Cartem Comics. Salamanca, 2022
104 páginas, 24 euros
COSACOS Y NAZIS
Dibujo clásico y un ritmo contenido para una dramática historia ambientada al final de la segunda guerra mundial.
La guionista, Válerie Lemaire, una belga que vivió durante una década en la Unión Soviética, explica en la entrevista que se recoge al final de este integral cómo la conmovieron los testimonios de los represaliados por el régimen. Gente corriente que se encontraba por la calle y que le permitió descubrir la verdadera cara del supuesto paraíso comunista. Mientras algunos profesores universitarios se esfuerzan, aún hoy en día, en negar episodios como la tragedia del hambre en Ucrania, mientras justifican el gulag como algo necesario para la industrialización del país, la autora explica que “ya no se trataba de historias leídas en los libros, sino de tragedias vividas por mis amigos”. Una conferencia le señaló cual iba a ser el relato con el que recordaría aquellos dramas. Se trataba de un tema incómodo: los cosacos que se aliaron con Hitler frente a Stalin. Como grupo étnico siempre han tenido fama de salvajes, de tipos violentos al límite de lo humano y por tanto su asociación con el nacionalsocialismo resulta tan natural como despreciable. La guionista asegura que parte de esa fama es legendaria, que tenían valores que nunca aparecieron en libros ni películas. Pero no insiste en ello en su guión, centrado en los sucesos que tuvieron lugar al acabar la guerra.
Antes de avanzar un comentario para el envoltorio del cómic, una edición en un formato grande y agradable, con dibujos de Olivier Neurayen su
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EL HÉROE DEL PUEBLO
Maravilloso tomo que recopila varios episodios del Capitán América dibujados por Chris Samnee. Y que se redondea con otra miniserie a cargo de Leonardo Romero.
El Capi siempre ha sido uno de los grandes arquetipos de Marvel. No tanto un verdadero personaje como un receptáculo, un espacio donde depositar metáforas del sueño americano. En ocasiones eran mensajes críticos, con la mentira del Watergate, con los políticos corruptos, con los populistas que desean engañar al pueblo y privarle de sus derechos... Ha ido cambiando con los años, hasta desdibujarse tanto que cuesta reconocerlo, adoptando personalidades tan variadas como pintorescas. Pero cuando algún buen guionista vuelve a hacerse cargo de él ya sabemos qué se puede esperar: un héroe que, sin ser el más poderoso, representa la esperanza, la firmeza de unos ideales que no admiten la rendición ante el tirano.
Esta enésima recuperación plantea un retorno a las esencias, con un Rogers paseando por los Estados Unidos y reencontrándose con el pueblo. Se trata de reconectar y devolver a la gente la fe en un futuro mejor. Ese planteamiento inicial de repente se olvida, hay un episodio de transición con Kraven, uno de los innumerables “resucitados” de Marvel, y la trama se transforma en otra de viajes en el tiempo y futuros alternativos. En realidad es una
¡QUE VIENE EL ZORRO!
Renart es un personaje de la literatura medieval francesa, un zorro cuyas aventuras han saltado al cómic en diferentes ocasiones.
Hablamos de fábulas, universos donde los animales hablan y ofrecen un reflejo paródico de sus primos humanos. Algo muy común en el cine de animación y también en viñetas. Posiblemente el Renart de cómic más conocido nunca llegó a existir del todo. Cuando a Goscinny y a Uderzo se les planteó crear un personaje para la revista Pilote, la única premisa era que debía relacionarse con algún aspecto de la cultura francesa. Renart se contaba entre los básicos de los estudiantes franceses. Así que dibujaron una página de prueba con el pequeño zorrito. Después descubrieron que otro dibujante se les había adelantado y tuvieron que reunirse de urgencia para pensar una alternativa. Y allí nació Asterix. Nada de animalitos, un galo bigotudo.
Más allá de aquel proyecto frustrado, Sfar también probó suerte con el personaje, publicando dos tomos que permanecen inéditos por aquí. Y ahora nos llega esta encantadora nueva versión. Primero debo advertirles que la monería, los detalles entrañables y cuquis, se limitan a la visualización. Cuando se lee, se comprueba el origen medieval de la historia y que no se han limado aquellos asuntos que hoy se consideran inapropiados para niños.
El manga sigue siendo el estilo más popular. Nuevas series se publican a un ritmo frenético para satisfacer la demanda de jóvenes lectores, que dan la espalda a la venerable bedé y a los rancios superhéroes.
La oferta temática es amplísima, ningún asunto queda sin tratar. Sobresalen los románticos, cómics centrados en los desvelos amorosos de los protagonistas, contemplando también todas las combinaciones genéricas posibles. Especialmente llamativos son los dedicados al horror. Ahí sí que la distancia cultural entre Japón y Occidente marca una diferencia que resulta muy atractiva y original. Más allá de los autores más conocidos van llegando otros, con mundos propios y en algunos casos muy sorprendentes.
Kazuo Umezz Bautismo vol. 1 Manga Satori, Gijón, 2022
200 páginas, 18 euros
En “Bautismo” se nos cuenta la historia de la peor madre del mundo. Una actriz con un problema extremo de psoriasis o similar, que busca la solución a sus males en una hija. Por el camino descubrimos qué sórdidos planes tiene para ella, que no desvelaré aquí. Servido con un dibujo adecuadamente underground, pierde fuelle en el desarrollo, que se estira innecesariamente y no está a la altura de la idea general y de un clima de pesadilla realmente conseguido. Con grandes momentos como la visita a la amiga de la hija o la espeluznante secuencia de la operación. Pero el grafismo es demasiado limitado y la historia se empasta, así que el balance no es satisfactorio.
Lo que hace Shintaro Kago en “Cuerpos extraños” es mezclar horror y humor. O, mejor, practica un humor que puede ser horroroso, una comedia de reprimido, de niño de doce años. Así que casi todo es posible. Un duelo en el que los contrincantes se suben las cremalleras unos a otros y pierde aquel a quien le pillan el pito antes, una desmadrada historia de la revolución industrial, que en su versión sirvió para multiplicar el número de consoladores, una tronchante fantasía sobre los hombres apoyados en las paredes, que supone irresistibles para las mujeres... Sus relatos son cortos así que si algo resulta demasiado perturbador o incómodo no pasa nada porque dura poco. Algunas ocurrencias son realmente divertidas. Obviamente no es para todos los públicos. No creo que a las monjas del Ministerio de Igualdad las hagan ninguna gracia las animaladas del autor. Elles se lo pierden.
Kei Ohkubo Arte nº 9 Arechi Manga, Barcelona, 2022
192 páginas, 9 euros
Salgo de los terrenos del mal rollo para volver a recomendar un manga que se sitúa en las antípodas de los anteriores. Si aquellos nos llevan a espacios insanos donde la crueldad y el humor negrísimo son la norma, “Arte”, que ya ha alcanzado su noveno volumen, sigue dando clases de vida, de un optimismo consciente y que levanta el ánimo de los lectores. Ya saben que cuenta las andanzas de una pintora en el Renacimiento, un gran personaje que la autora ha sabido rodear de un nutrido grupo de secundarios a los que poco a poco otorga un mayor protagonismo. En esta última entrega se centra en dos conocidos de Arte, uno pintor como ella y otra costurera. Los dos quieren mejorar en su trabajo pero no lo consiguen y, de repente, son deprimentemente conscientes de su mediocridad. No tienen talento ¿qué hacer? No hablamos de un libro de autoayuda. Todo se plantea a través de unas escenas perfectamente escritas y de un admirable sentido del drama. Si todavía no lo siguen, debo volver a recomendárselo. Está llena de sutilezas que demuestran la inteligencia de su creadora. Un trabajo muy respetable y que disfrutarán.
DE TARZÁN A KA-ZAR
El éxito de Tarzán propició la aparición de varios héroes de la selva, entre los que destacó Ka-Zar. Nada sorprendente, cuando ya existían otras ficciones anteriores similares al personaje de Burroughs.
Zac Thompson y Germán García Ka-zar, señor de la tierra salvaje Panini, Barcelona, 2022 112 páginas, 14 euros
Del Mowgly de “El libro de la selva” a “Rima”, numerosos autores habían fantaseado con protagonistas educados entre animales y en armonía con la naturaleza. Javier Jiménez Barco, en su excelente libro “Chicago-Marte por 15 centavos” dedicaba un capítulo a esas aventuras exóticas, listando algunas de las imitaciones de Tarzán: Tam, hijo del tigre, Jan de la jungla, Morgo el poderoso, Hawk of the wilderness, Ozar el azteca, Jongor de la tierra perdida, Sheena, reina de la jungla, Ki-Gor... y, por supuesto, Ka-Zar. Este Tarzán rubio tuvo una vida muy breve en el pulp, pero su fortuna mejoró cuando la editorial Marvel se hizo cargo de él, integrándolo en su universo superheroico. Todos recordamos algunas de sus primeras apariciones, acompañado por Zabú y reinando en la Tierra Salvaje. Primero con los contrapicados de Gil Kane y más tarde como escenario para unas trepidantes aventuras de los X-Men más barrocos, con arte de Neal Adams. Con los años Ka-Zar tuvo muchas reencarnaciones. Especialmente afortunadas fueron las dibujadas por Buscema, en plena renovación de los setenta, convirtiendo al malhumorado personaje en una suerte de antecedente de Conan, en episodios violentísimos y rodeado de bellas señoras en paños menores. Por aquel entonces las historias de Shanna (la versión Marvel de Sheena) también se endurecieron, mientras los mensajes ecologistas se radicalizaban. Mucho más tarde, Frank Cho firmó una excelente miniserie de Shanna, convertida para la ocasión en una de sus culturistas sexys y rodeada de ejércitos de dinosaurios. De aquel divertimento a lo que se acaba de publicar median casi veinte años en los que muchas cosas han cambiado.
MAKE WAR NO MORE
El pasado 20 de octubre se inauguraba en el Casal Solleric de Palma la exposición dedicada a Joe Kubert, maestro de maestros. Los aficionados al cómic han podido disfrutar en 2022 de muestras de originales realmente memorables.
2022, EL AÑO DE LAS GRANDES EXPOSICIONES
Curiosamente 2022 se iniciaba con un Salón del Cómic de Barcelona donde la actividad expositiva fue especialmente mediocre. Tan solo destacaba la obligada retrospectiva de Gallardo. Pero luego en Caixa Forum de Madrid pudimos admirar la muestra “Comic. Sueños e historia” y a principios de octubre se presentaba en el Círculo de Bellas Artes una gran retrospectiva de Hergé. La de la Caixa era difícil de superar. Recogía una colección que apabullaba no solo por los autores representados sino por las piezas seleccionadas. Planchas de McCay, Foster, Corben, Moebius, Hergé, Kirby... ¡Y qué planchas! Una lista interminable y embriagadora servida con un montaje impactante donde las grandes ampliaciones no competían con la calidad del material expuesto. Hasta tenían la página del Principe Valiente que Foster regaló a Raymond, que ya es decir.
En la Misericordia el dibujante mallorquín Pau repasa su ya larga trayectoria.
En el Colegio de Arquitectos una expo de Grimalt.
En la planta baja del Solleric, la bedé está representada a través de algunas planchas de Juillard para Blake y Mortimer, además de una intervención de Max.
En el patio se han agrupado algunos sundays de periódicos americanos, acompañados por homenajes de autores locales.
Finalmente, en el entresuelo podrán disfrutar con los originales de Joe Kubert. Planchas, tiras y portadas de diferentes etapas, cedidas por coleccionistas de Europa y Estados Unidos. Aunque la fama del dibujante es innegable, su papel en la Historia del Cómic ha sido minusvalorado. Repasar su legado supone reconocer la frescura de su entintado, su dibujo viril y también delicado y, por supuesto, su visión global de la página. Kubert es el creador de la plancha moderna de cómic, entendida como un todo donde priman los contrastes y una dinámica relación entre viñetas.
Dibujó muchos personajes, de Tor a Punisher pasando por Hawkman, Firehair, o Tex. Sus protagonistas eran luchadores, nunca víctimas. Por muy grande que fuera su sufrimiento, no les pasaba por encima. Hay que resistir si se desea sobrevivir. Sus héroes bélicos transitaron los más diversos conflictos: Enemy Ace en la IGM, Sargento Rock y Haunted Tank en la IIGM o los Green Berets en Vietnam. Menos interesado por la política que por los individuos, su atención puesta siempre en los soldados que debían encontrar el valor en las circunstancias más horribles. Algunas guerras debían lucharse, el holocausto no podía repetirse. Ni en Croacia ni en Ucrania, ni en Taiwan ni en ninguna otra parte. Que así sea.
EL NIÑO DIBUJANTE
Yosaif Kubert nació el 18 de septiembre de 1926 en Ozeryany, pueblecito polaco donde residía toda su familia. Dos meses después embarcaron rumbo a los Estados Unidos. Con apenas doce años comenzó su carrera profesional como ayudante en la editorial MLJ. Trabajó también en el estudio de Harry “A” Chesler y en el de Will Eisner. Allí fregó suelos, borró páginas y realizó pequeños trabajos de entintado. Chesler y Eisner fueron sus mentores, tanto en el terreno artístico como en el empresarial.
A partir de 1942 empezó a realizar encargos para Holyoke, Fiction House, Quality y MLJ, con personajes como Volton, Spark Stevens o Phantom Lady. Entintó a Jack Kirby en un par de números de Newsboy Legion y también a Mort Meskin, una gran influencia en su estilo.
LISTA DE BAJAS
Para la mayoría 2022 será el año en que murió Isabel de Inglaterra. Para los aficionados al cómic este año está resultando fatídico.
Ya he tenido ocasión de escribir dos artículos sobre autores fallecidos en 2022. El primero dedicado a Mézières y el segundo a George Perez, Gallardo y Neal Adams. A ellos se les han sumado creadores tan reconocidos como James Bama, que murió en abril, Garry Leach en marzo, Ken Kelly y Tim Sale en junio y Tom Palmer, Sempe y Lili Renée en agosto. Toda una generación nos está dejando pero algunas de sus obras permanecerán en nuestra memoria.
Bama y Kelly eran sobre todo ilustradores. Del primero recordamos sus impresionantes portadas para las novelas del héroe pulp Doc Savage. Ken Kelly fue más conocido entre los lectores de cómic, gracias a sus portadas para Warren. Alumno destacado de Frazetta, aprendió de aquel el arte de la sugerencia. Una buena portada de fantasía no es la que más detalles tiene sino la que mejor cuenta, la que transmite una mayor intensidad o misterio. Del dibujante británico Garry Leach recordamos sobre todo sus recargadas viñetas para el enloquecido “Miracleman” de Alan Moore.
Tim Sale era un tipo encantador que tuvo una carrera fulgurante. De alguna forma consiguió imponer
LOS BOCADILLOS QUE NO SE COMEN
Esta guía recoge la experiencia y los conocimientos de un diseñador de tipos y rotulista, Nate Piekos. Desarrolla esa información de una manera tan sencilla como ordenada.
Es un material muy recomendable para dibujantes de cómics y amantes de la tipografía en general. El autor comienza asentando las bases, insistiendo en los saberes tradicionales, de la caligrafía al espaciado. Aunque su aproximación es digital, se genera a partir de la experiencia de muchos artesanos. Ellos crean las normas, las costumbres visuales que ahora todo el mundo acepta como habituales. Aunque no se evitan las llamadas a la creatividad y la innovación, se hacen siempre desde un marco jerarquizado, donde lo más importante es la fluidez, la legibilidad, la armonía de las partes. Por tanto, cualquier dibujante acostumbrado a rotular sus textos se sentirá en un terreno familiar ya que Nate Piekos es muy respetuoso con esas destrezas. Lo que hace es aplicarlas a los nuevos escenarios digitales. Más concretamente, su libro se convierte en una guía de uso del Illustrator, en su parte aplicada a la rotulación de comics. Sigue siendo el gran estándar, junto con el Photoshop para colorear. Aunque últimamente marcas como el Clip Studio les pisan los talones en la carrera por ser las más empleados por los profesionales, el libro demuestra que esos viejos programas (me resisto a llamarlos “aplicaciones”) nunca mueren. Están llenos de recursos y atajos que nos facilitan la vida. Y este libro es una guía perfecta para descubrir sus posibilidades y fortalezas. Nadie puede determinar qué ocurrirá en el futuro. ¿Acabarán triunfando aplicaciones emergentes como el Procreate, tan popular entre usuarios de tablets? ¿O se impondrá el ClipStudio, tan adaptado a las necesidades de los mangakas? ¿Qué acabará pasando con Illustrator y Photoshop?
Piekos parte de una realidad, la industrial. Para las editoriales las amables conexiones entre los programas de la suite Adobe, a los que cabe añadir el InDesign para cubrir la parte final de conexión con imprenta, suponen una gran ventaja. En cuanto al
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