JULIA de BERARDI, VANNINI y ROI

Aleta Ediciones. 
Valencia, 2011.
256 páginas. 13 euros

C.S.I. DESDE GÉNOVA

Llevaba años esperando esta serie policíaca escrita por el genovés Giancarlo Berardi. Finalmente, alguien se ha atrevido a editarla aquí.

No es que sea buena, es que es mejor de lo que se podía sospechar. Por un lado el dibujo no decepciona. Tras su “divorcio” con el talentoso Milazzo, un artista prodigioso que le acompañó en gran parte de su trayectoria profesional en series como Marvin el detective o Ken Parker, nos temíamos que no encontrase otro compañero a la altura de éste. Pero no ha sido así. Berardi ha sabido rodearse de un equipo de dibujantes que demuestran que en Italia todavía se conserva muy viva una sólida tradición de dibujo realista en blanco y negro. Sus colaboradores cumplen con creces, ofreciéndonos buenas actuaciones, un dibujo descriptivo y preciso con los escenarios y un expresivo entintado que favorece los contrastes de luces y sombras. Exhiben algunas de las mejores cualidades de Milazzo, sin caer en sus excesos impresionistas, una de las razones esgrimidas por el guionista para romper con él. El arte de Milazzo había llegado a ser tan evanescente que apenas se podía seguir la historia. No ocurre esto con los actuales socios de Berardi, profesionales de narrativa sólida y directa, sin distracciones.

Aunque, como ya habrán podido suponer, aquí lo más importante es el argumento. Berardi contaba que, tras pasarse tantos años con Ken Parker, necesitaba abandonar el western y recorrer otros territorios. Fue entonces cuando decidió volver a la universidad para matricularse en criminología. Así podía obtener la base necesaria para escribir con seguridad sobre el género negro que se proponía conquistar. El resultado de ese esfuerzo es Julia, una serie para la que escribe cientos de páginas al mes, razón por la que se ve obligado a trabajar con varios artistas a la vez. La protagonista tiene la cara de Audrey Hepburn y su chacha se parece a Whoopi Goldberg, algo que no sorprende en una ficción cargada de referencias cinematográficas.

Berardi transita todos los clichés del género, de los enfrentamientos entre la investigadora privada con la policía a la búsqueda de pistas, muchas de las cuales acaban resultando falsas, hasta los peligros a los que habitualmente se enfrentan quienes como Julia meten sus narices donde nadie les llama. Las aventuras oscilan entre la tradición policíaca más clásica, con sus pesquisas para determinar quién es el asesino, y el enfoque más social de la novela negra. La propia Julia tiene ocasión de reflexionar sobre los impulsos criminales y su origen, personal o social. Berardi es lo bastante hábil e inteligente como para no ofrecer respuestas concretas ni perderse en discursos. Deja que sus personajes actúen y enseguida nos sumergimos en la acción, dejándonos llevar por nuestras emociones.

Por el camino el italiano demuestra porqué sigue siendo el mejor guionista de la vieja Europa. Con ideas como esa relación entre Julia y un novio al que no llegamos a ver, sólo se le escucha a través de diferentes llamadas de teléfono y por las noticias que otros nos ofrecen sobre él. A pesar de esa invisibilidad, al final es como si lo conociéramos. O esa forma tan sutil de prestar atención a personajes secundarios como ese policía que se deja comprar porque tiene a su mujer en el hospital, un pequeño drama que ayuda a puntuar la aventura principal. Por supuesto todos los protagonistas, héroes y villanos, están descritos con esa veracidad que transmite toda la obra de Berardi, que además va dejando cabos sueltos y deslizando detalles que sabemos engarzará con cuidado en posteriores episodios.

Julia es una obra de madurez, un trabajo muy grande, la labor de un maestro que no deberían perderse. Leer más...

SERIE NEGRA: JULIA. EL OJO DEL SOL de BERARDI, MANTERO, ENIO, PICONI

Aleta, 2014
128 páginas, 13,95 euros

Pasito a pasito Giancarlo Berardi permite que su serie Julia vaya creciendo y desplegando su magia ante nosotros. Lo que comenzó como una correcta serie negra ha acabado convirtiéndose en algo mucho más interesante.

Berardi tiene en sí mismo a su principal competidor. Tras su “divorcio” con el prodigioso dibujante Ivo Milazzo se tomó unos años sabáticos para estudiar la carrera de criminología. Así adquirió los conocimientos necesarios para dotar de credibilidad su siguiente creación. El problema es que muchos todavía recordamos su saga anterior como una de las más grandes en la historia del comic europeo y mundial. Ken Parker, sobre todo cuando Milazzo se hacía cargo del dibujo, voló muy alto y nos dejó episodios inolvidables. Por cierto, ahora que abundan las recuperaciones y los Integrales, ya tarda una colección en condiciones de Parker, que aquí conocemos sólo fragmentariamente.

En fin, que Berardi tenía un listón muy alto que superar. Además, aunque asociamos Ken Parker con la pareja Berardi-Milazzo, lo cierto es que fueron varios los dibujantes que ilustraron los guiones, un sistema que se repite en Julia, de una manera aún más industrial. Y es que los italianos coinciden con Japón en su preferencia por el blanco y negro y las historias interminables. Así que es casi imposible que un único dibujante se haga cargo de la abultada cantidad de páginas que se producen cada mes.

Berardi se ha rodeado de un sólido conjunto de dibujantes realistas que pueden despachar con profesionalidad sus exigentes tramas. Los escenarios y las actuaciones de los personajes han de ajustarse con corrección a lo que indican los textos y, aunque los acabados puedan resultar casi vulgares y haya quien se sienta tentado a calificarlo de “trabajo artesanal”, yo aconsejo que no se cometa tal error. Ninguno de los actuales colaboradores de Berardi tiene la personalidad de Milazzo, eso es innegable. Pero son todos cuidadosos profesionales que realizan una labor más que respetable, sobre todo por su invisibilidad, su capacidad para ilustrar el guion, sin distracciones.

En cuanto a la inevitable comparación entre Julia y Ken Parker, la psicóloga-detective con cara de Audrey Hepburn resulta algo más fría que el vaquero amable con cara de Robert Redford. La emoción, que dominaba en Parker, aquí se ve sustituida por la precisión y la racionalización necesarias en todo trabajo de investigación. Pero cabe añadir que el autor ha ido rebajando esa distancia de un episodio al siguiente. A estas alturas, ya ha tenido tiempo de presentar un sólido conjunto de secundarios y de fortalecer sus personalidades. Como ocurría en Tintín, el reparto llega a ser más rico que el protagonista, hasta casi ocupar su lugar en la atención del lector. En Julia sobre todo nos interesa el inspector, cuya atracción por la psicóloga se hace progresivamente evidente pero que mantiene con ella una divertida y constante guerra de sexos. También resulta entrañable su ayudante, más que la criada y confidente de Julia, ese personaje construido a la manera de Whoopi Goldberg y que ha heredado de ella todos los manierismos y pocas de sus virtudes. Hay más personajes y cada vez se les concede un mayor espacio, lo cual es de agradecer.

En la última entrega (hasta el momento) se nos cuenta la historia de una secta, un conjunto de chiflados adoradores del sol y dedicados a suicidarse estrambóticamente. Berardi se toma su tiempo para construir un líder tan contradictorio como lleno de matices. El desarrollo de los hechos, que llevan a los detectives de un lugar a otro en su intento por detener una previsible masacre, está contado con un tempo perfecto, todo resulta interesante y creíble. Es un trabajo sólido y que desborda con mucho la banalidad periodística de los sucesos narrados. Conocemos miles de historias sobre el control mental y la manipulación que ejercen sobre sus acólitos sectas similares a ésta y sin embargo Berardi consigue que todo resulte novedoso y atractivo. Diría que principalmente por una razón: su dominio de las caracterizaciones, su profundo conocimiento de las pasiones humanas y su capacidad para transmitírnoslas de forma convincente. No se lo pierdan.
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KEN PARKER COMIC WESTERN de MILAZZO y BERARDI

ECC, 2018
200 páginas, 9,95 euros.

ESTO NO HA HECHO MÁS QUE EMPEZAR

Finalmente ha llegado el día. La reedición de Ken Parker ha superado los números publicados por Zinco en los ochenta y ya han llegado a las librerías los primeros episodios inéditos en España.

Ya saben que el guionista estaba muy acompañado en esta aventura. Para satisfacer las necesidades de los lectores no bastaba con un único dibujante, nadie habría sido capaz de facturar la enorme cantidad de páginas que saltaban a las prensas cada mes. Así que esa labor se repartía entre varios artistas, algunos tan prestigiosos como Alessandrini, que firma algunos de los capítulos ya publicados en este relanzamiento. Otros, como Marraffa, Trevisan o Calegari, sin alcanzar el nivel del citado, son sólidos artesanos de estilo realista y acabados cargados de tramas y detalles.

Y todos ilustrando a Berardi, que asegura siempre la calidad del producto. Será más o menos bueno, pero sabemos que tendrá interés y que no ofenderá nuestra inteligencia como lectores. Esto son historias clásicas del oeste, con situaciones que hemos visto muchas veces en el cine: el preso al que el populacho intenta linchar, la venganza del mestizo, el planeadísimo asalto al banco, el desalmado que vende armas a los indios, etc. Relatos con el sabor de lo conocido a los que el guionista aporta nuevos matices, con personajes convincentes y vivos, comentarios sociales y críticos y una genuina preocupación por la vida y las penurias de la gente corriente.



Berardi es un creador original, aunque trabaje sobre material muy trillado. Eso se aprecia en todos sus argumentos y resulta mucho más evidente cuando le acompaña su cómplice y amigo Ivo Milazzo. Este fabuloso dibujante firma “Un hombre inútil”, un enternecedor capítulo sobre un militar que se jubila. Si ya el tema nos recuerda la clásica “La legión invencible” (“She wore a yellow ribbon”) de Ford, los parecidos se evidencian cuando vemos al viejo soldado acercarse al cementerio para visitar por última vez la tumba de su mujer.

Pero como ya he dicho Berardi hace mucho más que citar a los maestros. Una vez que ha establecido el asunto le da la vuelta y convierte una narración nostálgica, elegíaca, en una afirmación vital. El recién jubilado, forzado por las circunstancias, se ve obligado a reconocer que aún le queda cuerda para rato. El final es tan positivo como emocionante, una afirmación de la vida que se abre paso, pese a lo duras que resultan algunas circunstancias.

Por el camino además se nos presenta a algunos personajes pintorescos, como esa familia que engaña al héroe y juega con fuego en el poblado indio. O la mujer del comandante, que inicia el viaje muy embarazada y luego desafía todos los peligros hasta conseguir que su retoño nazca sano y salvo. Y todo, dibujado con el maravilloso pincel de Milazzo. Es un genuino heredero de los grandes maestros de la mancha, de Sickles a Toth pasando por Caniff.

Al final, su grado de simplificación fue tan extremo que Berardi se acabó “divorciando” de él, cuando creyó que su dibujo ya no servía para contar bien las historias. En Ken Parker podemos disfrutar y maravillarnos ante su evolución. Había más rayas en los primeros episodios y ahora ya empiezan a desaparecer, todo se sacrifica en el altar de un contraste absoluto de blanco y negro. Como él mismo explicaba, “lo dibujo todo y luego borro y borro”. Maravillosos sus paisajes y las expresiones de sus personajes. No pueden perdérselo. Leer más...

WESTERN ADAH KEN PARKER BERARDI MILAZZO

ECC, 2019
200 páginas, 9,95 euros

UNA POBRE NIÑA NEGRA
Me había prometido a mí mismo no volver a escribir sobre Ken Parker. Pero el último episodio publicado es un trabajo de tal envergadura que sería un pecado no comentarlo.

La historia de “Adah” se publicó originariamente en 1982. Han tenido que pasar casi cuatro décadas para que un editor español reconociera la calidad de este episodio ¡Demasiados años!

Cuando he comentado con otros lectores las virtudes de Ken Parker observo que es un producto que tiende a ser menospreciado. Al fin y al cabo es un western. Agua pasada, una cosa rancia. Reconozco que mi entusiasmo disminuye cuando Milazzo no se encarga de los lápices (y los “penninos”, como decía él). Pero en esta última entrega hay dos capítulos que no deberían perderse.

En el primero Berardi escribe una intensa historia sobre un indio medio blanco que huye con su amor para vivir una dramática aventura, enfrentado a blancos y rojos. Se titula “La mujer de Cochito” y la dibuja Carlo Ambrosini, que se esfuerza de forma muy meritoria por parecerse a Milazzo. Está muy bien.

Y luego tenemos “Adah”, que es uno de los diez mejores tebeos que yo he leído en mi vida. ¿He dicho diez? Dejémoslo en cinco. A mí “Adah” me vuelve loco. Conocí la versión italiana a color en cartoné. Supongo que antes se publicó en grises en la serie regular, como en la edición española. Pero lo cierto es que muchos de los matices de esa versión a color, con el salto de los tonos planos a viñetas con lavados de acuarela, se pierden en un formato que iguala en exceso los diversos niveles del relato. Y que directamente oculta aspectos importantes, como en la escena de la regla. Adah acaba de tener su primera menstruación y se despierta sobresaltada en medio de la noche. Obviamente la mancha colorada que luego ensucia sus manos en la viñeta siguiente se esfuma en la versión en B/N. Hasta aquí las quejas. El resto es puro disfrute.

Si usted es de los que compra un cómic por su tema aquí tiene excusas de sobra para adquirirlo.

Se nos cuenta la historia de una esclava, de una mujer que pasa por múltiples peripecias que incluyen la explotación laboral y sexual, violaciones y violencias varias, su paso de niña a mujer, su relación con su madre y su abuela, el padre ausente o inalcanzable…

Por supuesto Berardi aprovecha para escribir el mejor comic sobre la esclavitud que yo recuerde. Y sus seguidores ya pueden suponer que no solo aborda la violencia contra la mujer, también el desamparo de la infancia y los abusos a los que cualquier niño puede ser sometido. En muchos casos sin tener siquiera la oportunidad de quejarse o denunciarlo. Pero todo esto no es más que la superficie. Lo verdaderamente profundo, lo bueno, está por debajo de estas excusas argumentales.

Con Milazzo en su mejor momento dibujando personajes tremendamente expresivos, con una narrativa contenida pero al mismo tiempo magistral en cuanto al empleo de masas negras. Ayudado por ese dibujo prodigioso Berardi da vida a unos personajes a los que pronto aprendemos a amar, con reacciones individuales ante unos sucesos históricos que casi se los llevan por delante y complejas relaciones entre todos ellos. “Adah” es el gran tebeo sobre la esclavitud en Norteamérica, justo al inicio de la Guerra Civil.

Nos describe a la perfección las complejas interacciones que se daban entre amos y esclavos. También se apunta a la situación tras la guerra, más mísera y enrarizada de lo deseable. Berardi encadena flash-backs a toda velocidad, cada secuencia mejor que la anterior, con la seca brevedad de los clásicos.

Todo lo que se cuenta es importante y juega un papel en este fenomenal drama. “Adah” es el apasionado retrato de una mujer desde su infancia hasta su madurez, explicando el duro trayecto necesario para conseguir su libertad. Una libertad que no es solo social o económica, también mental y emocional. Es un tour de forcé donde caben todos los matices del universo femenino, con sus fortalezas y debilidades. Háganme un favor: dejen de leer esto y corran a comprar el volumen 23 de la serie Ken Parker.
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KEN PARKER 47 PIEL ROJA DE BERARDI Y MILAZZO

ECC Ediciones. Barcelona, 2022
184 páginas, 9,95 euros

EL ÚLTIMO YANA
No sé qué tebeos se han comprado en lo que llevamos de año. Pero sí cual no deberían perderse: el nº 47 de la serie Ken Parker, uno de los mejores guiones que he leído en mi vida.

No es la primera vez que la serie aborda el problema indio. Si la colonización española se caracterizó por el mestizaje y la integración de los indígenas en la corona, en el norte la norma fue el exterminio. Esa tragedia se ha visto reflejada en muchas películas y ficciones. En la propia saga de Ken Parker ya se ha mostrado en incontables ocasiones la relación del héroe con los nativos, más compasiva que la de otros congéneres blancos. Los creadores italianos Berardi y Milazzo vuelven sobre el asunto para ofrecernos una nueva mirada sobre un tema que ya resulta cansino. Antes de que nadie se me escandalice debo recordar que hablo en términos dramáticos. Cuando una tragedia real se repite mucho en la ficción, acaba perdiendo su eficacia narrativa. ¿Quiere eso decir que ya no nos preocupamos por las repercusiones históricas de los hechos originales? En absoluto, pero debemos de ser conscientes de qué funciona y qué no, en una narración. En el ejemplo que nos ocupa, lo más trillado, lo menos emocionante de la historia, son precisamente los pasajes en que malvados blancos atacan poblados de indefensos indios, con sangrientas masacres de ancianos, mujeres y niños. Porque desde “Soldado azul” para acá ya lo hemos visto muchas veces. En cambio el tebeo acierta a lo grande cuando explora otros territorios menos conocidos. Comienza con un prólogo: durante una exploración por tierras desconocidas Parker tropieza con los restos de una tribu casi prehistórica. Un patético conjunto de famélicos nativos, a punto de perecer por falta de alimentos. Les permiten quedarse con la pieza que habían cazado y, a cambio, los desgraciados les regalan unas humildes cestas. El episodio no explica nada más pero crea el clima emocional que luego presidirá todo el relato.

En el primer acto se produce el reencuentro de Ishi, uno de aquellos indios, con Parker en un pueblo donde el nativo buscaba comida. El sheriff, un claro homenaje a John Wayne que hasta se llama Duke, le salva de la multitud que intenta lincharle. El sheriff y su encantadora hija lo cuidan e intentan comunicarse con él. Otro indígena le habla pero Ishi solo reconoce el dialecto de su tribu. Se dan cuenta de los años que puede haber pasado en soledad y de que probablemente Leer más...

KEN PARKER DE BERARDI y MILAZZO

ECC Ediciones. Barcelona, 2017.
200 páginas, 9,95 euros.

VUELVE PARKER

Ken Parker nació a finales de los setenta. Debía mucho a westerns como Las aventuras de Jeremiah Johnson (S. Pollack, 1972). 

Parker tenía un cierto aire a Redford y compartía con él una actitud amistosa hacia animales e indios.

Sin renunciar a unas profundas raíces clásicas, que afloran en la serie en citas evidentes a películas de Hawks o Ray entre otros, esta saga resultaba más “moderna” que otras aproximaciones europeas al género. Aunque ya Blueberry, Comanche o Jerry Springs contenían no pocos elementos de crítica y una posición pro-india evidente, Parker iba desde su primer episodio más allá.

En la serie abundaban las aventuras marcadas por una evidente preocupación ecológica. El asunto del racismo también estaba muy presente así como las mujeres, que desempeñaban con frecuencia papeles protagonistas. Preguntado el guionista al respecto su respuesta era que aparecían por la misma razón que los niños. Porque normalmente eran los más débiles y se les negaba la voz. Así que él tenía como misión contar sus historias, que habían permanecido silenciadas.

Primero, recordar que este no es el primer intento de edición de Ken Parker en España. Zinco publicó bastantes números en los ochenta pero la serie se interrumpió y luego nunca llegó a completarse. Aquella edición mantenía el formato italiano original que era pequeño pero no tanto como el actual de ECC. En todo caso la actual es mejor que la segunda edición, a cargo de Norma en 2004. Una aproximación demasiado lujosa y que no convenía al sencillo material de partida, creo yo.

Ken Parker es un tebeo humilde y popular y debe parecerlo. Lo de Norma también tuvo un final abrupto. Ahora se ha vuelto a la casilla de partida, lo cual resulta un tanto arriesgado. Los lectores viejos como yo esperaremos a que la colección alcance el número donde se cortó la edición de Zinco. ¿Habrá suficientes nuevos compradores como para que esta aventura editorial no se venga abajo? Tendrán que sortear algunos escollos.

Los que conocemos el material que facturaron Berardi y Milazzo podemos afirmar que merece la pena. La serie contiene algunas de las mejores historietas que se hayan dibujado (y escrito) jamás. La balada de Pat O’Shane era una obra maestra, pero no dejaba de ser un episodio más en una saga que siempre se mantuvo a gran altura. Milazzo tardó un poco en madurar. Su dibujo fue despojándose de detalles innecesarios hasta convertirse en uno de los más impresionistas y sugerentes que hemos conocido, pero le llevó un tiempo conseguirlo. Además, no siempre se encargó él de los lápices. Durante bastantes números se alternaba en la realización gráfica con otros dibujantes no tan inspirados. Como habrá podido comprobar cualquiera que haya leído las dos primeras entregas, al principio todo es un poco torpe y demasiado explícito. Pero yo les ruego que le den una oportunidad y que tengan algo de paciencia. Porque en seguida vienen episodios en los que Berardi demuestra que se cuenta entre los mejores guionistas del mundo, un humanista con un tremendo talento para construir personajes creíbles y variados.
Y Milazzo va paso a paso transitando un camino de sumas y restas que a la postre le llevaría a separarse de su colega escritor. Llegó un momento en la serie, en los episodios que nunca se publicaron aquí, que su grafismo era tan simplificado que Berardi consideró que no transmitía bien sus historias. Así que se separaron abandonando al personaje. Cada cierto tiempo se rumorea que van a volver a juntarse para facturar un último álbum de Parker. En todo caso yo aconsejaría a los de ECC que alternaran los episodios cronológicos de la serie con algunos de los álbumes especiales como Adah, una brillante historia a color inédita en España. Nos darían una alegría.
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KEN PARKET Nº 31 de BERARDI MILAZZO COMIC WESTERN

Ken Parker nº 31. Donde mueren los titanes.
ECCComics. Barcelona, 2021.
216 páginas, 14,95 euros.

DE TITANES Y HOMBRES
Ya he hablado en muchas ocasiones de Ken Parker, una serie italiana de hace treinta años que se reedita en la actualidad. Solo sus primeros episodios habían conocido una publicación en español a finales de los ochenta.

Cada vez que aparece otra historia magistral pienso “ya está, es la última vez que hablo de Parker”. Pero luego sacan otra aun mejor que la anterior. Así que aquí estoy de vuelta, maravillado por la recuperación de una obra que nunca pensé que llegaría a leer completa, las cuatro estaciones que protagonizan esta entrega. Cuatro relatos mudos, con todas las dificultades de lenguaje que ello conlleva, ¡y a color! Aparecieron en parte en la revista Cimoc pero esta es la primera vez que se agrupan y además con un color cuidado. Para redondear vienen acompañadas de otros dos episodios a color, ambos muy interesantes. En todos los casos con dibujos del extraordinario Milazzo. Berardi, a cargo de los guiones, es un valor seguro. Pero cuando unía fuerzas con Milazzo las cotas de calidad que alcanzaban eran extraordinarias. Como aquí. No dudo en calificar esta entrega como uno de los grandes comics de la historia, sin exageraciones.

“El aliento y el sueño” fue un proyecto especial en el conjunto de una serie publicada en blanco y negro. Para que esas aventuras en color fueran aun más exóticas decidieron hacerlas sin palabras. Cada parte no solo reflejaba una estación, asegurando una variedad climática y cromática, ambiental, además abordaban asuntos graves como la caza, la vida y la muerte, la reproducción o el paso del tiempo. No de forma grandilocuente sino con una apabullante sencillez y una tremenda naturalidad. Todo es divertido y triste a la vez, épico y ridículo y sobre todo profundamente humano. Cuesta decidir cual es el

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JULIA. MUERTE ASEGURADA de BERARDI, CARACUZZO & DALL'AGNOL

Aleta, 2014
256 páginas, 13,95 euros

LOS SERIALES SON PARA SIEMPRE

Desde sus orígenes, el comic se ha caracterizado por narrar historias eternas con personajes que no mueren nunca, continuando la tradición de los seriales. Cuando una serie tiene éxito ¿por qué interrumpirla?

Aunque con los años se ha conseguido una mayor variedad, la fórmula del “continuará” permanece. Muchos lectores se mantienen fieles a un personaje o título, olvidando qué autores se esconden detrás.

Algunos de los mejores tebeos todavía se encuentran entre las páginas de sagas muy populares, que conservan su calidad número tras número. Hoy quería citar algunas de esas series. Como Macanudo, de Liniers editado por Random House. El humorista argentino alcanza el noveno volumen que recopila su peculiar tira y mantiene todas sus constantes. Humor tierno o surrealista, da igual, al final siempre consigue hacernos sonreír.

La serie de Los Muertos Vivientes ha conseguido una justa fama gracias a su adaptación televisiva, pero el tebeo original sigue en marcha y su interés no desciende. Los dibujos de Adlard son tan eficaces e impactantes como narrativos y los guiones de Kirkman continúan enganchándonos y manteniéndonos en vilo. A estas alturas los zombis son ya casi parte del paisaje y los verdaderos problemas los causan los vivos, los demasiado vivos. Ya he recomendado tantas veces esta serie que poco más podría añadir.

De América nos vamos a Europa, más concretamente a Italia, de donde nos llega Julia, otra de mis favoritas. La edición española alcanza el octavo libro, que incluye material de 1999 y 2000. Como siempre, excelente. Puestos a elegir me quedo con la segunda historia, donde se entrelazan los recuerdos reprimidos de uno de los personajes con las andanzas de la protagonista, en este caso en plena aventura sentimental con un colega recién separado. Es una delicia comprobar cómo Giancarlo Berardi, el guionista, dispone sus piezas en un delicado conjunto donde nada sobra y todo aporta su fragmento de realidad a una obra tan detallada como interesante. El dibujo, como siempre, impresionista y real, fresco pero ajustado permanentemente a lo narrado.

Dejo para el final lo más exótico. De Europa nos trasladamos a Japón, donde ya hace años Tezuka publicó Fenix. En España se editaba hace poco su quinto tomo recopilatorio. Se inicia con una muerte y luego se nos explica lo que le ocurre a ese personaje que se acaba de estrellar contra el suelo, en una retorcida historia de resurrecciones. Sonaría muy raro si no fuera porque ya hace tiempo que sabemos que en Fénix puede pasar cualquier cosa. En esta gran reflexión sobre la vida y la muerte hemos visto fuerzas cataclísmicas en conflicto y luchas apocalípticas que nos han curado de espantos. Casi cualquier cosa es posible con Tezuka, su imaginación y arrolladora pasión narrativa no conocen límites así que entrar en Fénix es prepararse para que lo imposible se convierta en cotidiano. En el volumen conviven varios relatos donde se nos habla de robots que se sienten humanos y humanos que son reconvertidos en robots, y las consecuencias de estas situaciones. Al final, todo acaba rondando los grandes asuntos que preocupaban al autor: qué es lo que nos hace vivir y cuáles las razones para enfrentarse a la muerte y la desesperación.

Y, ya que hablamos de series, quiero recordar que Giménez casi ha concluido su trabajo dedicado a Pepe González, edita Panini  y que Sakai ha abandonado momentáneamente su Usagi Yojimbo para dibujar 47 Ronin una novela gráfica con samurais de verdad.

 

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COMICS DEL OESTE WESTERNS EN VIÑETAS

EL OESTE, MEJOR EN VIÑETAS

El western vive una auténtica edad dorada en el cómic, mientras languidece en las pantallas. Y además en Europa, lejos de su lugar de origen.

Franz
Wyoming Doll
Ponent Mon, Valencia, 2021.
68 páginas, 19 euros.

Ya saben que algunas de las mejores y más populares series europeas son del oeste: Tex, Blueberry, Jerry Spring, Comanche, Ken Parker... Recientemente nos llegaba un álbum con guión de Franz, una rareza escrita y dibujada por él y uno de sus últimos trabajos. No es un autor al que yo prestara mucha atención. Tuvo la mala suerte de continuar sagas iniciadas por monstruos como Hermann, a quien sustituyó en Yugurta, o Jijé, en Jerry Spring. De repente apareció en las estanterías Wyoming doll, un volumen que abordaba de manera realista un tema clásico del cine, el de los niños blancos secuestrados y criados por los indios. Sin ir más lejos, Ford lo tocó en dos clásicos, “Dos cabalgan juntos” y, por supuesto, “Centauros del desierto”. El enfoque de Franz es novedoso, realista y descarnado, con muchos personajes que se entrecruzan, momentos cómicos y dramáticos y un dibujo sucio y detallado hasta la extenuación. Es una obra rara y de tono seco y distante, como si el autor nos dijera “esto es lo que hay”. No agradable pero sí real.

Ya mencioné en su momento la nueva versión de Lucky Luke, que es bastante razonable, una más entre el aluvión de westerns que van llegando. De Undertaker solo he leído un álbum y el guión no me interesó, aunque reconozco la fuerza de la puesta en escena. 

Makan y Kordey
Marshall Bass 6. Los lobos
ECC. Barcelona, 2022.

56 páginas, 12,95 euros.

Si hablamos de dibujo, hay una saga que va muy por delante de todas las demás, demostrando que Igor Kordey es en la actualidad el mejor dibujante realista del mundo. Marshal Bass alcanza su sexto episodio y cada uno es mejor que el anterior. Los guiones de Macan no despiertan mi entusiasmo. Nos recuerda que el mundo es un infierno en el que apenas podemos hacer otra cosa que luchar por sobrevivir. Cambian los escenarios y los protagonistas, en una admirable variedad racial y sexual. Pueden ser indios, mexicanos, tullidos, veteranos de guerra o psicópatas. Al final todos intentarán matar al protagonista y a quien se les ponga por delante. Es un universo sin compasión ni redención. Admitida esa premisa, la serie se disfruta sin reparos. Kordey se asegura de iniciar siempre sus historias con una doble página que nos aguarda en el primer pliego y que nos deja invariablemente sin aliento. Puede ser una vista de un pueblo polvoriento, una feria universal o, como en este caso, una hacienda mexicana. Pero siempre es espectacular y deslumbrante. Por su profundidad, por su magistral dominio de la perspectiva, por el detalle de caballos, perros, vacas o árboles. En una saga protagonizada por un sheriff negro resultaba crucial una perfecta representación de los afroamericanos y aquí lo es, sin reparo alguno. A Kordey le gustan las sombras, lleva años llenando las figuras de matices oscuros hasta límites insospechados y sin perder por ello la dignidad y hasta la belleza de los rostros. Maravillosos los retratos de las hijas del héroe y de su mujer. Tampoco falla en la caracterización de los mexicanos ni en los gestos de los villanos y la plasmación de sus felonías en un conjunto de expresiones exageradas y grandilocuentes. La razón para seguir Marshall Bass es el dibujo. No es un motivo menor. Más bien al contrario, sobre todo cuando le sumamos el vibrante color de Vitkovic y del propio Kordey, que figura como “supervisor de color”. Para no olvidar la increíble portada de este número seis. Cuesta creer que alguien se hay atrevido a diseñar algo así. En fin, un placer para los sentidos que no deberían perderse.

A TRAVÉS DE LAS ROCOSAS

Berardi, Mantero y Ortiz
Ken Parker. La caravana Donaver (I y II)
ECC. Barcelona, 2022.
136 páginas, 9,95 euros.

Ken Parker juega en otra liga. Primero, porque es una reedición y en B/N. Publicada originalmente en Italia entre 1977 y 1984, reapareció en varias revistas a finales de los ochenta para resucitar después como Ken Parker Magazine y más tarde Ken Parker Speciale. En España hubo un primer conato de publicación en los ochenta que, a pesar de la indudable calidad del producto, se quedó a medias. Recientemente ECC se comprometió a editar la saga completa y parecen dispuestos a cumplir su promesa, algo que los aficionados les agradeceremos eternamente.

Es una de esas series que dividen las aguas. Dos lectores de comics pueden discrepar en cuanto a quien les gusta más, si Greg o Goscinny, siempre hay terrenos sujetos a discusión y con cierto grado de ambigüedad. Luego hay obras que definen el medio. “Esto es un buen tebeo”. Y si a alguien no le gustan es, simplemente, porque

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TEBEOS BIENINTENCIONADOS COMICSS

INTENCIONES Y RESULTADOS
Las librerías se llenan de tebeos bienintencionados. Algunos son estupendos, otros no tanto. No conviene confundir los buenos deseos con los resultados. Una cosa es predicar y otra...

Beradi y Milazzo
Ken Parker. Un soplo de libertad
ECC, Barcelona, 2021.
176 páginas, 9,95 euros.

Desde que comenzó la reedición de Ken Parker he ido acumulando reseñas porque los episodios magistrales se suceden. Permítanme que mencione otro más, con el héroe en la cárcel. Llevaba mucho tiempo acosado injustamente por la policía. Su estancia en la penitenciaría brinda a Berardi la oportunidad de escribir un intenso drama cargado con los secundarios habituales. Tenemos al jefe mafioso que dirige el cotarro ayudado por un guardaespladas lleno de matices, un alcaide con buena voluntad que ve cómo su penal se desintegra ante sus ojos, el clásico preso institucionalizado, que ya no concibe la vida fuera de las paredes de su celda y muchos más. Si pensaban que ya sabían todo lo que podía llegar a pasar en una prisión se equivocaban. Ya lo demostró Tom Wolfe en “Todo un hombre” y Berardi vuelve a probar que las viejas historias son siempre las mejores. Sobre todo cuando te acompaña un maestro del dibujo como Milazzo. Su dibujo se reduce a un puro juego de luces y sombras y sus tendencias impresionistas se acentúan, sin perder emotividad ni su gran habilidad para expresar los sentimientos de los personajes. De obligada lectura.

Ennis y Cáceres
Cinema Purgatorio
Panini Comics, Barcelona, 2021.
176 páginas, 22 euros.

La versión de “Cinema Purgatorio” de Ennis no es tan redonda pero se disfruta de lo lindo. Ayuda el imposible dibujo de Caceres, que hace de la saturación su principal virtud. Apenas quedan milímetros de las viñetas sin rellenar, rayar o puntear de alguna forma. Pero tanto esfuerzo le sienta bien a un relato terrorífico como éste. Se trata de un mundo en el que vampiros, momias, zombis y hombres lobo conviven con los humanos. 

Ennis aporta su peculiar y salvaje humor a una historia que nunca decae. Se lee de un tirón y al final el vampiro con tendencias suicidas nos deja con ganas de más.

Tamaki y Jones
Supergirl. Fuera de lo común.
Editorial Hidra, 2021.
208 páginas, 14,95 euros.

Bajamos otro escalón con

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SAGAS DE COMIC ACTUALES

SERIES EN MARCHA
Algunos de los mejores comics que se publican aparecen dentro de sagas que pueden prolongarse durante años o décadas. Conviene recordar algunos de ellos, en concreto estas 5 o 6 para que no los dejen pasar.

Walter Simonson
Ragnarok 3. La destrucción de Helheim
Panini Comics, 2021. 

160 páginas, 19 euros

Simonson vuelve con su nueva versión de Thor, muy alejada de la que creó hace años para Marvel. Se alcanza el cuarto volumen de “Ragnarok” con una épica aventura en la que viajamos con el dios del trueno a un peculiar infierno donde se encontrará con un valiente grupo de guerreros transformados en lobos. 

El trágico héroe ha vuelto de una muerte que no era del todo definitiva y se hace acompañar de una irónica ardilla. Y muchas cosas más. Imprescindible.

Leo-Rodolphe-Janjetov
Centaurus 4. Tierra de angustia
ECC. Barcelona, 2021.
48 páginas, 10,95 euros.

“Centaurus” llega al cuarto volumen de una serie a la que solo puede ponérsele una pega: que no la dibuja Leo. Solo la escribe, junto con su cómplice Rodolphe. Janjetov nos mete inmediatamente en materia y consigue recrear las atmósferas de las otras sagas del genial creador brasileño, como la recientemente reeditada “Aldebarán” o su secuela “Betelgeuse”. 

Aventuras cósmicas a gran escala, fauna y flora muy terroríficas y un constante flujo de sorpresas. No se lo pierdan.

Stan Sakai
Los Ocultos
Planeta cómic, 2021
200 páginas, 12.30 euros.
Poco más puedo añadir a todo lo que ya he escrito sobre Usagi Yojimbo. En “Los ocultos” retoma un asunto que ya había aparecido en una aventura anterior y aquí lo desarrolla hasta ocupar todo el volumen. 

Con un tono detectivesco, los protagonistas buscan la primera versión de La Biblia en japonés. Emotiva y estremecedora y con un final de altura. Sakai no afloja y escribe un relato entretenido y enternecedor a partes iguales.

Berardi y Milazzo

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FAUSTINO RODRÍGUEZ ARBESÚ DEP

UN HOMBRE LIBRE
A finales de diciembre de 2021 fallecía en Gijón Faustino Rodríguez Arbesú. Su último libro, escrito en colaboración con su hija Sofía, fue un profundo análisis de “Little Nemo”, una obra que ya había comentado en su revista “El Wendigo” en dos artículos antológicos que les recomiendo revisar. En sus publicaciones se centró en la relación de Asturias con el cómic. También escribió textos biográficos con motivo de exposiciones como la dedicada a los hermanos De la Fuente. Y guiones para cómic, sobre todo en colaboración con el dibujante Isaac del Rivero Jr., con historias que todavía hoy sorprenden por lo avanzado de su lenguaje, como “Sureño”.

Además de una carrera profesional como perito industrial primero y profesor de soldadura en la universidad después, desarrolló desde la infancia un amor por el cine y los tebeos que marcaría su trayectoria intelectual. En ambos campos mantuvo una posición decididamente popular. Para él los buenos tebeos y los mejores films debían ser universalmente comprendidos y admirados. Así que cuando el Festival de Cine de Gijón dedicó una sección a “las peores películas de la historia” sugirió que incluyeran unas cuantas de la Nouvelle Vague. Volcó sus afectos primero en un cine-club que llegó a tener incontables socios y luego en la revista “El Wendigo” y en el Salón Internacional del Cómic del Principado de Asturias.

 


Su labor como director del Salón (primero en Oviedo y luego en Gijón) destaca por la abultada lista de maestros que consiguió atraer hacia un evento de presupuesto tan reducido. No hacía distingos entre cómic europeo y americano, clásico o moderno. Si, según sus criterios, la obra tenía calidad, no le importaba si era seria o de humor, para niños o adultos, americana o belga. Lo que puede confirmarse repasando los Premios Haxtur, que él mismo creó, o la interminable lista de invitados: Eisner, Moebius, Lee Falk, Williamson, Joe Kubert, Neal Adams, Daniel Torres, Sakai, Carlos Giménez, Mignola, Van Hamme, Berardi, Yslaire, Neil Gaiman, Bess, Simonson, etc, etc.

Tan importante como su gestión del Salón fue su labor al frente de la revista “El Wendigo”, una de las más longevas en el campo de la crítica de cómic. Allí aplicaba sus conocimientos del lenguaje cinematográfico al ámbito del cómic, comparando parecidos y diferencias y enseñando el valor de

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KAZUO KOIKE RIP MANGA

EL DEBER CUMPLIDO
Escribo esto un 8 de mayo, el día en que Kazuo Koike habría cumplido 83 años. Lamentablemente el venerable guionista japonés nos dejó un poco antes, el pasado 17 de abril de 2019.

Se va uno de los grandes, a la altura de Kurtzman, Hergé, Goscinny, Berardi o Holdaway.

Participó en series de televisión, escribió algún guión para Marvel, fundó una escuela de manga por la que pasaron figuras tan relevantes como Rumiko Takahashi y colaboró con múltiples dibujantes. En España lo descubrimos en 1992, durante la primera oleada japonesa, con “Crying Freeman”, que luego sería adaptada al cine. Reconozco que aquella historia de yakuzas con genitales vaporosos y dibujos a cargo de Ryoichi Ikegami no me pilló. Pero ahora mismo solo pienso en revisarla.

En 2003 se publicó “El lobo solitario y su cachorro”, la saga que nos demostró hasta dónde podía llegar el talento de Koike. Además allí le acompañaba otro creador notable, el especialísimo ilustrador Goseki Kojima. La serie venía precedida por una fama mundial y no defraudó.


En años posteriores se fueron editando muchos de sus trabajos. Reconozco cierta pereza a la hora de abordar aquellos no ilustrados por Kojima, como “Lady Snowblood” (publicado en 2006) o “El nuevo lobo solitario y su cachorro”•(en 2016). También me costó hincarle el diente a sus delirios mitológicos, su versión del rey mono, “Son Goku” (2016) o “La leyenda de Kujaku” (2017).

El resto de su producción es tan disfrutable que ahora mismo corro a conseguir los volúmenes que me faltan, porque seguro que contendrán elementos de interés que no supe apreciar en su momento. Empezó a publicar en los setenta y estuvo escribiendo prácticamente hasta el final de sus días. Aquí conocimos su trabajo de forma desordenada y una buena parte todavía permanece inédita.

Es justo recordar que en los últimos años nos pegamos un verdadero festín de obras de Koike y Kojima. En muchas teníamos esa sensación que a veces nos invade con las películas de Ford o de Berlanga.

Que aunque las situaciones y los tiempos cambien, siempre encontramos la misma troupe de personajes.

Los guiones de Koike trazan una geografía familiar en la que los personajes de una serie se pasean por el fondo de otra. Y todos comparten una misma responsabilidad, una misma fuerza vital. El autor defendía que eran los personajes los que construían las historias, un principio que comparten muchos grandes guionistas. Los hechos no importan, cuenta la caracterización, la capacidad para insuflar vida en esas creaciones de papel. Koike tenía ese don.

Tanto en “Asa, el ejecutor”, “Hanzo. el camino del asesino”, “El hombre sediento”, “Kei”, “Kasajiro, el clava-tatamis” o en “Llegó la primavera” descubrimos a personajes profundamente humanos, que padecen, aman, luchan y aprenden con fiereza. Y que además comparten un inquebrantable sentido del deber que les permite aportar algo de sentido a sus difíciles existencias.

Los héroes de Koike se enfrentaban a las más duras pruebas con la mirada serena del samurai. En muchos casos esos principios eran negados por una realidad corrupta y amoral. Son en general vasallos con señores que no merecen a tan leales servidores. Aunque no en todos los casos. Uno de los aspectos llamativos en “Hanzo” era la admiración mutua que el ninja y su señor se profesaban y cómo uno aprendía constantemente con el otro.




Otro asunto digno de mención era el tratamiento de las mujeres. Por un lado abundaban en la obra de Koike las escenas de amor apasionado, en eso era un digno hijo de los setenta y nunca dudó a la hora de mostrar los sentimientos y la violencia implícitos en el sexo. Sus personajes hacen el amor como pelean: a vida o muerte. Sentía una genuina compasión hacia las mujeres que sufren. Podía describir a auténticas brujas, Lady Macbeths capaces de las mayores atrocidades. Pero también era muy capaz de explicar el dolor femenino ante los abusos de algunos hombres. Para recordar la escena en que el héroe se ponía a llorar ante un grupo de fulanas, conmovido por sus padecimientos cotidianos. Los sentimientos, en Koike, siempre eran más grandes que la vida.

Ya solo nos queda revisar todo lo que no leímos en su momento y recuperar sus últimas series, como “Shingen Takeda. El tigre de Kai” o “El Carterista” (ambas publicadas en 2017), confiando en que durante los próximos años continúen llegándonos trabajos inéditos de Koike.

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JONAS FINK. INTEGRAL de GIARDINO

Norma Editorial, 2019
360 páginas, 35 euros

SOCIALISMO REAL
La reedición de “Jonas Fink” nos permite recuperar uno de los escasos tebeos que intentan describir la vida tras el telón de acero. Como testimonio de la miseria que el comunismo provocó en media Europa es irreprochable.

Más cuando recordamos que el asunto apenas ha saltado a los comics. Recuerdo una clásica historieta de Spain, su breve pero afilada biografía de Stalin, donde plasmaba la dureza del gulag en dos viñetas. También “El Vals del Gulag”, de Pellejero, una bienintencionada aproximación al infierno de los campos de exterminio soviéticos. Si la monumental tragedia soviética casi no ha sido mencionada, la triste vida cotidiana en sus países satélites no parece interesar a nadie. Así que el esfuerzo de Giardino es aun más meritorio considerando que da voz a víctimas prácticamente olvidadas.

Quienes hayan leído anteriores obras de este creador italiano ya saben a qué atenerse. Lo descubrimos en “Sam Pezzo”, una serie negra con un dibujo de línea clara que acentuaba los contrastes de luces y sombras de forma muy ajustada a lo narrado. Allí ya pudimos comprobar su afición a dibujar chicas guapas. Le cuesta incluir en sus repartos a mujeres normales, todas sus protagonistas son espectaculares bellezas a las que desnuda en cuanto el guión se lo permite.

Todo mejoró en “Max Fridman”, donde aportaba un color encantador y abandonaba a Hammet para inclinarse hacia Graham Greene. Era una serie de espías plagada de dilemas morales y, otra vez, señoras estupendas. Su exquisito dibujo acompañaba con naturalidad unos argumentos de ritmo sosegado y lectura pausada.


 Por el camino dibujó algunas obras más, como “Vacaciones fatales” o “Little Ego”, otra vez pobladas por féminas con tendencia a perder la ropa. Cuando decidió llevar a Fridman a la Guerra Civil española le perdí la pista. Giardino es un creador académico y meticuloso. Pero como guionista carece del genio que caracteriza por ejemplo a uno de sus paisanos, Berardi, con cuyas obras seguimos disfrutando mes a mes (si todavía no lo están leyendo, dejen esto y corran a pillar su “Julia” o su “Ken Parker”).

En “Jonas Fink” Giardino demuestra que ha alcanzado una madurez clásica. Todo está perfectamente documentado, sus personajes se distinguen fácilmente y actúan con naturalidad. El protagonista, un niño al que veremos crecer de un episodio al siguiente, asiste al encarcelamiento de su padre, condenado a una pena injusta y de la que casi no pueden ni quejarse. Se visualiza muy bien la opresión de un régimen en el que el individuo no cuenta nada frente al poder del estado.

Luego mantiene un delicado equilibrio entre las andanzas y los sentimientos del joven Fink y la presión de un sistema que desborda paranoia y voluntad de control. Todo el proceso de enamoramiento del adolescente se beneficia del gusto del dibujante por las bellas señoras. No nos cuesta compartir la fascinación del joven por esa atractiva jovencita a la que finalmente perderá, ya que sus padres no permiten que salga con el hijo de un enemigo del pueblo.

Desgraciadamente el diálogo entre el drama personal y el colectivo se pierde en la última parte. Allí se aborda el pasaje más conocido del drama checo, la famosa primavera de Praga. De alguna forma el Fink maduro resulta antipático y sus líos con su amor actual (una vietnamita) y el del pasado (la rusa) no nos interesan como sí lo hacían los sentimientos de su yo adolescente. El telón político de fondo adquiere demasiada importancia y el final parece no llegar nunca. Pese a esa decepcionante conclusión, la obra contiene elementos muy atractivos y secuencias excelentes. A su autor le ha costado casi tres décadas concluirla, así que bien se merece que le den una oportunidad.

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Milan K. Sam Timel y Corentin

¡QUE VIENEN LOS RUSOS!

El Patito Editorial.
Santiago De Compostela, 2010.
64 páginas, 15 euros.

Hace ya tiempo que el mercado europeo intenta renovar viejas fórmulas, incorporando giros narrativos tomados del manga o de la industria americana. Mantengo un ojo puesto en los nuevos autores aunque debo reconocer que después del empacho provocado por los Sfar, Blain y compañía, cada día me siento menos tentado a darles una oportunidad. Con todo siempre hay excepciones, como algunos brillantes trabajos nos han demostrado recientemente. Pienso en el ciclo de Aldebarán, en el terreno de la ciencia-ficción, o en el del Gavilán, en el campo de la historieta histórica más clásica, pero debidamente actualizada. Siempre nos quedan Senté y Bravo para consolarnos. Y la esperanza de que algún día alguien ose traducir al gran Berardi que, desde Italia, continúa escribiendo cientos de páginas de su Julia, ¡cada mes!

Ahora nos llega esta aventura con ambientes que nos recuerdan a otro de los grandes, Van Hamme. En concreto a su serie Largo Winch. Si allí el protagonista era un joven rebelde que heredaba la fortuna de su padre adoptivo pasando a dirigir una multinacional, un conglomerado de empresas de compleja articulación, aquí se parte de una situación similar. Pero algo más complicada. En este guión escrito por Timal todo recuerda sucesos reales. Tenemos a un empresario ruso que se enfrenta a su gobierno, dirigido por un trasunto de Putin, en feo. La situación llega a un extremo tal que el hijo del millonario debe abandonar su refugio suizo y escapar a los USA bajo una identidad falsa, acompañado de su fiel guardaespaldas.

Allí intenta pasar desapercibido y adaptarse a una situación desesperada. Toda su familia ha sido asesinada y él es perseguido por su propio gobierno, que desea arrebatarle los bienes que pertenecían a su padre. Por el camino vemos cómo el protagonista va madurando. Primero es un niño, luego un adolescente y finalmente casi un hombrecito que aprende a base de experiencias muy duras. Aunque el guión está cargado de lugares comunes, como la relación que se establece entre el joven y su guardián, con fases quizás predecibles, la historia en general se sigue con interés. Las secuencias de acción están bien planteadas y se alternan con habilidad en una trama donde priman los diálogos y las conspiraciones al más alto nivel. Destaca esa larga escena final en que se enfrentan a tiros a sus perseguidores por los suburbios de Los Ángeles.

Este no es un tebeo de Van Hamme, no alcanza las honduras que le caracterizan. Pero se mantiene en un nivel digno, es un entretenimiento de calidad que no decepciona las expectativas que genera en el lector. Ello se debe en gran medida al excelente trabajo de Corentin, un dibujante clásico y sólido, que no se anda por las ramas y nos convence con su narración pura y directa. Quizás alguna expresión es mejorable, pero su entintado es fresco y claro y sus escenarios más que apropiados.

No es el mejor tebeo del año, pero si le gustan los thrillers de ambiente político este tebeo le complacerá. Es un trabajo más que correcto, contado con ganas y que sin duda mejorará en próximas entregas. Leer más...

SUPERVIVIENTES. ANOMALÍAS CUÁNTICAS de LEO

ECC Comics, 2017.256 páginas, 26 Euros.

REGRESO A ALDEBARÁN

¡Leo ha vuelto! Y además regresa a los mundos de fantasía con que nos cautivó. Tras Aldebarán, Betelgeuse y Antares ahora llegan estos Supervivientes, dispuestos a demostrar (una vez más) que su creador es el más grande.

Permítanme que comience con algunas fechas. Corben y Shelton nacieron en 1940, Neal Adams y nuestro Carlos Giménez en 1941, Robert Crumb en 1943, Leo en 1944 y Posy Simmonds en 1945. En años posteriores encontramos a otros autores muy famosos: Walt Simonson en 1946, Milazzo y el recientemente fallecido Taniguchi en 1947, el español García López y Wrighston, que también moría este año, en 1948, y Barry Smith, Starlin y Berardi en 1950. Todos ellos son artistas a quienes conocemos bien, que iniciaron sus carreras a principios de los setenta y que llevan más de cuarenta años en activo. Creo que, junto a la inglesa Simmonds, Leo es el menos popular por aquí. De hecho, hace diez años lo ignorábamos todo sobre él.

Luego llegó el ciclo de Aldebarán con sus tres tomos, el de Kenia y los recopilatorios de Trent, el policía montado del Canadá. A estas alturas ya nos hacemos una idea bastante aproximada de sus capacidades y de su extraordinario talento. Leo es uno de los grandes, a la altura de cualquiera de los autores citados más arriba. No solo cuenta con un dibujo sólido y atento a las caracterizaciones y actuaciones de los personajes. También es un maestro de la ambientación y la creación de animales exóticos. Sus mundos son sólidos y creíbles, hermosos y aterradores. En sus historias pasan cosas constantemente, se encadenan los sucesos inesperados pero también entran en liza los sentimientos, presta una atención constante a las emociones de sus protagonistas, sabemos en todo momento qué temen, qué desean, a quién desprecian…

En este ciclo añade a sus peligrosos entornos extraterrestres una dificultad más: alteraciones cuánticas. Funcionan como auténticas puertas inter-dimensionales que transportan a quienes se cruzan con ellas a otros momentos temporales. Así que de repente pueden haber pasado varias décadas y eso solo se descubre cuando se producen reencuentros entre compañeros que se han separado. Las consecuencias emocionales y psicológicas de tales saltos enriquecen mucho el devenir de la historia.

Además, no se conforma con escribir una trepidante aventura intergaláctica. Sus orígenes brasileños aportan una peculiar profundidad a sus relatos. De forma más evidente en los paisajes, donde predominan las junglas y los entornos marinos, también en cuanto a la fauna, siempre variada y abrumadora. Los avisos ecológicos, la reflexión sobre nuestro lugar en una naturaleza habitualmente hostil, se repiten. Otro aspecto es la sexualidad de sus personajes. Tanto ellos como ellas son activos y naturales. Sus figuras son atractivas y seductoras, pero no idiotas. La sensualidad aparece como un factor de movimiento más. En los mundos de Leo el que se queda atrás palma. Hay que tener ganas de vivir y de pelear, siempre. Y el sexo se presenta como una celebración de la vida además de prestarse a muchos posibles juegos de relación entre personalidades fuertes.

En fin, que todo se disfruta en este tebeo. Como en anteriores obras del autor, nos apabulla por la velocidad de sus tramas y lo fascinante de sus aventuras, por su tremenda imaginación y porque hasta el último detalle está pensado para sumergirnos en un viaje del que no deseamos apearnos nunca. Yo ya espero por su siguiente obra…


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