos géneros muy diferentes: el western y la ciencia-ficción.


Si “Gringo” conecta a Giménez con el pasado, con el cómic español más tradicional y popular, “Dani Futuro” fue la serie que lo lanzó hacia un porvenir donde cada una de sus obras redefinía la evolución del medio. Recuerdo como si fuera ayer el momento en que leí aquel primer episodio lleno de ocurrencias narrativas y un color insolentemente pop, tanto como los grafismos de aquel joven Giménez que exhibía su talento desde las páginas de “Gaceta Junior”. Era 1970 y ahora, casi cincuenta años después, el autor decide ponerle punto y final a su serie.

Aunque ni en este caso ni en el de “Gringo” liquida a sus héroes así que quién sabe si en el futuro alguien se atreverá a redibujarlos. Es curioso que estos dos trabajos no estuvieran escritos por él, que más tarde se convertiría en el autor completo más importante de este país, con obras como “Paracuellos”, “Barrio”, “Sabor a menta”, “Hom” o “Primer amor”, auténticas obras maestras que todo aficionado debería conocer, estudiar y admirar.

Sin embargo, ya digo, “Gringo” fue escrito por Manuel Medina, a quien Giménez rinde homenaje en un sentido prólogo. Por supuesto, Víctor Mora fue el guionista de “Dani Futuro” y en su caso las palabras que le dirige ya no son solo de respeto, también de amistad y admiración.


Esa introducción resulta especialmente emotiva por la deuda afectiva e intelectual que el creador confiesa tener con Mora. También por detalles como la corrección que introduce en su última historia, respecto a lo que considera un desliz del original. Me refiero a la secuencia en la que el protagonista, tras un largo periodo de hibernación, intenta levantarse y cae desmayado. Es una viñeta apaisada en la que Giménez muestra diferentes posiciones del personaje, expresando lo que va de los titubeos iniciales hasta que se desploma.

Punto final de Carlos Giménez Gringo y Dani Futuro comic español edita Reservoir Books
En la versión de los setenta Dani corría hacia la izquierda (hacia afuera de la página ya que la viñeta era la primera de la plancha izquierda) y se desmayaba hacia el interior, a la derecha. Según apunta el autor ahora lo ha dibujado siguiendo la dirección “correcta”. Me llama la atención esa actitud crítica hacia su propio trabajo, esa voluntad de, medio siglo después, hacerlo “bien”. Debo añadir que no cambiaría nada del primer episodio. Me enloquecen sus saturadas planchas, sus decorativos motivos, sus diseños futuristas, por mucho que Giménez admita sus deudas con Mezieres… y hasta la viñeta del desmayo. Sí, como comprobamos en su revisión, hacia la derecha es más natural. Pero ese tirón del personaje que intenta correr, se ve detenido y casi atraído hacia la derecha donde se desploma sobre el primer plano de Iris ¡es irresistible!

Nostalgias aparte el álbum se lee muy bien. Sorprendentemente, mejor el episodio de “Gringo” que el de “Dani Futuro”. En este último intenta construir un relato áspero, como si se empeñara en agriar la dulzura de la serie original. Hay brutalidad, una violación, muy mal rollo y una proclama ecologista al final. Pero si el inicio espacial no carece de fuerza la conclusión africana es difícil de tragar. En cambio “Gringo”, que en el original era un western muy anodino, le permite levantar un episodio durísimo y este sí nos lo creemos. Tiene un algo de “Sin perdón”, un vaquero que no quiere líos y tan solo desea vivir en paz con su mujer e hijos. Primero Giménez introduce un apunte contra el racismo y luego se marca un final tremebundo, que incide en el existencialismo de que ha hecho gala en sus últimas obras. Si algo puede salir mal no duden de que irá a peor. Muy duro pero narrativamente impecable.

El maestro sigue de despedida, cada una de sus últimas entregas es una incógnita. A veces factura trabajos que no están a la altura de su talento o donde se nota el peso de los años. Pero el que tuvo retuvo y pasará mucho tiempo antes de que alguien consiga arrebatarle a Giménez su corona de rey del comic español.



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viernes, 24 de mayo de 2019

KAZUO KOIKE RIP MANGA

Kazuo Koike fallece 17 abri l2019 manga

EL DEBER CUMPLIDO
Escribo esto un 8 de mayo, el día en que Kazuo Koike habría cumplido 83 años. Lamentablemente el venerable guionista japonés nos dejó un poco antes, el pasado 17 de abril de 2019.


Se va uno de los grandes, a la altura de Kurtzman, Hergé, Goscinny, Berardi o Holdaway.

Participó en series de televisión, escribió algún guión para Marvel, fundó una escuela de manga por la que pasaron figuras tan relevantes como Rumiko Takahashi y colaboró con múltiples dibujantes. En España lo descubrimos en 1992, durante la primera oleada japonesa, con “Crying Freeman”, que luego sería adaptada al cine. Reconozco que aquella historia de yakuzas con genitales vaporosos y dibujos a cargo de Ryoichi Ikegami no me pilló. Pero ahora mismo solo pienso en revisarla.

En 2003 se publicó “El lobo solitario y su cachorro”, la saga que nos demostró hasta dónde podía llegar el talento de Koike. Además allí le acompañaba otro creador notable, el especialísimo ilustrador Goseki Kojima. La serie venía precedida por una fama mundial y no defraudó.


En años posteriores se fueron editando muchos de sus trabajos. Reconozco cierta pereza a la hora de abordar aquellos no ilustrados por Kojima, como “Lady Snowblood” (publicado en 2006) o “El nuevo lobo solitario y su cachorro”•(en 2016). También me costó hincarle el diente a sus delirios mitológicos, su versión del rey mono, “Son Goku” (2016) o “La leyenda de Kujaku” (2017).

El resto de su producción es tan disfrutable que ahora mismo corro a conseguir los volúmenes que me faltan, porque seguro que contendrán elementos de interés que no supe apreciar en su momento. Empezó a publicar en los setenta y estuvo escribiendo prácticamente hasta el final de sus días. Aquí conocimos su trabajo de forma desordenada y una buena parte todavía permanece inédita.

Kei manga de Kazuo Koike RIP Obituario 2019
Es justo recordar que en los últimos años nos pegamos un verdadero festín de obras de Koike y Kojima. En muchas teníamos esa sensación que a veces nos invade con las películas de Ford o de Berlanga.

Que aunque las situaciones y los tiempos cambien, siempre encontramos la misma troupe de personajes.

Los guiones de Koike trazan una geografía familiar en la que los personajes de una serie se pasean por el fondo de otra. Y todos comparten una misma responsabilidad, una misma fuerza vital. El autor defendía que eran los personajes los que construían las historias, un principio que comparten muchos grandes guionistas. Los hechos no importan, cuenta la caracterización, la capacidad para insuflar vida en esas creaciones de papel. Koike tenía ese don.

Tanto en “Asa, el ejecutor”, “Hanzo. el camino del asesino”, “El hombre sediento”, “Kei”, “Kasajiro, el clava-tatamis” o en “Llegó la primavera” descubrimos a personajes profundamente humanos, que padecen, aman, luchan y aprenden con fiereza. Y que además comparten un inquebrantable sentido del deber que les permite aportar algo de sentido a sus difíciles existencias.

Los héroes de Koike se enfrentaban a las más duras pruebas con la mirada serena del samurai. En muchos casos esos principios eran negados por una realidad corrupta y amoral. Son en general vasallos con señores que no merecen a tan leales servidores. Aunque no en todos los casos. Uno de los aspectos llamativos en “Hanzo” era la admiración mutua que el ninja y su señor se profesaban y cómo uno aprendía constantemente con el otro.




Otro asunto digno de mención era el tratamiento de las mujeres. Por un lado abundaban en la obra de Koike las escenas de amor apasionado, en eso era un digno hijo de los setenta y nunca dudó a la hora de mostrar los sentimientos y la violencia implícitos en el sexo. Sus personajes hacen el amor como pelean: a vida o muerte. Sentía una genuina compasión hacia las mujeres que sufren. Podía describir a auténticas brujas, Lady Macbeths capaces de las mayores atrocidades. Pero también era muy capaz de explicar el dolor femenino ante los abusos de algunos hombres. Para recordar la escena en que el héroe se ponía a llorar ante un grupo de fulanas, conmovido por sus padecimientos cotidianos. Los sentimientos, en Koike, siempre eran más grandes que la vida.

Ya solo nos queda revisar todo lo que no leímos en su momento y recuperar sus últimas series, como “Shingen Takeda. El tigre de Kai” o “El Carterista” (ambas publicadas en 2017), confiando en que durante los próximos años continúen llegándonos trabajos inéditos de Koike.

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